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Goyas: ¿calladitos o pancarteros?

Por | 31 enero 2007 | Comentar

He leído algunas reseñas de prensa y textos de blogs sobre la gala del lunes en la que un Almodóvar ausente recibió una carretada de premios, El laberinto del fauno otro buen puñado de índole mayoritamente técnica (excepto el de mejor guión) y hubo un justo reconocimiento para la gran AzulOscuroCasiNegro. Premios al margen, me llama la atención que se destaque, y en general positivamente, la ausencia de consignas políticas en esta edición de los Goya, menos soporíferos de lo habitual y de una duración más contenida. Algunos ya sé que lo hacen con esa segunda intención politiquera tan nuestra: "como manda la 'progresía', este año se rajan los abajo firmantes". Y es curioso que no nos guste que los actores o directores opinen (otra cosa es que nos disgusten sus opiniones o la forma, más o menos panfletaria, en que las expresen) y, sin embargo, sí les reclamemos a las estrellas de Hollywood más pringamiento a la hora de cantarle las cuarenta a su simio-presidente. ¿Recordais aquellos Oscar coincidentes con la Guerra de Irak y cómo desde aquí se censuró la tibieza crítica de la gala y cómo aclamamos, cual héroe, a Michael Moore por ser el único en decir lo que pensaba? Yo defiendo que el artista, que es también un ciudadano como cualquiera de nosotros, diga lo que piensa siempre que lo haga razonadamente y con estilo (y si es a través de su obra, mejor que mejor). Tanto más si es para defender cosas tan de cajón como la paz, pues no sé qué reparos se le pueden poner a un mensaje tan de sentido común. Bueno, a no ser que tengamos ideas tan exterminadoras como las del coronel Kurtz.
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La puerta trasera de Hollywood

Por | 29 enero 2007 | Comentar


Una más que notable película para conocer la amarga trastienda oculta bajo el ‘glamour’ y el lujo de aquellos años de oro del cineNo siempre los trapos sucios del reluciente mundo de las estrellas se han lavado en casa. A veces, la industria del cine ha aireado sus propias vergüenzas a través de lo que mejor sabe hacer: películas. Probablemente, en la cúspide de trabajos de esta temática siempre esté el clásico de Wilder Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses). También Robert Altman (en El juego de Hollywood) retrató con acidez las miserias de quienes dirigen el cotarro de esta fábrica de ilusiones capaz de generar tanta basura de puertas para adentro. Hollywoodland, primer largometraje del realizador televisivo Allen Coulter (12 capítulos de Los Soprano y uno de A dos metros bajo tierra, entre otras series, le avalan), es también un relato sobre estos sumideros basado en la triste historia real del suicido de George Reeves, actor que se hizo famoso por su papel en la serie Las Aventura de Superman.


Título: Hollywoodland
Dirección: Allen Coulter.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 125 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Adrien Brody (Louis Simo), Ben Affleck (George Reeves), Diane Lane (Toni Mannix), Bob Hoskins (Edgar Mannix), Lois Smith (Helen Bessolo), Robin Tunney (Leonore Lemmon).
Guión: Paul Bernbaum.
Producción: Glenn Williamson.
Música: Marcelo Zarvos.
Fotografía: Jonathan Freeman.
Montaje: Michael Berenbaum.
Diseño de producción: Leslie McDonald.
Vestuario: Julie Weiss.
Estreno en USA: 8 Septiembre 2006.
Estreno en España: 3 Enero 2007.
Web: www.hollywoodland.terra.es

La extraña muerte de Reeves a los 45 años de edad siempre se prestó a diversas hipótesis. La ‘oficial’ venía a decir que el actor, amargado por su encasillamiento en el papel televisivo de Superman y tras dar por acabada su carrera como actor de cine, decidió poner fin a su vida de un disparo. Pero las dudas nunca llegaron a disiparse, y en torno a ellas gira el núcleo central de Hoollywoodland. Un detective privado sin grandes casos sobre su mesa, Louis Simo (Adrien Brody), ve en esta investigación la ocasión perfecta para levantar vuelo dado el gran alcance mediático del caso. Pero, conforme indaga en la vida de Reeves, más paralelismos encontrará con su propio drama personal: divorciado de su esposa, con un hijo del que poco sabe y una amante/secretaria que le engaña. Así, las secuencias de la vida de Reeves se mezclan con la de Simo y el tono de thriller de la investigación con el drama de las historias de ambos personajes.

El trabajo de Coulter en la realización es aseado, pero lo mejor de esta cinta son las magníficas interpretaciones del reparto. Comenzando por el mejor trabajo de la carrera de Ben Affleck, un actor del que algunos ya dudaban que poseyera tal condición. El californiano ganó la Copa Volpi y estuvo nominado en los Globos de Oro por un papel lleno de matices para dar vida a Reeves, “un hombre —afirma Affleck— al que le llamaban ‘George el honrado’, e intentaba siempre hacérselo pasar bien a los demás, aunque en cierto sentido lo hacía para sentirse querido él mismo”. También añade el actor, quien se documentó concienzudamente para su personaje, que “era generoso y prestó más dinero del que en realidad tuvo, (…) pero no era perfecto; era ambicioso e impaciente y puede que algo superficial”. Del resto del reparto, Adrien Brody está tan bien como casi siempre, algo que no es noticia en su caso, una guapísima Diane Lane demuestra que mejora como actriz como un buen vino y Bob Hoskins vuelve a exhibir su talento para un papel ya habitual en él, el del temible pez gordo que no amenaza en balde. En suma, una más que notable película para conocer la amarga trastienda oculta bajo el ‘glamour’ y el lujo de aquellos años de oro del cine.

OTRAS OPINIONES...
Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "¡Increíble! La Copa Volpi que le cayó encima a Ben Affleck en el Festival de Venecia por Hollywoodland... ¡era merecida! Claro que, en realidad, es todo el reparto el que da un auténtico recital interpretativo".
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Jesús Lens, en Muchocine.net: "Hollywoodland sería un perfecto ejemplo de ese bulevar de los sueños rotos en que tantas aspiraciones terminan reventándose y haciéndose polvo".
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Peslisbilbao: "Una estupenda película que no sé si será un éxito, pero que merece más devoción que la más bien decepcionante, La dalia negra"

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Héroes de usar y tirar para la mercadotecnia bélica

Por | 27 enero 2007 | Comentar


El principal problema del filme, y el que lo lastra a la postre, es la poca armonía en el ritmo del relato por culpa de unos saltos temporales mal estructuradosBanderas de nuestros padres no es el nuevo clásico instantáneo de Eastwood que muchos esperábamos. Ofrece momentos aislados de magnífico cine, escenas bélicas tan espectaculares como crudas (la estela de Spielberg es perceptible en ellas), una elegante fotografía de sombras al estilo de Million Dollar Baby y el acompañamiento sonoro de las parsimoniosas notas del propio Eastwood. Pero el conjunto del filme no ofrece tantos quilates de buen cine como el trabajo citado o la excelente Mystic River. Al menos aún cabe la posibilidad de un rápido resarcimiento a través de Cartas desde Iwo Jima, una propuesta de partida más original al adoptar el inhabitual punto vista del contendiente bélico norteamericano.


Título: Banderas de nuestros padres (Flags of ours fathers)
Dirección: Clint Eastwood.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 132 min.
Género: Drama, bélico.
Interpretación: Ryan Phillippe (John 'Doc' Bradley), Jesse Bradford (Rene Gagnon), Adam Beach (Ira Hayes), Barry Pepper (Mike Strank), John Benjamin Hickey (Keyes Beech), John Slattery (Bud Gerber), Paul Walker (Hank Hansen), Jamie Bell (Ralph Ignatowski), Robert Patrick (coronel Chandler Johnson), Neal McDonough (capitán Severance), Melanie Lynskey (Pauline Harnois).
Guión: William Broyles Jr. y Paul Haggis; basado en el libro de James Bradley y Ron Powers.
Producción: Clint Eastwood, Steven Spielberg y Robert Lorenz.
Música: Clint Eastwood.
Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox.
Diseño de producción: Henry Bumstead.
Vestuario: Deborah Hopper.
Estreno en USA: 20 Octubre 2006.
Estreno en España: 3 Enero 2007.
Web: www.banderasde
nuestrospadres-es.com

La cinta asume un patrón narrativo bastante convencional: el hijo de uno de los soldados que posó para la famoso foto de Joe Rosenthal rastrea el papel jugado por su padre y sus compañeros en la guerra del Pacífico y, en particular, tras aquella histórica instantánea. En sus pesquisas para su libro descubrirá la desoladora verdad enterrada por el tiempo y el silencio de los protagonistas de los hechos. Y averiguará cómo esa foto fue convertida en estandarte por los estamentos militares con el fin de recaudar fondos para una guerra que estaba dejando exhaustas las arcas nacionales. También contemplará cómo se utilizó la imagen de tres soldados, a regañadientes en el caso de dos de ellos, para una mastodóntica campaña de marketing bélico en la que no hubo reparos para mentir, exagerar y, sobre todo, faltar a la memoria de los compañeros caídos en combate.

Así, la cinta ofrece un discurso crítico en la revisión de aquella campaña promocional, pero, sobre todo, pretende homenajear a quienes lucharon en aquella sangría que fue la campaña de la isla de Iwo Jima. De manera que las refulgentes imágenes de los soldados convertidos en estrellas de rock durante su peregrinaje por todo el país tienen un oscuro y cruento envés: el de las incontables bajas de imberbes soldados incapaces de doblegar a los japoneses. El principal problema del filme, y el que lo lastra a la postre, es la poca armonía en el ritmo del relato por culpa de unos saltos temporales mal estructurados. Así, cuando la cinta profundiza en el drama de la triunfal vuelta a casa de los tres soldados, volvemos de improviso al horror de la guerra que de cuando en cuando les sobreviene a cada uno de ellos. Y a estas dos dimensiones temporales, además, se añade una tercera: la del tiempo presente con el hijo del soldado ‘Doc’ Bradley (Ryan Phillippe) entrevistando a veteranos de guerra para su libro. Por tanto, aunque no deja de resultar interesante, la penúltima propuesta de Eastwood (la de mayor presupuesto de su carrera como director) no está bendecida por su maestría de los últimos tiempos. Quizá Cartas desde Iwo Jima (nominada al Oscar a mejor película) nos devuelva la mejor versión del director de San Francisco.

OTRAS OPINIONES...
Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "Por momentos lo roza, pero Banderas de nuestros padres, a pesar de sus momentos de gran cine, queda por debajo de las obras maestras Mystic River y Million Dollar Baby".
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Jose, de Cine: "Lejos de narrativa Banderas de nuestras padres es una reflexión pura y dura, y, si lo quieren con un término coloquial, un ladrillo".
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Cineahora: "Puede que el apartado de interpretaciones sea más anodino que el deseable, o que su ritmo y brillantez sea irregular, sobre todo en su tramo final, pero Eastwood sigue (muy) en forma."

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El laberinto del fauno y Penélope Cruz, principales bazas nacionales en unos Oscar más aperturistas

Por | 23 enero 2007 | Comentar


De estas nominaciones a la 79º edición de los Oscar sobresale el afán más aperturista de la Academia a la hora de incluir trabajos de nacionalidades distintas a la norteamericanaNo exagero si digo que a más de uno nos ha cogido por sorpresa la ausencia de Volver en la puja por el Oscar a mejor filme de habla no inglesa. Aunque sea grato ver a Penélope Cruz entre las nominadas a mejor actriz protagonista, su candidatura suena a compensatoria por la ausencia de Almodóvar en una categoría en la que ya se hizo con el premio por Todo sobre mi madre. Sin embargo, hemos de alegrarnos porque otra cinta española (sí, así es, pese a la escasa atención dispensada por la prensa generalista patria, la película es de financiación íntegramente española, cuenta una historia ubicada en nuestra tierra y la mayor parte del reparto es nacional) se haya colado en esta candidatura y opte también, merecidamente, al premio a mejor guión original. La película representará a México dada la nacionalidad de su director y de los productores del filme, cuya posproducción también se desarrolló en el país centroamericano. Me alegro por Guillermo del Toro, un director imaginativo como pocos y con una capacidad autoral destapada por completo en El laberinto del fauno. Además, gracias a esta cinta, de nuevo tendremos a un español como candidato al galardón a mejor banda sonora. El aragonés Javier Navarrete competirá por este premio al que yo optó la edición anterior Alberto Iglesias con El jardinero fiel.

Del resto de candidaturas, pocas sorpresas más se pueden añadir. Sí me llama la atención que, al parecer, a la Academia le ha debido gustar más la segunda cinta de Eastwood sobre el desembarco de Iwo Jima en la que cuenta la versión japonesa. Aquí sólo hemos podido ver, de momento, Banderas de nuestros padres, una cinta no tan a la altura de los dos trabajos previos de Eastwood. También aparecen entre las nominadas a mejor filme la cinta de Scorsese —quien optará por enésima vez a la estatuilla a mejor director—, Babel, Pequeña Miss Sunshine —con la que se hace el habitual guiño al cine independiente— y la británica The Queen. Probablemente sea la protagonista de esta cinta, Hellen Mirren, quien se haga con la estauilla a mejor actriz principal por su modélica encarnación de la reina Isabel II. También me agradaría que, en vista de las pocas nominaciones recibidas, se premiase a United 93 y a su director, Paul Greengrass, por este magnífico relato pegado a la realidad de una tragedia reciente.

Y en un año plagado de cintas de animación digital, yo señalaría como mi favorita a Monster House, por ser la más original y distinta de la terna que forma junto a Cars y Happy feet.

En general, de estas nominaciones a la 79º edición de los Oscar sobresale el afán más aperturista de la Academia a la hora de incluir trabajos de nacionalidades distintas a la norteamericana confirmando, así, una tendencia ya observada en las últimas ediciones.

Las nominaciones completas son:

Mejor Película
:
'Babel'
'Infiltrados'
'Cartas desde Iwo Jima'
'Pequeña Miss Sunshine'
'The Queen'

Mejor Película en lengua extranjera:
'After the wedding'
'Days of glory'
'The lives of others'
'El laberinto del fauno'
'Water'

Mejor director:
Martin Scorsese, por 'Inflitrados'
Alejandro González-Iñárritu, por 'Babel'
Clint Eastwood, por 'Letters from Iwo Jima'
Stephen Frears, por 'The Queen'
Paul Greengrass, por 'United 93'

Mejor actor protagonista:
Leonardo DiCaprio, por 'Blood Diamond'
Peter O'Toole, por 'Venus'
Will Smith, por 'The Pursuit of Happyness'
Forest Whitaker, por 'The Last King of Scotland'
Ryan Gosling, por 'Half Nelson'

Mejor actriz protagonista:
Penélope Cruz, por 'Volver'
Helen Mirren, por 'The Queen'
Meryl Streep, por 'El Diablo viste de Prada'
Kate Winslet, por 'Little Children'
Judi Dench, por 'Notes on a Scandal'

Mejor Película de animación:
'Cars'
'Happy feet'
'Monster house'

Mejor actriz de reparto:
Adriana Barraza, por 'Babel'
Kate Blanchett, por 'Notes on a Scandal'
Abigail Breslin, por 'Pequeña Miss Sunshine'
Jennifer Hudson, por 'Dreamgirls'
Rinko Kikuchi, por 'Babel'

Mejor actor de reparto:
Alan Arkin, por 'Pequeña Miss Sunshine'
Djimon Hounsou, por 'Blood Diamond'
Eddie Murphy, por 'Dreamgirls'
Mark Whalberg, por 'Infiltrados'
Jackie Earle Haley, por 'Little Children'

Mejor guión original:
'Babel'
'Pequeña Miss Sunshine'
'El laberinto del fauno'
'Cartas desde Iwo Jima'
'The Queen'

Mejor guión adaptado:
'Borat'
'Hijos de los hombres'
'Infiltrados'
'Little children'
'Notes on a scandal'

Mejor música original:
'Babel'
'The good german'
'Notes on a scandal'
'El laberinto del fauno'
'The Queen'

Mejor canción original:
'I Need To Wake Up', de Melissa Etheridge ('An Inconvenient Truth')
'Listen', de Henry Krieger, Scott Cutler, Anne Preven ('Dreamgirls')
'Love You I Do', de Siedah Garrett ('Dreamgirls')
'Our Town', Randy Newman ('Cars')
'Patience', de Henry Krieger, Willie Reale ('Dreamgirls')

Mejor fotografía:
Vilmos Zsigmond, por 'La dalia negra'
Emmanuel Lubezki, por 'Children of Men'
Dick Pope, por 'The Illusionist'
Guillermo Navarro, por 'El laberinto del Fauno
Wally Pfister, por 'The Prestige'

Mejor dirección artística:
'Dreamgirls' - John Myhre, Nancy Haigh
'The Good Shepherd' - Jeannine Claudia Oppewall, Gretchen Rau, Leslie E. Rollins
'El laberinto del Fauno' - Eugenio Caballero, Pilar Revuelta
'Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest - Rick Heinrichs, Cheryl Carasik
'The Prestige' - Nathan Crowley, Julie Ochipinti

Mejor diseño de vestuario:
'Curse of the Golden Flower' - Yee Chung Man
'The Devil Wears Prada' - Patricia Field
'Dreamgirls' - Sharen Davis
'Marie Antoinette' - Milena Canonero
'The Queen' - Consolata Boyle

Mejor maquillaje:
'Apocalypto' - Aldo Signoretti y Vittorio Sodano
'Click' - Kazuhiro Tsuji y Bill Corso
'El laberinto del fauno' - David Marti y Montse Ribe

Mejor montaje:
'Babel' - Stephen Mirrione y Douglas Crise
'Blood Diamond' - Steven Rosenblum
'Hijos de los hombres' - Alex Rodríguez y Alfonso Cuarón
'The Departed' - Thelma Schoonmaker
'United 93' - Clare Douglas, Christopher Rouse y Richard Pearson

Mejor sonido:
'Apocalypto' - Kevin O'Connell, Greg P. Russell, Fernando Cámara
'Blood Diamond' - Andy Nelson, Anna Behlmer, Ivan Sharrock
'Dreamgirls' - Michael Minkler, Bob Beemer, Willie D. Burton
'Flags of Our Fathers'
'Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest' - Paul Massey, Christopher Boyes, Lee Orloff

Mejores efectos visuales:
'Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest' - John Knoll, Hal T. Hickel, Charles Gibson, Allen Hall
'Poseidon'
'Superman Returns' - Mark Stetson, Richard R. Hoover, Neil Corbould, Jon Thum

Mejor montaje de sonido:
'Apocalypto'
'Blood Diamond'
'Flags of Our Fathers'
'Letters from Iwo Jima'
'Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest' - Christopher Boyes, George Watters II

Mejor documental:
'Deliver Us from Evil'
'An Inconvenient Truth'
'Iraq in Fragments'
'Jesus Camp'
'My Country My Country'

Mejor corto documental:
'The Blood of Yingzhou District'
'Recycled Life'
'Rehearsing a Dream'
'Two Hands'

Mejor cortometraje:
'Binta y la gran idea'
'Eramos Pocos'
'Helmer & Son'
'The Saviour'
'West Bank Story'

Mejor cortometraje de animación:
'The Danish Poet' - Torill Kove
'Lifted' - Gary Rydstrom
'The Little Matchgirl' - Roger Allers and Don Hahn
'Maestro' - Geza M. Toth
'No Time for Nuts' - Chris Renaud and Michael Thurmeier
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Amor, muerte... y comunicación

Por | 22 enero 2007 | Comentar


La cinta aborda cuestiones como los prejuicios étnicos de los que derivan las sensaciones de inseguridad y miedo recíprocos tan incardinadas en las sociedades multiétnicas de hoy díaLa llamada trilogía del dolor nacida de la fructífera colaboración entre González Iñárritu y Guillermo Arriaga se cierra con Babel. Ésta ha sido su propuesta más ambiciosa y, sin embargo, quizá sea la menos redonda de todas. Las tres películas rastrean sentimientos humanos a través de historias y vidas cruzadas ensartadas por el dolor. Pero cada una, según mi particular interpretación, pone el acento en asuntos concretos como la necesidad de amar y ser amado (en Amores perros), el enfrentamiento con el abismo de la muerte y la pérdida (en 21 gramos) y los problemas de comunicación y empatía social de nuestros días (ahora en Babel). El afán globalizador de Babel, lejos de ser un punto fuerte, termina por lastrar al conjunto de un relato, por momentos, desmadejado. Sólo en secuencias aisladas de cada historia asoma el arte y el buen cine, como en el epílogo de la historia nipona, menos atractiva de partida, pero la más poética y potente del filme a la postre.


Título: Babel
Dirección: Alejandro González Iñárritu.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 143 min.
Género: Drama.
Interpretación: Brad Pitt (Richard), Cate Blanchett (Susan), Gael García Bernal (Santiago), Elle Fanning (Debbie), Kôji Yakusho (Yasujiro), Rinko Kikuchi (Chieko), Adriana Barraza (Amelia), Nathan Gamble (Mike), Mohamed Akhzam (Anwar), Peter Wight (Tom), Harriet Walter (Lilly), Trevor Martin (Douglas), Mónica del Carmen (Lucía).
Guión: Guillermo Arriaga; basado en un argumento de Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu.
Producción: Alejandro González Iñárritu, Jon Kilik y Steve Golin.
Música: Gustavo Santaolalla.
Fotografía: Rodrigo Prieto.
Montaje: Stephen Mirrione y Douglas Crise.
Diseño de producción: Brigitte Broch.
Vestuario: Michael Wilkinson.
Estreno en USA: 27 Octubre 2006.
Estreno en España: 29 Diciembre 2006.
Web: www.babel.uip.es

Babel teje tres historias sucedidas a distancias muy remotas entre sí unidas por el frágil engarce de un arma de fuego. El filme comienza con la historia de Afganistán, detonante de los sucesos que desencadenarán consecuencias de dispar calibre en las ocurridas en EE.UU. y Japón. Un padre les regala a sus hijos un rifle para abatir a los coyotes que acechan al rebaño de ovejas que ambos pastorean por la laderas de su casa. El arma, antigua propiedad de un turista japonés que regaló a su guía afgano tras su última cacería, será usada imprudentemente por los niños. Un matrimonio norteamericano de vacaciones por Afganistán se halla en plena crisis tras la muerte de uno de sus hijos. La negligencia de los niños les afectará directamente a ellos e, indirectamente, a sus hijos dejados en EE.UU. al cargo de su niñera mexicana, al propietario del arma en Japón y, sobre todo, a la hija sordomuda de éste.

La cinta aborda cuestiones como los prejuicios étnicos de los que derivan las sensaciones de inseguridad y miedo recíprocos tan incardinadas en las sociedades multiétnicas de hoy día. Pero también los problemas de marginación o de ausencia de solidaridad entre quienes no responden a ciertos cánones o exigencias sociales. El panorama descrito en las tres historias ofrece conclusiones desoladoras, pero también indicia ciertas claves para la esperanza. De nuevo, como en las otras dos cintas de esta trilogía, la sutil guitarra de Gustavo Santaolalla acentúa las secuencias más emotivas y las interpretaciones vuelven a jugar un papel fundamental. En este caso sorprende el gran trabajo de los rostros más desconocidos del reparto, como el de la japonesa Kôji Yakusho o el de Adriana Barraza como niñera mexicana, y rallan a una estimable altura actores de más cartel como Brad Pitt, Cate Blanchett o Gael García Bernal. No diría que la trilogía del dolor se cierra en falso con esta Babel, pero sí que este corolario no está a la altura de la magnífica 21 gramos. No obstante, estas tres película del tándem Iñárritu-Arragia dan para mucha conversación cinéfila y, en especial, para mucha reflexión interior. Hemos de agradecerle a los dos el que estos tres trabajos alienten ambas circunstancias.
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Las muñecas rusas de Nolan

Por | 18 enero 2007 | Comentar


La película se limita a ofrecer el típico juego de muñecas rusas en el que el espectador va conjeturando qué se esconde al final de cada giro argumentalEn los últimos años, pocos directores han apuntado tantas maneras al poco de echar andar su carrera como Christopher Nolan. No sé me ocurre una carta de presentación más rotunda como el haber dirigido y escrito Memento, una cinta original, cerebral y con un poder de seducción que, al poco tiempo de estrenarse (año 2000), la convirtió en una película de culto de forma instantánea. Es lógico que las ofertas más atractivas y adineradas le llovieran justo después de este fenomenal éxito. Su siguiente trabajo, otro thriller con personajes en situaciones angustiosas, ya contó con actores de talla sobresaliente como Al Pacino. Insomnia era una película interesante, pero de escasa brillantez. A este filme le siguió su debut en una superproducción con Batman Begins. Nolan demostró de nuevo su capacidad para hacer arte con casi todo lo que toca, tenga o no miles de millones tras de sí. Por todo lo contado había depositadas tantas expectativas en El truco final (The Prestige), y por eso mismo, algunos nos hemos quedado con la miel en los labios esta vez.


Título: El truco final (The prestige)
Dirección: Christopher Nolan.
Países: USA y Reino Unido.
Año: 2006.
Duración: 128 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Hugh Jackman (Robert Angier), Christian Bale (Alfred Borden), Michael Caine (Cutter), Scarlett Johansson (Olivia Wenscombe), Rebecca Hall (Sarah Borden), Andy Serkis (Alley), Piper Perabo (Julia McCullough), David Bowie (Nikola Tesla), Samantha Mahurin (Jess).
Guión: Christopher Nolan y Jonathan Nolan; basado en la novela "El prestigio" de Christopher Priest.
Producción: Aaron Ryder, Emma Thomas y Christopher Nolan.
Música: David Julyan.
Fotografía: Wally Pfister.
Montaje: Lee Smith.
Diseño de producción: Nathan Crowley.
Vestuario: Joan Bergin.
Estreno en USA: 20 Octubre 2006.
Estreno en España: 12 Enero 2007.
Web: www.eltrucofinal-es.com.

La película se limita a ofrecer el típico juego de muñecas rusas en el que el espectador va conjeturando qué se esconde al final de cada giro argumental. Los más avezados resolverán el juego de engaños con mayor anticipación que otros, pero la sensación de todos al término de la larga función creo que equivale a haber completado un complejo sudoku. Ni siquiera termina de enganchar la historia de amistad devenida en odio entre dos de los mejores magos de su tiempo. Y pese a que todos sus elementos artísticos (interpretaciones, vestuarios o fotografía) rallen a una altura más que estimable, a uno le queda la sensación de haber asistido a una cinta excesivamente fría y sólo preocupada por esconder celosamente todos sus recovecos argumentales.

Resulta curioso que esta cinta haya coincidido con otra de similar contexto como El ilusionista y que, en ambos casos, la magia haya brillado más bien por su ausencia. Parece que, tras tanto empacho de trucos, en ninguno de los dos trabajos hemos logrado ver el ansiado prestigio que todo gran mago debe ofrecer al término de su actuación.

OTRAS OPINIONES...
José, en Cine: "El problema de estos directores tan cerebrales como Nolan es que ponen la historia al servicio de una idea, de un truco."
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José A. Peig, en Imágenes y Palabras: "Se quiera reconocer o no, en el aspecto humano, en el corazón verdadero de la historia, la película es demasiado tosca y mecánica."

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Iniciativa desde la blogosfera por el estreno de 13 Tzameti

Por | 09 enero 2007 | Comentar

 Los autores del blog 13 Tzameti (13 bloggers en busca de un estreno) me sugieren por e-mail el blog que han abierto para impulsar el estreno de esta cinta francesa en las salas comerciales de, al menos, Madrid y Barcelona. Me ha picado la curiosidad por esta cinta tras visitar el blog que han abierto para impulsar el estreno y los trailers que han colgado en YouTube. Ellos hacen una viva recomendación de la película:

Ruleta rusa y blanco y negro, un sinvivir de hora y media que recomendamos fervorosamente. La pasaron en Sitges y desde entonces estamos esperando su estreno comercial. Mientras tanto nos distraemos haciendo teasers para el blog.

La película está dirigida por el francés Géla Babluani y lo cierto es que, tras hacer una pequeña batida por Internet, parece tener una magnífica pinta. La sinopsis de su argumento, recogida en La Butaca, es la siguiente:

En algún lugar, en un sitio apartado al borde del mar, Sébastien (Georges Babluani), de 22 años, repara el techo de una casa. Su propietario muere de una sobredosis tras recibir una extraña convocatoria que supuestamente le hará ganar mucho dinero. Sébastien recupera el sobre y decide presentarse en su lugar. Para él da comienzo una caza del tesoro que le llevará hasta un tugurio clandestino, un mundo de pesadilla donde los hombres hacen apuestas con la vida de otros hombres…

Y la web oficial de la cinta es: www.13themovie.com. Pues nada, me sumo a la iniciativa y voto por su estreno en España para airear un poco la cartelera con novedades europeas de interés.