Eli Wallach: "Cuando Leone me propuso rodar un 'spaghetti western', yo le dije que me sonaba a una pizza hawaiana"

Por | 31 mayo 2006 | Comentar


Eli Wallach estuvo ayer por Almería. Allí, el V Festival Internacional de Cortometrajes Almería en corto le ha otorgado el Premio-Homenaje 'Almería, tierra de cine'. Este veterano actor sigue activo y ahora se le puede ver como secundario en cintas televisivas o en episodios de series. Pero aquí, como en otros muchos países donde los 'spaghettis westerns' cosecharon legión de seguidores, no se nos olvidará nunca por su papel en El bueno, el feo y el malo. Su personaje, el inolvidable y pícaro Tuco, era el feo, aunque ayer un guasón Wallach aseguró que no le molestaba porque siempre pensó que era "atractivo". Dijo también que volver a Almería 40 años después del rodaje de esta mítica cinta de Leone era "una experiencia muy bonita". Y subrayó el notable cambio que ha experimentado la provincia. "Era un pueblo pequeño, sin hoteles, sin coches, con poca gente, barato y con un clima estupendo, y ahora es una ciudad muy bonita y limpia". Como no podía ser de otra manera, al hacer memoria de buenos recuerdos llevados de su paso por España, habló de cómo cada domingo comía "tapas" y bebía "vino".


Clint Eastwood (Rubio) y Eli Wallach (Tuco), en 'El bueno, el feo y el malo'.
Habló de la cinta que le traía hasta este homenaje y dijo que nunca imaginó similar repercusión de su trabajo en el filme de Sergio Leone. Del realizador italiano dijo que era "un hombre muy trabajador que amaba mucho su profesión". Y después de que se lo pidiera su mujer Anne Jackson, presente en el homenaje al igual que la viuda de Leone, Carla, contó la anécdota ocurrida cuando el director le sugirió participar en un spaghetti western: "Yo le dije que me sonaba a una pizza hawaiana". De su compañero de reparto y ahora amigo, Clint Eastwood, dijo que "no era un hombre de muchas palabras", aunque durante el rodaje en Almería ya le comentó que le gustaría dirigir películas. "No me extraña que lo haya logrado porque era un actor muy inteligente". Por su parte, Eastwood también quiso contribuir a este homenaje a su amigo Wallach prologando el libro Eli Wallach. Vitalidad y picardía, de Anita Haas, editado por la Diputación almeriense en el marco de este festival de cortos.

La verdad es que aquélla debió ser una etapa muy divertida para Leone y los actores de sus películas. Y personalmente me alegro de que, pasados los años, se regrese a aquel cine, considerado menor por alguno de sus coetáneos, para redinderle ahora un merecido homenaje.

[+] Volontè y su creación del sociópata El Indio
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Palma de Oro para Loach

Por | 29 mayo 2006 | Comentar


A la hora de interesarme por las candidatas a la Palma de Oro, he de reconocer que apenas busqué información sobre la cinta del británico Ken Loach, The wind that shakes the barley (El viento que sacude la cebada), triunfadora de este Cannes 2006. Quizá me dejé llevar por mis propias preferencias personales (Iñárritu, Coppola o Moretti) y por las poco certeras quinielas de la prensa, en las que Volver y Babel pareceían llegar a la entrega de galardones en un reñido tú a tú.

Algunos consideran este premio un homenaje con tintes compensatorios para el veterano realizador de Tierra y Libertad (presente en el festival galo con cada uno de sus estrenos), pero lo cierto es que el jurado presidido por Wong Kar Wai ha concedido el premio por unanimidad. Según leo en El País (Diego Galán), The wind that shakes the barley "cuenta la historia de dos hermanos irlandeses unidos en una peligrosa aventura guerrillera contra el ejército inglés, pero que acaban enfrentádose a muerte tras la firma del acuerdo de paz negociado por Michael Collins por el que Irlanda se convertía en un Estado libre aunque aún dependiente". Por tanto, el filme se contextualiza en la década de los veinte del pasado siglo y aborda el origen del IRA.

En su discurso de agradecimiento, Loach lanzó una recomendación a sus propios compatriotas cargada de razón y verdad:

"Que los ingleses digan de una vez la verdad sobre su pasado imperialista y así podrán también decir la verdad sobre su presente" (Ken Loach).

Del resto de premios, destaca la novedosa entrega de un premio colectivo al reparto femenino de Volver y y el galardón a mejor guión para Almodóvar, un poco cariacontecido por haberse quedado, una vez más, a las puertas de la gloria en Cannes. Blanca Portillo, fantástica en el filme de Almodóvar, elogió cómo aborda el manchego a los personajes femeninos:

"Almodóvar ha logrado penetrar en el alma femenina y exhibirla en la pantalla. No sé si será por naturaleza, pero, por lo general, la mujer suele tener la valentía suficiente para, en situaciones complicadas, saber tirar para adelante en la vida [y mucho de eso hay en Volver]" (Blanca Portillo).

El méxicano González Iñárritu, otro cuyo trabajo se llevó los mejores elogios en el festival, ganó el premio a mejor director por Babel. En cualquier caso, la sensación que deja Cannes es que, al menos, tres o cuatro de los trabajos presentados a concurso abrirán expectativos al público más cinéfilo cuando lleguen a las salas de cine.

[+] Crítica de Volver

[+] 'Marie Antoniette', entre la división de opiniones
[+] Moretti satiriza a Berlusconni en ‘Il Caimano’, también presente en Cannes
[+] Iñárritu vuelve a hurgar en el dolor con 'Babel', filme a concurso en Cannes
[+] La ‘Marie Antoinette’ de Sofía Coppola competirá por la Palma de Oro
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'Marie Antoniette', entre la división de opiniones

Por | 27 mayo 2006 | Comentar


Es una de las que intentaré ver una vez llegue a las salas, pues los dos trabajos previos de Sofia Coppola, en especial Lost in Translation, me dejaron con ganas de ver más cine de la hija del genio Francis. Muchas de las noticias hablan de una mala acogida en Cannes, aunque nuestros críticos patrios destacados allí sí elogian la cinta, pese a que lo hagan con niveles de entusiasmo desigual. Es lo bueno del cine: cada uno interioriza las películas como a cada uno le place. También en Blogdecine.com se ha originado un animado debate en torno a la Coppola. Yo sigo pensando que Lost in Translation es una historia muy bien escrita, por lo mucho que sugiere sin explicar ni explicitar, y está rodada con el ritmo preciso para el relato que pretende contar: la pérdida del norte en la vida y su posterior reencuentro a través de una relación de amistad/amor con un desconocido que, súbitamente, nos transmite una poderosa conexión.

Volviendo a Marie Antoniette, os dejo a continuación algunos extractos de las opiniones publicadas por la crítica:

Carlos Boyero (El Mundo):

“Su factura es deslumbrante y la ambientación evidencia que, además de haberse gastado mucha pasta, la han empleado ejemplarmente en hacer creíble lo que relatan, que todo está planificado con cerebro, que, además de encantarle el glamour, su directora posee elegancia visual, sentido del humor, sutileza y talento. Lo que no tengo nada claro es si detrás de esa brillantez epidérmica existe algo verdaderamente profundo y apasionante en esta película”.

Oti Rodríguez Marchate (ABC):

“Me deslumbró, pero me mantuvo a una cierta distancia de ella; lo cual quiere decir que en mi opinión está un peldaño por debajo de Lost in traslation, que consiguió ambas cosas en mi persona, deslumbrarme y absorberme. Creo, sí, que es una película inteligente y que esta chica Coppola atrapa un personaje tan liviano y escurridizo como una anguila enjabonada; y además lo atrapa en su esencia, que no era la trágica (como se ha visto siempre), sino la efervescente”.

Borja Hermoso (El Mundo):

María Antonieta son dos horas rodadas cojonudamente. Dos horas de champán, joyas, amor, cuernos, intereses, honor, deshonor, política, decadencia, envidia y, al final, miedo. Se me han pasado pitando, lo he pasado estupendo. ¡Vive Marie Antoinette! ¡Vive le Roi! ¡Vivan los Coppola!


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La ‘Marie Antoinette’ de Sofia Coppola competirá por la Palma de Oro
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‘X-Men: la decisión final’ completa la notable trilogía de los mutantes

Por | 26 mayo 2006 | Comentar


De las superproducciones estivales o preestivales es una de las que más me llama la atención. Porque la habitual adaptación de cómics de superhéroes, gracias a las ilimitadas posibilidades de los efectos digitales, me ha llevado a recuperar una de mis aficiones más placenteras de niño y adolescente: la lectura de cómics. Y también me ha permitido bucear en un interesante género de cómics para público más adulto cuya calidad no es nada desdeñable. Ahí están Alan Moore o Frank Miller para demostrar que el cómic, aunque sea considerado el noveno arte, no es ni mucho menos un arte menor. Y el cine, consciente de ello, está mitigando su escasez de ideas dentro del género de aventuras y ciencia ficción acudiendo a las viñetas; aunque también se han rodado otras historias de géneros más adultos partiendo del cómic: Una historia de violencia, de Cronenberg, o Camino a la perdición, de Mendes.

X-Men quizá sea uno de los cómics de superhéroes mejor adaptados desde la primera gran entrega rubricada por Bryan Singer en el año 2000. También él filmó la segunda parte de esta trilogía y mantuvo, si no mejoró, la calidad alcanzada por aquella interesante predecesora. En cierto modo, la cinta de 2000 puso una pica en Flandes debido a que, por vez primera y respaldado por las nuevas tecnologías aplicadas a efectos especiales, se pudo ver una cinta en la que las acrobacias o el uso de superpoderes no fuesen recreados cutremente. Después llegarían las adaptaciones de Spiderman, Hulk o Los 4 Fantásticos, entre otras, a las que se sumarán varias cintas venideras: Superman Returns o El motorista fantasma. Bien es cierto que ya, años antes, Tim Burton reavivó la llama de la atención por los superhéroes con sus aclamadas Batman y Batman Returns; luego llegó Joel Schumacher para estrujar la gallina y ensuciar lo sembrado por Burton. Por fortuna, Christopher Nolan limpió el borrón y le devolvió la dignidad al alado héroe.

La Patrulla X, como se conocía en España a estos personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby en 1963, tiene también un mensaje social tras su trama de aventuras y lucha entre bien y mal. La discriminación sufrida por los mutantes debido a la mala fama granjeada por algunos de los de su clase decididos a someter a la humanidad tiene un argumento subyacente que apunta al racismo y al maltrato dispensado a los diferentes dentro de nuestras sociedades. La sinopsis de esta tercera entrega apunta a estos mismos asuntos:

"En X-Men: La decisión final hay una ‘cura’ para los mutantes que amenaza con alterar el curso de la historia. Por primera vez, los mutantes pueden elegir: seguir con su singularidad, aunque eso les aísle y les separe, o renunciar a sus poderes y convertirse en seres humanos normales. Los opuestos puntos de vista de los líderes mutantes, Charles Xavier (Patrick Stewart), que aboga por la tolerancia, y Magneto (Ian McKellen), que cree en la supervivencia de los más aptos, se ven sometidos a la prueba definitiva: desencadenar la guerra que pondrá fin a todas las guerras".


Para terminar, os dejo el trailer de la peli:

[+] El motorista fantasma, para 2007
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Secuencias (III): La lista de Schindler

Por | 21 mayo 2006 | Comentar

Quizá sea una de las mejores películas de Spielberg. Recuerdo que, tras salir del cine, fue difícil quitármela de la cabeza. Me impactó tanto este duro relato del holocausto que mi percepción de aquel horror histórico cambió por completo. Era demasiado joven y, aunque hubiera estudiado esta salvajada en clase, el filme me dejó impresas muchas y duras imágenes.

Esta secuencia, una de las más aplaudidas del filme, me parece brillante. Poco he de decir para describirla, pues seguramente todos la tengan localizada en su memoria: una niña avanza por las calles de Berlín mientras los alemanes matan, golpean y expulsan a los judíos de sus casas para concentrarlos en el gheto. Spielberg quiere destacar (de ahí el color rosa del abrigo de la niña) que Schindler, hasta ahora un empresario abruptamente enriquecido gracias a la guerra, comienza a ser consciente de la barbarie de la que está sacando tajada. En definitiva, un buen juego de antagonismos: la inocencia de los niños frente a la peor cara del ser humano.

Duración total del vídeo: 2:37 (la secuencia dura 2:22)

[+] Secuencias: (II) Kill Bill, vol.1
[+] Sección de Secuencias: (I) Entre copas (Sideways)
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Kar Wai dixit: “Para mí, el cine de autor significa persistencia de personalidad”

Por | 19 mayo 2006 | Comentar


Leo en el blog peruano de cine, Cinecuentro.com, los extractos recogidos de una entrevista al director y presidente del jurado de Cannes, Wong Kar Wai, publicada en Variety. El realizador de In the Mood for Love y 2046 se ha significado en los últimos años por la personal e identificable belleza estética de sus filmes, y su nombre comienza a codearse con el de los maestros del séptimo arte. Pero en esto último, como él mismo dice, será la historia la que ubique a cada uno en el lugar que le corresponda. A mí, basta echar un vistazo a este blog, el hallazgo de su cine casi equivalió a un momento epifánico; cuando vi In the Mood for Love (después, repasé su filmografía casi al completo) sentí la sensación de estar presenciando algo absolutamente nuevo y poderosamente poético.

Además de la frase usada para el título de esta entrada, elegida por lo consecuente que él ha sido con ella, recojo algunas repuestas más de las ofrecidas en Cinecuentro.com. A una pregunta sobre su próxima película con la Kidman como protagonista (The lady from Shanghai) y el peligro de verse contaminado por la industria, el director de Hong Kong responde:

“¿La globalización y los grandes presupuestos pondrán en peligro a los nuevos talentos, y la aparición de nuevas tecnologías los ayudarán a surgir? Para mí, el cine de autor significa persistencia de personalidad. La historia nos ha dado numerosos ejemplos de aquellos que yo considero autores, como Alfred Hitchcock y John Ford, trabajando dentro del sistema de grandes estudios, sin ser disminuidos por ellos. Es un asunto de recursos y de acceso a estos recursos. La personalidad y el talento único de estos realizadores llegará de todas maneras a buen destino más allá de cualquier sistema. Las nuevas tecnologías podrían ayudar pero no necesariamente crearán un nuevo Hitchcock”.

En relación a su labor como presidente del jurado de Cannes:

“Estoy mentalmente preparado y con mucha expectativas de ver muchos filmes maravillosos durante las próximas dos semanas. Por otro lado, deseo no ir con muchas expectativas. Espero tener una mente abierta y reaccionar a las películas de manera directa y honesta”.

En cuanto a lo baremos empleados para juzgar las cintas a concurso:

“No habrá reglas. Cuando veo un film, no impongo mi bagaje como cineasta. Voy como parte de la audiencia y reacciono acorde a eso. Puedo dejar de lado el origen, el presupuesto, la reputación de una película antes de verla”.

Sobre qué supone para la promoción de un filme ganar en Cannes:

No creo que un festival pueda cambiar el destino de un film. Sí, en efecto, en el corto plazo un festival puede ayudar a una película y su éxito comercial inmediato, pero en cuanto al mérito artístico en un larzo plazo, la historia será un mejor juez”.


[+] ¿Volverá la poesía visual de Kar Wai?
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Claustrofóbico ejercicio de estilo

Por | 18 mayo 2006 | Comentar


Dadas las fechas, el alud de estrenos de producción multimillonaria está a la vuelta de la esquina. El Código Da Vinci, Misión Imposible III y productos similares son las locomotoras de la industria. Lo sorpredente en ellas es hallar atisbo de arte, pues se hacen siempre mirando de reojo el rendimiento taquillero. Más que películas, son compañías temporales donde se estudia más el plan de marketing que el guión. Pero filmes como Hard Candy demuestran que la escasez de dinero se puede compensar con un buen puñado de ideas para narrar una historia con originalidad y transmitiéndole al espectador las sensaciones pretendidas. Y esta cinta, con vocación de thriller psicológico, las traslada con solvencia y partiendo de una historia mínima. Desde la brillante idea de su sugerente cartel (la niña con la caperuza roja en el cepo), se nota que se han cuidado al detalle todos los aspectos formales de una película cuyo guión, por lo demás, cuenta una historia no especialmente original y predecible a poco que se lea alguna reseña o la propia sinopsis del filme. Se trata de la típica inversión argumental en la que la víctima se convierte en verdugo. Es decir, aquí caperucita es el depredador y el lobo la presa.


Dirección: David Slade.
País: USA.
Año: 2005.
Duración: 103 min.
Género: Thriller psicológico.
Interpretación: Patrick Wilson (Jeff Kohlver), Ellen Page (Hayley Stark), Sandra Oh (Judy Tokuda), Odessa Rae (Janelle Rogers), Gilbert Jones.
Guión: Brian Nelson.
Producción: David Higgins, Richard Hutton y Michael Caldwell.
Música: Molly Nyman y Harry Escott.
Fotografía: Jo Willems.
Montaje: Art Jones.
Diseño de producción: Jeremy Reed.
Dirección artística: Felicity Nove.
Estreno en USA: 14 Abril 2006.
Estreno en España: 12 Mayo 2006.
Web: http://hardcandymovie.com/

Pero al margen de que sea predecible quién se comera a quién, su estilo consigue mantener el continuo crecendo de ansiedad y agobio propuesto desde el inicio. Para ello, la película usa hasta la saciedad los primeros y primerísimos planos de las caras de los dos protagonistas, únicos personajes del filme a excepción de las breves apariciones de Sandra Oh (Judy Tokuda) y Jennifer Holmes (Janelle Rogers). Resulta casi asfixiante el abuso de este encuadre y, aunque no sea muy ortodoxo, consigue su principal objetivo: agobiar. Lógicamente, esta elección de planos tan particular no se sostendría si los protagonistas no brillarán a gran altura en sus interpretaciones. Cosa que así ocurre y, en especial, en el caso de la precoz Ellen Page (Hayley Stark), genial en su papel de ambigua, perspicaz y aterradora Lolita. Patrick Wilson (Jeff) también le da una estimable réplica como verdugo cazado en la trampa del "caramelo envenenado".

Entre réplicas y contraréplicas dialécticas, la película va desmadejando los hechos subterráneos de la trama y, lógicamente, intentará sorprender al final. Lo consiga o no, a mí, personalmente, lo que me ha gustado es cómo nos lleva hasta ese punto. Habrá espectadores más centrados en saber quién dice la verdad, en adivinar quién se saldrá con la suya finalmente, pero, entre tanto, la tensa sensación no desaparece del espectador durante todo el metraje. Y no desagrada con imágenes explícitas, sino que el fuera de campo lo aprovecha hábilmente para sugerir y seguir con el juego: ¿cumplirá Hayley sus terribles amenazas? Si quieren saberlo, antes deberán pasar por la hora y media de tensión claustrofóbica propuesta en Hard Candy.

[+] 'Hard Candy', una historia de pedofilia por la Red, se estrena el 12 de mayo
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Escuche el reportaje de LQYTD (LoQueYoTeDiga), de la SER, sobre Hard Candy:
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Moretti satiriza a Berlusconni en ‘Il Caimano’, también presente en Cannes

Por | 16 mayo 2006 | Comentar


Nanni Moretti vuelve a la carga contra Berlusconni. El director, actor, guionista y productor italiano ha abordado en más de una ocasión asuntos políticos y, dada su ascendencia, no podía hacerlo más que en clave de crítica corrosiva. Según la Wikipedia, Moretti coordinó y produjo L'unico paese al mondo en 1994, filme compuesto de nueve episodios y, en el dirigido por él (último de la cinta), presentaba una visión de las nefastas consecuencias que tendría para su país la victoria de la coalición de centro-derecha encabezada por Berlusconni. El magnate de la televisión y presidente del Milan ganó en aquella ocasión, y el negro horizonte perfilado en el filme tuvo su correlato en la realidad.

Il Caimano (El Caimán) llega a Cannes avalada por su rotundo triunfo en los David de Donatello, principales galardones del cine transalpino. Ganó los premios a mejor película, mejor director, mejor actor (Silvio Orlando), producción (Angelo Barbagallo y el propio Moretti), mejor música (Franco Piersanti) y sonido directo (Alessandro Zanon). En total, doce estatuillas que, al parecer, han tenido su refrendo en el beneplácito mayoritario del público italiano; el filme se estrenó en Italia el pasado 24 de marzo, el 22 de este mes lo hará en Francia y aún no hay fecha oficial de su llegada a las salas españolas.

En Cineuropa comentan algunos aspectos sobre la trama de la película: “Teresa (Jasmine Trinca, a quien pudimos ver en La mejor juventud), una joven cineasta, quiere realizar una película sobre Silvio Berlusconi. Con su productor, Bruno, intenta encontrar al actor que aceptará desempeñar este papel, pero no lo encuentra. De hecho, nadie acepta encarnar al líder de Forza Italia. Cuando todo parece perdido, el actor Marco Pulici (Michele Placido) se ofrece para el papel de Berlusconni, pero, llegados a este punto, todo se precipita hacia lo grotesco y Moretti da un giro surreal y visionario a su película, en la que él mismo interpreta un pequeño papel”.

La película tiene buena pinta y será una de las que aspire a la Palma de Oro en Cannes, donde las competidoras de este año, entre la que se incluye Volver, de Almodóvar, parecen asegurar una reñida pugna.

Os dejo el trailer, con música de Cheb Khaled, como comenta Teresa, de Blogdecine.


[+] Iñárritu vuelve a hurgar en el dolor con 'Babel', filme a concurso en Cannes
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Iñárritu vuelve a hurgar en el dolor con 'Babel', filme a concurso en Cannes

Por | 14 mayo 2006 | Comentar


El mexicano González Iñárritu completa su trilogía de vidas cruzadas y, de nuevo, ofrecerá en Babel un relato duro, difícil de ver sin ser contagiado por los dolorosos sentimientos puestos sobre el tapete y, probablemente, estará tan bien narrado como las excepcionales 21 gramos y Amores perros. Y han vuelto a colaborar con él su compatriota Guillermo Arriaga, guionista de estos dos filmes, y el argentino Gustavo Santaolalla, un compositor capaz de arrancarle a la guitarra los matices más tristes. En diversas comparecencias, el director ha afirmado que éste ha sido su trabajo más exigente y lo compara con “un caballo salvaje” al que tenía que domar. “Babel —explica— ha sido el reto más grande que he tenido a nivel emocional, físico... es mi película más arriesgada porque fue filmada en cuatro idiomas (español, inglés, japonés y árabe), y en localizaciones muy distintas como Japón, México y Marruecos, fue una gran experiencia”. Resultará interesante ver cómo responde Brad Pitt ante un papel de exigencias, y no acomodaticio como los últimos (Sr. y Sra. Smith, Ocean’s Twelve o Troya), acompañado por actores de talento probado como Cate Blanchett o Gael García Bernal (uno de los protagonistas de Amores perros).

La sinopsis del filme es la siguiente:

“Armados con un Winchester, dos jóvenes marroquíes salen en busca del rebaño de cabras de la familia. En medio del silencio del desierto, deciden probar el rifle… pero el alcance de la bala es mucho mayor de lo que esperaban. En un instante, las vidas de cuatro grupos de extraños en tres continentes colisionan. Una pareja de turistas estadounidenses (Brad Pitt y Cate Blanchett) una adolescente japonesa sorda y rebelde con su padre, y una niñera mexicana que se lleva sin permiso a dos niños estadounidenses al otro lado de la frontera, se ven atrapados en la creciente ola de un accidente cuyas proporciones crece sin que nadie pueda controlarlas. Ninguno de ellos llegará a conocerse; a pesar de la inesperada conexión que les une, se quedarán aislados al ser incapaces de comunicarse con las personas que les rodean.”

Por tanto, una vez más, la tragedia sobrevenida tras un accidente cambia el destino de las personajes afectadas por él, como ocurría en 21 gramos y Amores perros. Un recurso también usado en la historia de vidas cruzadas de Crash, de Paul Haggis.

Babel peleará por Palma de Oro de la 59 edición del Festival de Cannes, que se iniciará el próximo día 17 con el estreno mundial, fuera de concurso, de El Código Da Vinci. Así, con este guiño al globo inflado por un marketing milimétrico, Cannes cumplirá con su habitual homenaje al lado más industrial del cine.

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Rolfe Kent, compositor de BSOs atípico para películas atípicas

Por | 12 mayo 2006 | Comentar

Rolfe Kent ha desarrollado una interesante y notable carrera como compositor de bandas sonoras de un estilo tan particular como algunos de los filmes para los que ha creado música. En su web personal, comenta que, a la temprana edad de 12 años, ya tenía claro que lo suyo sería hacer música de películas. Hizo sus pinitos musicales en el teatro y, más tarde, comenzó a poner música a trabajos de estudiantes. Su ya dilatada carrera le ha abierto un hueco en la agenda de los productores hollywoodienses y, hasta la fecha, su nombre figura ya en los títulos de crédito de más de 30 filmes.

Particularmente, me gustan, sobre todo, las partituras compuestas para uno de sus directores habituales: Alexander Payne. Las tres últimas cintas del director de Omaha, Sideways (Entre copas), About Schmidt (A propósito de Schmidt) y Election (Election), han contado con una deliciosa música de Kent. En especial, Sideways, quizá una de sus bandas sonoras más redondas: elegante a veces, gracias a tímidos toques jazzísticos, y divertida otras. Podéis escuchar algunas muestras de su estilo en estos clips de audio (completos) de las tres cintas citadas:



03:41 - Golf (Sideways)

00:38 - Two Weeks Later (About Schmidt)
01:02 - Hit the Road (About Schmidt)
01:30 - Warren's Sleepless Night (About Schmidt)
00:34 - Roberta Makes a Manhattan (About Schmidt)
00:58 - Helen’s Gone (About Schmidt)

02:35 - Prayers (Election)
01:56 - Election Opening (Election)
00:38 - Election (Election)


Kent se significa por emplear todo tipo de sonidos en sus piezas, desde orgánicos hasta procedentes de la naturaleza, y por la mezcla sonora de extraños instrumentos orientales con otros más convencionales. Una de sus últimas composiciones aún la podemos disfrutar en la sala de cine en el filme The Matador (crítica). Clip de audio de la peli:

02:38 - Manila Fiasco (The Matador)

Si os empieza a picar la curiosidad y no sabéis por qué disco suyo empezar, la banda sonora de Sideways es, a mi juicio, una apuesta segura.

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Reportaje de LQYTD (LoQueYoTeDiga) sobre la banda sonora de Matador:
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Licencia para entretener

Por | 11 mayo 2006 | Comentar



Música de fondo: A view to a kill, canción de Duran Duran para
la película homónima (Panorama para matar) de la serie de James Bond.

Si nadie discute que el western es un género en sí mismo, sin duda el más genuinamente norteamericano, las películas de espías, por tradición y cantidad, podrían formar uno propio. Casi todas responden a patrones parecidos y, en general, pese a que haya cotas de calidad desiguales entre unas y otras, todas tienen un mismo objetivo: entretener durante un par de horas. Al espía James Bond, personaje del escritor británico Ian Fleming, se le debe gran parte del éxito de la fórmula. Contando con la venidera Casino Royale (con Daniel Craig como Bond), las aventuras del elegante espía han sido filmadas en 22 ocasiones. Ningún compañero de profesión iguala o se acerca tímidamente a similar número. Ni Jason Bourne, otro afamado espía nacido de la pluma del novelista norteamericano Robert Ludlum. Su vida literaria ha sido recientemente prolongada por Eric Van Lustbader, autor de la novela The Bourne Legacy (2004). La primera traslación de Bourne a la pantalla se produjo en 1988 para la televisión (con Richard Chamberlain como Bourne) y se basó en la primera de las tres novelas de Ludlum dedicadas al personaje: The Bourne Identity. Matt Damon es, desde 2002, el actor que interpreta a Bourne, y lo hará hasta completar las tres historias de Ludlum. Sólo le resta por rodar The Bourne Ultimátum, en fase de preproducción y cuyo estreno se prevé para 2007. Finalmente, otra saga de espías, de pasado televisivo exitoso, ha sido revitalizada ahora gracias al mecenazgo de Tom Cruise. La serie de la CBS Misión Imposible se emitió entre septiembre de 1966 y el mismo mes de 1973. Tras este período, esta serie creada por Bruce Geller, y considerada ya de culto, retomó su emisión entre 1988 y 1990.

Repasemos algunos rasgos de las películas protagonizadas por estos tres agentes.


La fórmula Bond: elegancia, sofisticación y seducción

Bond, James Bond, como él mismo se autopresenta mientras lanza una mirada insinuante a una bella dama, es el espía por excelencia. Imperturbable al paso del tiempo merced a los distintos actores que le han puesto cara, este cuarentón agente del servicio secreto británico ha sido creado con la alquimia idónea para ganarse al público de cualquier época. Las películas de Bond tienen una estructura narrativa repetitiva en la que sólo varían elementos contextuales como la época, los enemigos, los gadgets armamentísticos de Q (casi siempre interpretado por Desmond Llewelyn) y, cómo no, las bellas mujeres que comparten cama y aventuras con el agente. A pesar de su invariable predecibilidad, cada estreno de una nueva película no suele fallar en taquilla, pero, entre tantas filmadas, no todas han sido igualmente valoradas por público y crítica. Para la mayoría, las primeras entregas protagonizadas por Sean Connery son las más aclamadas. El actor escocés, que encarnó al personaje en seis ocasiones (aunque serían siete si incluimos Nunca digas nunca jamás, no considera oficialmente como parte de la saga), consagró al héroe y marcó el estilo que luego heredarían, por orden cronológico: George Lazenby (en una ocasión), Roger Moore (en siete), Timothy Dalton (en dos), Pierce Brosnan (en cuatro) y ahora, por primer vez, Daniel Craig. Goldfinger o Desde Rusia con amor son algunas de las más estimadas, pero también algunas de las protagonizadas por Moore y, más recientemente, por Brosnan, han contado con el beneplácito general. Craig será el último en pronunciar su nombre comenzando por el apellido y en pedir un Martini mezclado no agitado.

Jason Bourne, el espía amnésico en busca de su identidad
Más pegado a la realidad y menos glamuroso que su compañero europeo, Jason Bourne es el producto de un futurista proyecto de la CIA llamado Treadstone. La historia comienza con una duda que sirve de hilo conductor de toda la saga: ¿quién es Jason Bourne? Usado como rata de laboratorio para convertirlo en una perfecta arma mortífera, Bourne trata de saber quién es realmente y por qué quieren liquidarlo ahora quienes lo transformaron en tan letal instrumento. No es un consumado seductor, aunque a su lado siempre suele haber una bella dama, y tampoco pretende salvar al mundo, sino a su propio pellejo mientras intenta desvelar incógnitas. Un cualificado actor como Matt Damon ha sido el elegido para poner cara a las tres entregas cinematográficas basadas en las otras tantas novelas escritas por Robert Ludlum. La última, The Bourne Ultimátum, está actualmente en fase de preproducción. ¿Se desvelarán en ella quién era Bourne antes de disponer de esas indómitas cualidades de agente implacable? ¿Quizá un soldado, un políglota profesor universitario, un deportista de alta competición, un diplomático, un hombre de negocios o un pobre loco adiestrado mediante sustancias químicas con demoledores efectos secundarios? La respuesta, en 2007 en las salas de cine.

Ethan Hunt, el agente del más difícil todavía

Al margen del cliché de los mensajes autodestruidos a los cinco segundos de ser escuchados o vistos, poco o nada tienen que ver las películas financiadas por Tom Cruise con la serie televisiva en la que se inspira. En mi opinión, salvo la filmada por Brian De Palma, quien puso el acento en las complicaciones argumentales más que en las espectacularidad de la acción, el resto no trasciende más allá de un trepidante envoltorio donde lo esencial, al margen de la espectacularidad, es el lucimiento del productor Cruise. Su personaje, el espía Ethan Hunt, salvará las situaciones más inverosímiles para conseguir sus objetivos mientras lidia con las habituales conspiraciones de alguno de sus superiores en la agencia FMI (Fuerza de Misiones Imposibles). Como a Cruise le gusta ejercer de buen chico fuera y dentro de la pantalla (a excepción de en uno de su mejores trabajos, en Collateral), a su personaje no le han provisto de los rasgos de golfete/ligón propios de Bond, pero se suele rodear no obstante de bellas acompañantes en las distintas películas. Aunque no lucen mucho a su lado, al igual que el resto de personajes, usados casi como meros elementos de atrezo. Todo el filme se planifica de manera que Hunk/Cruise supere su último más difícil todavía en cada misión.

[+] Crítica de Misión Imposible III: Vertiginosa pirotecnia
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Vertiginosa pirotecnia

Por | 07 mayo 2006 | Comentar


Brian De Palma usó de manera equilibrada el thriller, la intriga y la acción trepidante en una digna primera versión de Misión Imposible sustentada en un sólido guión de David Koepp (quien también ha escrito el de Indiana Jones 4). Después de ese filme de 1996, las siguientes partes se han entregado a las tecnologías digitales para apabullar con escenas de acción de una espectacularidad aparatosa mientras evitan describir personajes —meros perfiles prototípicos— o construir imbricadas historias que exijan cierto discurrir del espectador. La consigna parece ser: cuanto más rápido y exagerado, mejor. Así, el diálogo o una mínima profundización psicológica, que tampoco precisa ser psicoanalítica en un filme de este tipo, se desprecian por innecesarios. Y las cintas resultantes se asemejan a una sucesión de videoclips donde Ethan Hunk parece, más que un espía, un trapecista siempre dispuesto a superar su último más difícil todavía.


Título: Misión Imposible III (Mission Impossible III)
Dirección:
J.J. Abrams.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 126 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Tom Cruise (Ethan Hunt), Philip Seymour Hoffman (Owen Davian), Ving Rhames (Luther), Billy Crudup (Musgrave), Michelle Monaghan (Julia), Jonathan Rhys Meyers (Declan), Keri Russell (Lindsey), Maggie Q (Zhen), Laurence Fishburne (John Brassel).
Guión: Alex Kurtzman, Roberto Orci y J.J. Abrams; basado en el guión de Bruce Geller para la serie de televisión "Misión imposible".
Producción: Tom Cruise y Paula Wagner.
Música: Michael Giacchino.
Fotografía: Dan Mindel.
Montaje: Maryann Brandon y Mary Jo Markey.
Diseño de producción: Scott Chambliss.
Vestuario: Colleen Atwood.
Estreno en USA: 5 Mayo 2006.
Estreno en España: 5 Mayo 2006.
Web: www.mi3.uip.es

Esta premisa se exagera en esta tercera entrega hasta el punto de que el McGuffin usado (recurso cinematográfico creado por Hitchcock) es tan intranscendente que ni siquiera precisa ser explicado. Al término del filme, no sabemos qué es la Pata de Conejo perseguida por buenos y malos; supuestamente, algún tipo de armamento, pero saberlo tampoco cambia nada, pues entre tanto el filme se ha limitado a su objetivo: epatar a base de inverosímiles acciones circenses. En la entregas precedentes se empleaba también este recurso, pero al menos se le confería cierto sentido para que las misiones tuvieran un por qué: recuperar la lista NOC con información sobre la identidad y paradero de los agentes de la CIA (Misión Imposible) o detener a un villano que pretende expandir un potente virus letal para comerciar luego con la venta de la vacuna (la II).

Como consecuencia de esta acción sin tregua, los nuevos personajes de esta entrega aparecen casi como elementos de atrezzo al servicio de las descabelladas aventuras del omnipresente Cruise-Hunk. Hasta tal punto esto es así que la esposa de Hunk (Michelle Monaghan), una médico sin cualidades de espía, también usa con destreza la pistola en alguna escena postrera pese a carecer de adiestramiento alguno. Da igual, por absurdo que sea, mientras contribuya a la escalada de espectacularidad del filme. Y ya metidos en semejante sinsentido, por qué no conferir cualidades sobrehumanas al prota al provocarle un paro cardiaco, reanimarlo súbitamente y, justo después, volverlo a poner alerta pistola en mano. Así, traspasado todo contacto con la realidad, Ethan Hunk parece casi un superhéroe con propiedades milagrosas para hacer posibles las imposibilidades más imposibles.
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[+] Escuche el reportaje de Juan Zabala, de LQYTD (LoQueYoTeDiga) para la SER, pulsando el play:
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Brosnan hortera y canalla

Por | 04 mayo 2006 | Comentar


No quisiera eclipsar las indudables virtudes de The Matador al poner el acento en el trillado detalle apuntado sobre esta película: la transformación del Brosnan-007 en la absoluta antagonía del elegante y pulcro agente secreto. Pero, sin duda, si Richard Shepard sabía con seguridad que Pierce Brosnan interpretaría al asesino Julian Noble, durante la escritura del guión debió relamerse en su imaginación figurándose al actor en este papel opuesto a todo rastro de sofisticación. Y en cierto modo, parte de la comicidad del filme reside en la divertida interpretación que Brosnan hace de este rudo asesino a sueldo, una profesión que su personaje prefiere calificar eufemísticamente como de ‘facilitador de fatalidades’. Si Brosnan pretendía desvincular su carrera definitivamente de la larga sombra de Bond, la elección de este personaje resulta idónea para hacerlo de forma tajante.


Título: Matador (The Matador).
Dirección y guión: Richard Shepard.
Países: USA, Alemania e Irlanda.
Año: 2005.
Duración: 97 min.
Género: Comedia negra.
Interpretación: Pierce Brosnan (Julian Noble), Greg Kinnear (Danny Wright), Hope Davis (Bean), Philip Baker Hall (Sr. Randy), Adam Scott (Phil Garrison), Dylan Baker (Lovell), Portia Dawson (Guenivere), Jonah Meyerson (Chico de 10 años), Maureen Muldoon (Gretchen), Antonio Zavala (Barman).
Producción: Pierce Brosnan, Beau St. Clair, Sean Furst y Bryan Furst.
Música: Rolfe Kent.
Fotografía: David Tattersall.
Montaje: Carol Kravetz-Aykanian.
Diseño de producción: Robert Pearson.
Dirección artística: Marcelo Del Río.
Vestuario: Catherine Marie Thomas.
Web: www.mangafilms.es/matador/
Estreno en España: 12 Abril 2006.

Con barba de varios días, peinado desaliñado producto de la dejadez, cadeneta de oro típica de chuleta de barrio y un vestuario en consonancia con el conjunto, Brosnan se mete verosímilmente en la piel de este asesino quemado por el estrés. Solo e incapaz de ahogar las penas como antaño, a base de alcohol y la compañía de jóvenes prostitutas, Noble se topa en Ciudad de México con una tabla de salvación. Tras uno de sus trabajos, un Noble beodo se aposta en la barra del bar del hotel donde se hospeda el día de su cumpleaños. Allí conoce a alguien ‘normal’, un formal hombre de negocios (Greg Kinnear) con quien trabará una de esas extrañas amistades, basadas en el contraste radical, tan del gusto del cine.

A partir de ahí, el mínimo argumento de The Matador transcurre entre los cachondos diálogos de dos seres tan diferentes, sazonados a veces con cierta ternura, y la resolución de la crisis de Julian Noble, incapaz de retomar su oficio con la eficacia habitual. Rodada ágilmente y sin perderse en rodeos, el filme se apoya en el trabajo actoral y centra su discurso, casi en exclusiva, en la innata necesidad de la amistad. Kinnear (Danny Wright) le da la réplica a Brosnan en su papel de amigo, mostrándose asustadizo unas veces y morbosamente curioso otras. El reparto lo completan Hope Davis, como dulce esposa de Danny, y un secundario siempre solvente, Philip Baker Hall, como enlace de Julian.

Fresca y original, The Matador no es pretenciosa y quizá, por eso mismo, mitigue alguna de sus lagunas argumentales. Lástima que, pese a los esfuerzos de Brosnan por demostrar que hay vida más allá del agente Bond, la cinta haya pasado más bien desapercibida. Un sino que al irlandés parece perseguirle durante los últimos años.
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'Hard Candy', una historia de pedofilia por la Red, se estrena el 12 de mayo

Por | 01 mayo 2006 | Comentar


Internet tiene un abominable envés cada vez más presente entre nosotros. Comienzan ya a ser habituales las noticias sobre incautaciones de material pornográfico infantil en la Red y las detenciones de sujetos ligados a estas deplorables mafias. Hard Candy, filme norteamericano triunfador en el Festival de Sitges de 2005 (Mejor Pelicula, Mejor Guión y Premio del Público) y en la Semana Internacional de Cine Fantástico de Málaga (Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Fotografía y Premio del Jurado Joven), se contextualiza en torno a este deplorable uso de la Red. De escaso presupuesto, este primer largo dirigido por David Slade y escrito por Brian Nelson, será distribuido en España por Aurum a partir del próximo 12 de mayo.

La sinopsis del filme es la siguiente:

“Un fotógrafo de 32 años queda con una chica adolescente a la que ha conocido a través de Internet. Después de tomar un café, la lleva a su casa con el propósito de hacerle unas fotos. Sin embargo, la joven no ha quedado con él por casualidad. Está firmemente convencida de que él es culplable de la violación y asesinato de otra chica menor de edad. Y está dispuesta a hacérselo pagar muy caro”.

Avalado por buenas valoraciones tras su transitar por varios festivales, incluido el de Sundance, el filme se mueve a caballo entre el thriller y el drama de denuncia. Muy estimada ha sido la interpretación de la joven Ellen Page (a la que veremos, próximamente, en X-Men 3 como Shadowcat), quien, al parecer, borda el papel de la niña de catorce años Hayley Stark. Patrick Wilson (El Fantasma de la Ópera –2004–) interpreta el papel del fotógrafo Jeff Kohlver, engatusado por la ‘lolita’ Hayley. Junto a ellos, el reparto lo completa algún rostro más conocido, como el de Sandra Oh (Sideways, Anatomía de Grey). El cartel, con una sugerente imagen alusiva a una caperucita roja en medio de un cepo gigante, ya vaticina las trazas argumentales de este filme. Habrá que verlo.

El trailer: