Silencio, se rueda

La Marvel lo tiene claro: el cine es el futuro

noreply@blogger.com (Matías) — Sun, 04 May 2008 23:20:00 +0000

Quizá a muchos les valga, pero otros aún acudimos a las salas con la esperanza de que nos sorprendan y sin conformarnos con el resultado ya previstoHasta ahora, la Marvel había preferido jugar un papel subalterno en la parte creativa de las diversas adaptaciones cinematográficas de sus principales héroes. Se limitaba a tarifar los derechos de sus historietas a las gentes del cine y a incluir su nombre, como sello de calidad, en las múltiples cintas de origen comiquero estrenadas en los últimos tiempos. Con Iron Man se rompe por vez primera esta premisa y los dueños de este emporio del cómic han decidido capitanear el proyecto financiándolo como productores ejecutivos y estrenando para la ocasión la firma Marvel Studios. Y no parece que ésta vaya a ser una excepción a la que hasta ahora venía siendo una norma, sino la nueva ruta que emprenda la compañía en su fuerte apuesta por lo audiovisual en la industria del entretenimiento. De modo que ésta es la primera pieza de otras muchas, dada la larga lista de venideros filmes que la Marvel tiene planeado lanzar (Deathlok, El Increíble Hulk, Magneto, Luke Cage o Doctor Strange, entre otros).

Título: Iron Man
Dirección: Jon Favreau.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 127 min.
Género: Acción, ciencia-ficción.
Interpretación: Robert Downey Jr. (Tony Stark/Iron Man), Terrence Howard (James Rhodes), Jeff Bridges (Obadiah Stane), Shaun Toub (Yinsen), Gwyneth Paltrow (Virginia "Pepper" Potts), Faran Tahir (Raza), Jon Favreau (Hogan).
Guión: Mark Fergus, Hawk Ostby, Art Marcum y Matt Holloway; basado en los personajes creados por Stan Lee, Larry Lieber, Don Heck y Jack Kirby.
Producción: Avi Arad y Kevin Feige. Música: Ramin Djawadi.
Fotografía: Matthew Libatique.
Montaje: Dan Lebental. Diseño de producción: J. Michael Riva.
Vestuario: Laura Jean Shannon.
Estreno en USA: 2 Mayo 2008.
Estreno en España: 30 Abril 2008.
Web: www.sonypictures
releasing.es
/ En Muchocine.net

Para los amantes de las viñetas, ésta puede ser una buena noticia si pensamos que la Marvel siempre tratará con más esmero y cariño a sus criaturas que cualquier otra 'major' hollywoodiense. Pero también, por otro lado, los cinéfilos pueden recelar de una estrategia que podría sacrificar la originalidad y creatividad de cada entrega para favorecer la producción de películas en serie y con formato estandarizado.

Mientras se confirma una u otra tendencia, o ninguna de las dos, sí podemos valorar esta primera cinta de Marvel Studios. Iron Man ofrece las virtudes y defectos habituales de filmes similares: está bien hecho técnicamente, no aburre, pese a alguna laguna en su ritmo, pero tampoco sorprende ni aporta nada radicalmente distinto a adaptaciones de superhéroes recientes (Spiderman 3, Superman Returns o Los 4 Fantásticos). Por tanto, ni sorprende ni arriesga. Se sabe como el núcleo de un gran negocio del que dimanarán otros ingresos, por la vía del merchandising, tan o más lucrativos que la propia explotación del producto cinematográfico.

Los actores implicados se muestran relajados en pantalla, conscientes de que no serán juzgados severamente por participar en un proyecto del que sacarán unos cuantos milloncejos casi sin despeinarse. El dinero fácil, con los llamados 'papeles alimenticios', nunca ha sido muy censurado siempre que los intérpretes terminen por volver al redil de las obras con afán más artístico. Por eso, Robert Downey Jr., Jeff Bridges, Gwyneth Paltrow o Terrence Howard, intérpretes de talento más que acreditado en filmes previos, cumplen con oficio y se limitan a ejercer de pulcros profesionales.

El guión tampoco es un dechado de originalidad. Muy parecido al de otras adaptaciones comiqueras, ejerce dignamente de prólogo inicial para futuras secuelas, aunque vuelve a caer en los pecadillos habituales, como los chistes sin gracia o la inclusión de pobres 'affaires' románticos de los que bien se podría prescindir. Que la parte técnica esté bien resuelta ya no es noticia en la era de los efectos digitales. Por tanto, Iron Man sólo es recomendable como cinta de entretenimiento sin pretensiones. Quizá a muchos les valga, pero otros aún acudimos a las salas con la esperanza de que nos sorprendan y sin conformarnos con el resultado ya previsto. Ojalá Christopher Nolan siga alimentando esta esperanza con El cabellero oscuro, su segunda entrega de Batman.

La hazaña de un héroe-granuja

noreply@blogger.com (Matías) — Sat, 01 Mar 2008 23:10:00 +0000

Aunque sean más conocidos por su prepotencia y ombligismo mundial, los norteamericanos también saben ironizar sobre sí mismos y desacralizar los hitos de su historia. Un buen ejemplo de ello es este filme basado en la vida real del congresista Charlie Wilson, un vividor y mujeriego empedernido cuyo historial haría palidecer al republicano más puritano. Un hombre así, que se autodescribe con un único talento político: el de su habilidad para salir siempre reelegido en una circunscripción sin exigencias de votantes o lobby alguno, fue capaz de liderar una guerra encubierta contra los soviéticos en la contienda que éstos mantuvieron con los afganos a comienzos de los ochenta.

Título: La guerra de Charlie Wilson (Charlie Wilson's war)
Dirección: Mike Nichols.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 97 min.
Género: Biopic, drama.
Interpretación: Tom Hanks (Charlie Wilson), Julia Roberts (Joanne Herring), Philip Seymour Hoffman (Gust Avrakotos), Amy Adams (Bonnie Bach), Ned Beatty (Doc Long), Emily Blunt (Jane Liddle), Om Puri (presidente Zia Ul-Haq), Ken Stott (Zvi Rafiah), Jud Tylor (Crysta Lee).
Guión: Aaron Sorkin; basado en el libro homónimo de George Crile.
Producción: Tom Hanks y Gary Goetzman.
Música: James Newton Howard.
Fotografía: Stephen Goldblatt.
Montaje: John Bloom y Antonia Van Drimmelen.
Diseño de producción: Victor Kempster.
Vestuario: Albert Wolsky.
Estreno en USA: 21 Diciembre 2007.
Estreno en España: 22 Febrero 2008.
Web: http://www.laguerradecharliewilson.es/
/ En MuchoCine.net

Gracias al talento de Wilson para las relaciones públicas, EE UU aumentó sus fondos para actividades clandestinas contra la URSS de cinco millones de dólares a mil millones anuales durante los nueve años que se prolongó la guerra afgano-soviética. De hecho, la cinta comienza con un homenaje privado a la figura de Charlie Wilson por su contribución clave en el colapso soviétivo y en la victoria norteamericana de la Guerra Fría.

Mike Nichols, tras la estupenda Closer, confirma su buena forma con este notable relato repleto de humor negro, diálogos ingeniosos y un gran reparto dirigido con su habitual buena mano para la dirección de actores. En esta ocasión, también todos ellos rayan a gran altura: comenzando por un divertido Tom Hanks, resarcido tras su interpretación cara-de-palo en el bodrio de El Código Da Vinci, siguiendo por la reaparecida Julia Roberts, eficaz en su papel de adinerada católica integrista, y destacando sobre todo el magnífico trabajo de Philip Seymour Hoffman, ejerciendo de espía bruto y campechano pero con un indiscutible talento para el ejercicio de la guerra sucia.

En definitiva, otro de esos filmes en los que los EE UU revisan algunos de sus pasajes gloriosos pero desde una visión desapasionada, no autocomplaciente y hasta crítica. Porque, como concluye la cinta en su corolario, aquella guerra se ganó y Occidente pudo entonces haber estrechado sus lazos con los países árabes y de la órbita musulmana, pero "la cagamos en la jugada final". Y de aquellos polvos, añadiría yo, padecemos los actuales terroríficos lodos.

[+] Buen cine para airear los trapos sucios propios

¿Por qué nos gustan los frikis?

noreply@blogger.com (Matías) — Sun, 24 Feb 2008 03:29:00 +0000

Música de fondo: BSO - Little Miss Sunshine - How it ends (2006)

No sólo los héroes cuentan con poder de empatía. Como el cine demuestra con cierta regularidad, otros personajes menos convencionales o, si se prefiere, más originales, pueden contar con un atractivo mayor. Comúnmente asociados a reduccionistas calificativos, como los de 'perro verde' u 'oveja negra', estos caracteres suelen distinguirse por vivir ajenos a las modulables normas sociales o al arbitrario sentido común. Son personas absolutamente independientes en su toma de decisiones cotidiana, el que dirán para ellos es una simple brisa que ni el flequillo les mueve y viven apasionadamente sus aficiones y distracciones.

Su aparentes transgresiones no buscan provocar a quienes sí siguen dictados. No tratan de autoafirmarse por la vía de la rebelión social: un personaje tan obvio no promovería con tanto éxito la identificación del espectador. Su encanto reside en la normalidad con que viven lo que a los ojos de la mayoría son rarezas o frikadas. Esa mezcla de autonomía y criterio propio es lo que nos gusta de ellos, al margen de que nos puedan atraer también algunas de sus particulares aficiones o de que compartamos sus originales puntos de vista.

Estas criaturas cinematográficas sobresalen por su independencia y su origen no podía dimanar de otro lugar que no fuera el de la modesta, aunque fecunda, industria del cine independiente. Los filmes producidos desde estos ámbitos alternativos vienen ampliando su público gracias el periódico éxito anual de dos o tres cintas nacidas al socaire del puñado de productoras indies. Sus repartos también suelen resultar distintos, pues, aunque se pueda 'colar' algún nombre típico del star system, en ellos se valora más el talento asociado a su idoneidad para el papel que el peso del rutilante nombre de turno en los títulos de crédito.

Probablemente, los frikis también nos gusten porque casi todos compartimos alguna rareza con ellos y anhelamos vivir absortos en cualquiera de nuestras frikadas. Como, por ejemplo, escribir un blog.

Los Coen vuelven al lugar del crimen

noreply@blogger.com (Matías) — Sun, 10 Feb 2008 19:54:00 +0000

Ironías cinematográficas: Tommy Lee Jones, otrora el implacable policía perseguidor del inocente Richard Kinball en El fugitivo, ejerce en No es país para viejos de un sheriff en retirada por haber perdido toda fe en el sentido de su trabajo durante el caso relatado en el filme. Un hombre que presenciará una despiadada carnicería a manos de otro que mata con la cotidianeidad de un cartero repartiendo el correo. Un hombre, este sheriff Bell, al que ya no le merece la pena jugarse la vida por algo que escapa a su comprensión. El rol del héroe en esta cinta de los Coen no tiene cabida.

Título: No es país para viejos (No country for old men)
Dirección: Ethan Coen y Joel Coen.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 122 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Tommy Lee Jones (sheriff Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harrelson (Carson Wells), Garrett Dillahunt (agente Wendell), Kelly Macdonald (Carla Jean Moss), Tess Harper (Loretta Bell).
Guión: Joel Coen y Ethan Coen; basado en la novela homónima de Cormac McCarthy.
Producción: Joel Coen, Ethan Coen y Scott Rudin.
Música: Carter Burwell.
Fotografía: Roger Deakins.
Montaje: Roderick Jaynes.
Diseño de producción: Jess Gonchor.
Vestuario: Mary Zophres.
Estreno en USA: 21 Noviembre 2007.
Estreno en España: 8 Febrero 2008.
Web: www.noespaisparaviejos.es
/ En MuchoCine.net

Con la voz gastada de Bell hablando sobre el pasado mientras aparecen las laderas de las desérticas montañas donde todo ocurrirá arranca este lúgubre relato. Estructurado como una cacería, el filme emparenta de forma directa con la aclamada Fargo. Paisajes solitarios, extraños personajes, hechos cotidianos brutalmente interrumpidos por actos de violencia que cortan la respiración se suceden a un lento ritmo idóneo para describir minuciosamente cada acción. La épica westeriana aparece ya como una idea en vías de extinción y, en este baño de sangre, sólo queda espacio para el sálvese quien pueda.

En este retrato de claroscuros, sólo parece comportarse con coherencia el psicópata de la función. Su trabajo es matar y cuando promete a alguien que lo va a hacer, no duda en cumplir su palabra inflexiblemente. El único resquicio para la salvación está en el azar del cara o cruz de una moneda impuesto a la víctima. "Todos me dicen antes de matarles que no tengo por qué hacerlo", replica a una de sus víctimas el 'coherente' psicópata Anton Chigurh, quien no se aparta un ápice de sus férreos compromisos, por salvajes que éstos sean, mientras sus adversarios se desmoronan por el innato instinto de supervivencia.

No es país para viejos deja a una lado la ligereza de trabajos previos de los Coen (The Ladykillers, Crueldad intolerable) devolviéndoles a su papel de sociólogos de la Norteamérica más profunda. Y para su mirada con microscopio de la zona sur de EE UU colindante con México han elegido a un reparto de lo más idóneo: empezando por Lee Jones, quien es originario de allí y debutó en la dirección con una gran cinta incardinada en esos mismos páramos; continuando por Javier Bardem, quien asume un papel clave en todo el filme con un trabajo merecedor de cuantos premios le han otorgado y le puedan otorgar; y siguiendo por Josh Brolin, en un personaje muy típico de los Coen, el del ingenuo que cree haber encontrado una oportunidad de oro sin reparar en que ésta, como si de un bumerán se tratase, puede arruinarle aún más su mediocre existencia.

Todo este fenomenal trabajo actoral se ve respaldado por la perfección de una añeja fotografía o una concisa banda sonora, así como por un montaje de ritmo lento en el que sólo la violencia seca interrumpe la calma tensa presente en todo el metraje de este gran filme.

El más listo de la clase

noreply@blogger.com (Matías) — Mon, 28 Jan 2008 21:38:00 +0000

La imagen glamurosa del espía fomentada machaconamente por el cine parece ya en desuso, excesivamente explotada. Las últimas producciones con trabajadores de agencias de espionaje como protagonistas vienen a corroborar esta tendencia con ejemplos como los de Syriana, El buen pastor e incluso, pese a no renunciar a las exageraciones propias de la saga, el último Bond encarnado por Daniel Craig, mucho más terrenal y vulnerable que sus antecesores. También éste es el caso de El espía (Breach), segundo trabajo del director Billy Ray, quien debutara con El precio de la verdad (Shattered Glass), notable filme financiado por Tom Cruise.

Título: El espía (Breach)
Dirección: Billy Ray.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 110 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Chris Cooper (Robert Hanssen), Ryan Phillippe (Eric O'Neill), Laura Linney (Kate Burroughs), Dennis Haysbert (Dean Plesac), Caroline Dhavernas (Juliana O'Neill), Gary Cole (Rich Garces), Kathleen Quinlan (Bonnie Hanssen).
Guión: Billy Ray, Adam Mazer y William Rotko; basado en un argumento de Adam Mazer y William Rotko.
Producción: Bobby Newmyer, Scott Strauss y Scott Kroopf.
Música: Mychael Danna.
Fotografía: Tak Fujimoto.
Montaje: Jeffrey Ford.
Diseño de producción: Wynn Thomas.
Vestuario: Luis M. Sequeira.
Estreno en USA: 16 Febrero 2007.
Estreno en España: 21 Diciembre 2007.
Web: http://www.elespialapelicula.es/
Leer critica de El espía en Muchocine.net

Y resulta curioso que, para ambos trabajos, Ray se haya basado en dos populares escándalos: en el caso de en El precio de la verdad, en el de un periodista con un exceso de inventiva para sus relatos, y en El espía, como adelanta su elocuentísimo título castellano, en la historia de un agente secreto considerado el mayor traidor/topo descubierto en las entrañas del FBI. A juzgar por la temática de ambos trabajos, a Ray le deben interesar mucho los personajes tramposos y con doble vida.

El enfoque de verismo de este sobrio relato es perceptible desde sus títulos de crédito iniciales, con las imágenes televisivas de John Ashcroft, fiscal general de la primera Administración Bush, anunciando la detención de Robert Hanssen, agente del FBI que vendió secretos y a espías norteamericanos a la URSS durante más de 20 años. Su caso, quizá el de mayor trascendencia pública conocido hasta la fecha, se consideró uno de los mayores desastres ocurridos en el seno de la inteligencia norteamericana.

Pero la cinta no aborda tanto el modo en que este hombre pudo filtrar secretos a un gobierno rival durante dos décadas, como las posibles razones y motivos de Hanssen. De modo que El espía trata, sobre todo, de profundizar en la extraña y contradictoria personalidad de un agente especializado en sistemas de gestión de la información cuya gris tarea, muy alejada de la gloria predestinada para los agentes de campo, nunca fue sometida a un severo escrutinio.

Para guiarnos por este viaje a la mente de Hanssen, otro personaje muy alejado de él, el joven agente Eric O'Neill, interpretado eficazmente por Ryan Phillippe, será quien nos adentre en el complejo mundo de este personaje creado con gran riqueza de matices por el excelente Chris Cooper, actor habitualmente relegado a la tercera línea de los créditos finales. A O'Neill le asignarán la tarea de 'cazar' a Hanssen en una de sus traiciones para evitar su retirada del FBI sin ni siquiera haber pisado un tribunal por su incontable lista de delitos. De modo que, durante gran parte de la película, ambos se medirán en el típico pulso entre el alumno aventajado y el viejo zorro que se las sabe todas. También aparece en el reparto la siempre espléndida Laura Linney en el papel de jefa de O'Neill.

Excelente el trabajo de Chris Cooper, un habitual de la tercera línea de créditos, dotando de complejidad y profundidad al contradictorio personaje de HanssenEn definitiva, la sencilla propuesta de El espía es la de explicar cómo un agente de acrisolado patriotismo y aparente honradez pudo 'vender' a su país a una potencia rival. Por qué extraño cruce de cables en su mente pudo tomar decisiones tan lesivas para la seguridad de su país. Muchas de los argumentos esgrimidos en el filme apuntan al continuo desprecio mostrado por los superiores de Hanssen hacia su labor, considerada de ratón de oficina pero que, como él mismo demostró con su traición, era mucho más crucial y requería mucho más dedicación y esfuerzo para salvaguardar la información sensible en materia de seguridad nacional. Porque en cierto modo, y aunque parezca un impresión simplista, El espía es la típica historia de venganza del empollón hacia los más guapos y populares de la clase.

Sir Ridley, recuperado por la vía del cine de género

noreply@blogger.com (Matías) — Mon, 14 Jan 2008 17:41:00 +0000

La carrera de Ridley Scott deambulaba en los últimos años por terrenos irregulares que parecían vaticinar el ocaso de su maestría. Salvo Gladiator, abultadamente premiada en los Oscar de 2001 pero enmarcable en la tradición del mejor cine épico, cintas como Un buen año, Los impostores o El reino de los cielos apenas dejaban entrever la sombra del realizador que acuñó mitos del cine ochentero como Alien o Blade Ranner. Y para su resurgir ha recurrido en su último trabajo a subgéneros, como el de gansters o el thriller policiaco, tan abordados por otros grandes directores con resultados magníficos. Sin ir más lejos, Martin Scorsese saldó su deuda con el Oscar gracias a un filme ubicado entre ambas temáticas con su excelente pero no magistral The Departed.

Título: American Ganster
Dirección: Ridley Scott.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 157 min.
Género: Drama policiaco.
Interpretación: Russell Crowe (Richie Roberts), Denzel Washington (Frank Lucas), Chiwetel Ejiofor (Huey Lucas), Cuba Gooding Jr. (Nicky Barnes), Josh Brolin (detective Trupo), Carla Gugino Laurie Roberts), John Hawkes (Freddie Spearman), Ted Levine (Lou Toback), Armand Assante (Dominic Cattano), Common (Turner Lucas), John Ortiz (Javier Rivera).
Guión: Steven Zaillian.
Producción: Brian Grazer y Ridley Scott.
Música: Marc Streitenfeld.
Fotografía: Harris Savides.
Montaje: Pietro Scalia.
Diseño de producción: Arthur Max.
Vestuario: Janty Yates.
Estreno en USA: 2 Noviembre 2007.
Estreno en España: 28 Diciembre 2007.
Web: http://www.americangangster.es/
Leer critica de American Gangster en Muchocine.net

American Ganster asume con respeto la larga tradición de cintas ambientadas en la mafia y bebe también en universos típicos de James Ellroy como el de la corrupción político-policial. Supone también para Scott el reencuentro profesional con Russell Crowe, el protagonista de su última gran película. Y su primera colaboración con Denzel Washington, actor que sigue demostrando sus amplias capacidades para interpretar casi cualquier papel.

El guión del filme, que parte de una historia real, está estructurado como una narración paralela de las vidas de los dos protagonistas, el mafioso Frank Lucas y el policía Richie Roberts. Las vidas de ambos discurren por caminos semejantes pero en sentidos opuestos. Mientras Richie deberá sufrir en los inicios de su carrera el desprecio de sus compañeros por no aclimatarse al ambiente de enquistada corrupción policial, Lucas aprovechará los conocimientos adquiridos de su jefe, un importante líder de la mafia negra, para recoger su testigo a su muerte y prosperar hasta convertirse en el mayor traficante del Nueva York de los 70.

Otro factor clave para la rápida ascensión de Lucas en el negocio del tráfico de heroína fue la guerra. En Vietnam, muchos soldados se convirtieron en yonquis que importaron su adicción a su país. La heroína era la droga de moda, la que todo el mundo quería y debía probar para estar en la onda. Lucas, consciente de esta creciente demanda, fue directamente a la fuente productora del codiciado opiáceo. Puso en las calles una heroína de gran calidad a un precio razonable gracias a unas inmejorables condiciones de importación obtenidas mediante enjuagues con altos funcionarios políticos y militares, quienes le facilitaban su transporte hasta EE.UU. directamente desde el propio Vietnam.

Muy distinto, y probablemente más arduo, fue el camino hasta el éxito de Richie. Su condición de insobornable le granjeó pocos amigos y mala fama en un cuerpo policial corrompido hasta la médula, pero, en cambio, le posibilitó el liderar una unidad especial antidroga que se encargaría de descabezar los amplios tentáculos de un negocio en pleno apogeo.

Huelga decir que, con Crowe y Washington en los papeles protagonistas, el apartado artístico está cubierto con sobrada solvencia, más aún si se les suma el gran trabajo de los secundarios que los arropan. Por otra lado, la ambientación setentera de Nueva York, en palabras de Ridley Scott, no les fue nada fácil dado lo distante que es ahora la estética actual de la ciudad, limpia y ordenada hasta en los barrios tenidos por suburbios hace años, del aspecto más desgastado y sucio que la película consigue recrear espléndidamente.

Factores como éstos, así como la ágil y entretenida narración, hacen de American Ganster un filme de gran calidad, que denota la sabia firma que hay tras ella y reconcilia a Scott con su público más exigente.

Los videojuegos, arsenal estético para el cine

noreply@blogger.com (Matías) — Fri, 14 Dec 2007 15:30:00 +0000

Hitman (2007)

Resident Evil (2002)

Los yacimientos de ideas para filmes parecen cada vez más agotados. El llamado séptimo arte, en su vertiente más industrial, precisa de un flujo constante de producciones capaces de sostener el basto negocio del entretenimiento. En los últimos años, el cine ha acudido con mayor frecuencia de la acostumbrada a fuentes ajenas no tan ordinarios como la literatura o el teatro. El cómic, más de una vez esquilmado indignamente por lo audiovisual, se ha erigido sin duda como una rentable musa sobre la que construir producciones de muy diverso tipo: de acción familiar (Spider-Man, Superman Returs, Los 4 Fantásticos...), de acción/suspense para adultos (300, Sin City o la venidera y esperada Watchmen) o de terror (Man-Thing).

Otro nicho del que sacar historias ha sido el videojuego. Cuando las consolas se acomodaron como un electrodoméstico habitual en el hogar (entre finales de los 80 y principios de los 90), los títulos de mayor éxito se tomaron como ideas 'trasladables' al formato cine partiendo de la fama proveniente del cartucho/cd interactivo. Sonados batacazos ha habido hasta nuestros días, como la penosa y ruinosa SuperMario Bros. (1993) o la lamentable Street Fighter (1994), que sirvió de aciaga despedida para el difunto Raul Julia.

Se pudiera pensar que el fracaso de títulos como los citados podría radicar en una mala elección de aquéllos, dado que ambos son juegos de acción pura y dura (uno de plataformas, el otro de combates), con personajes sin excesivo 'background' y con historias irrelevantes frente a los objetivos que se han de superar. Es decir, la ausencia de relato alguno obligaba a crear uno artificial que funcionara en el cine respetando el espíritu original del juego.

Pero tampoco ha triunfado artísticamente una adaptación cuando se ha partido de un videojuego con historia más elaborada y compleja. Como mucho, algunos de estos filmes (Final Fantasy, Tomb Raider, Resident Evil o, ahora, Hitman) han cumplido funcionalmente como cintas de simple entretenimiento sustentadas por una arsenal estético ya presente en el material primigenio.

Super Mario Bros. (1993) / Street Fighter (1994)

De hecho, en Hitman aparecen toda una serie de subtramas encaminadas a humanizar al protagonista que chirrían con el gélido estilo del personaje en el universo de pc/videoconsola. Así, estos apósitos cinematográficos 'cantan' a la legua como impostados clichés a los ojos del gamer más adepto de la saga.

En Resident Evil ocurre algo parecido. Se debate entre el subgénero de terror-zombie y la acción trepidante dimanada de su soporte interactivo: un juego de acción en primera persona. Además, a todo ello se le quiere añadir cierta intriga en relación al corrupto origen político-empresarial que ha provocado la extensión de una plaga capaz de arrasar todo rastro de vida en el planeta. Finalmente ocurre como en el caso de Hitman, la estética del juego y la originalidad en las escenas de acción es lo poco 'salvable' de una trilogía cuyas historias se podrían resumir en un mismo y repetitivo 'leit-motiv': matar zombies y sobrevivirles.

Tomb Raider (2001)

Luego del videojuego se aprovecha su envoltorio, el atrezo de un mundo y personajes creados con gran originalidad. Así, el éxito del filme nacido al socaire del juego depende de la poca o mucha maña del guionista a la hora de crear un buen relato aparejado a estos elementos ya preexistentes.

Con Tomb Raider, y aprovechando el material heredado del píxel, se quiso crear un álter ego femenino del mítico Indiana Jones, el aventurero-arqueológico más famoso del cine. Pero ni los guionistas supieron dotar al personaje de los rasgos tan característicos del gran Indy ni las historias de Lara Croft sabían conjugar con igual habilidad humor, acción y suspense. Como mucho, el atractivo sexual se combinó con la implacabilidad de un personaje al que la Jolie supo sacarle más rendimiento del esperado.

Probablemente, y pese a que las incursiones del juego en el cine sigan, lo mejor será que ambos formatos convivan de forma más o menos separada. Los juegos seguirán adoptando enfoques en sus historias cada vez más próximos al cine (de hecho, el director John Woo ha retomado un filme policiaco suyo de los 90 en el videojuego Strangelove), y el cine, por su parte, también seguirá tomando prestadas ideas provenientes del rico universo del videojuego. Pero el cine deberá saber modular el uso de las ideas tomadas del juego para no zozobrar en el inoperante plagio de una estética a la que agregar una floja historia que ni siquiera hace honor a la fama y éxito de la fuente original.

[+ Información]:

Somos nuestras decisiones

noreply@blogger.com (Matías) — Wed, 05 Dec 2007 00:20:00 +0000

El cine es más sabio y artístico cuanto sugiere, muestra o sugestiona que cuando adoctrina, moraliza y sentencia. Probablemente también se ajuste más a la verdad de su relato cuando crea a sus personajes e historias bajo esta premisa de honestidad. El cine de Icíar Bollaín parece evolucionar, y para bien, por esta senda de minimalismo argumental en el que se plantean preguntas sin ofrecer al espectador respuestas definitivas. Mataharis, su último filme posterior a la exitosa cinta de denuncia social que fue Te doy mis ojos, ahonda en esta vía más poliédrica a la hora de hablar sobre los personajes. Tres actrices (Najwa Nimri, María Vázquez y Nuria González) encarnan a otras tantas mujeres en diferentes etapas de sus vidas, distintas generacionalmente las unas de las otras, que han de tomar decisiones sobre cómo quieren que sea su vida o sobre cómo reconducirla en su situación actual.

Título: Mataharis
Dirección: Icíar Bollaín.
País: España.
Año: 2007.
Duración: 95 min.
Género: Drama.
Interpretación: Najwa Nimri (Eva), Tristán Ulloa (Iñaki), María Vázquez (Inés), Diego Martín (Manuel), Nuria González (Carmen), Antonio de la Torre (Sergio), Fernando Cayo (Valbuena), Adolfo Fernández (Alberto), Manuel Morón (Samuel), Mabel Rivera (mujer engañada).
Guión: Icíar Bollaín y Tatiana Rodríguez.
Producción: Santiago García de Leániz y Simón de Santiago.
Música: Lucio Godoy.
Fotografía: Kiko de la Rica.
Montaje: Ángel Hernández Zoido.
Dirección artística: Josune Lasa.
Vestuario: Estíbaliz Markiegui.
Estreno en España: 28 Septiembre 2007.
Web: www.mataharislapelicula.com
Leer critica de Mataharis en Muchocine.net

Este asunto, el de nuestras decisiones ante encrucijadas concretas como cincel vital, parece estar presente en todo momento en la película. Un ejemplo de ello lo encontramos en el impagable diálogo entre el personaje de Nuria González, detective privado y compañera de trabajo de las otras dos protagonistas, con un cliente que le ha solicitado el seguimiento a su esposa de la que sospecha una infidelidad. Constatada ésta, el hombre, entre asombrado y abatido, se pregunta en voz alta: "¿Cómo ha podido hacerme esto?". La detective Carmen, a la sazón amiga del cliente, le espeta: "Lo importante no es si está o no con otro, lo importante es por qué".

Esta secuencia, unida a otras del filme, profundiza en otro eje argumental: el cómo una persona con quien se ha vivido durante años se nos puede revelar como un ser extraño y casi ajeno a nuestra existencia, constatando la crueldad de una soledad acompañada.

También se habla de la soledad de quien ha consagrado su vida al éxito profesional dejando un lado principios que habría defendido en un pasado no muy remoto. Así, Inés, la detective más joven del trío interpretada por María Vázquez, comienza a replantearse cómo ha llevado su vida hasta ese momento, y cómo quiere que sea en el futuro, cuando la duda le asalta en un caso donde el éxito de la investigación depende de anestesiarse todo escrúpulo moral.

En la historia de Eva (Najwa Nimri), a caballo generacionalmente entre los personajes de Inés y Carmen, la desconfianza, la incomunicación o la dificultad para perdonar asoman como los típicos síntomas que prologan el final de una relación. Como contrapartida, el combatirlos con sus respectivos contravalores, confiar, perdonar o sincerarse, se erigen como únicos antídotos posibles.

Queda claro por tanto que, aunque sus historias sean pequeñas y estén pegadas a lo real como un neumático al asfalto, en Mataharis se aborda desde la lucidez de la sugestión muchos y variados asuntos de contenido eminentemente humano. Quizá no llegue a la maestría, pero este nuevo trabajo de la realizadora madrileña la confirma como una voz más que interesante entre nuestros cineastas.

Aguijonazo político

noreply@blogger.com (Matías) — Mon, 26 Nov 2007 15:23:00 +0000

La filmografía del Robert Redford director parecer ser subconscientemente equidistante de la del Redford actor. Sabedor de haber abandonado hace años su icónico rol de irresistible seductor, esta leyenda del star-system hollywoodiense parece querer probar que tiene mucho que decir como director, algo ya demostrado en notables trabajos previos como Quiz Show, El río de la vida o Gente corriente. Ahora, con una cinta claramente de tesis y de estructura teatral, Redford quiere dejar clara su opinión acerca del momento político actual de su país. La inminencia de unas elecciones a las que Bush hijo ya no comparecerá parece el principal aldabonazo que ha originado esta cinta. Sin embargo, en palabras de su realizador, Leones por corderos pretende trascender en sus argumentos la coyuntura socio-política.

Título: Leones por corderos (Lions for lambs)
Dirección: Robert Redford.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 96 min.
Género: Drama.
Interpretación: Robert Redford (Dr. Stephen Malley), Meryl Streep (Janine Roth), Tom Cruise (senador Jasper Irving), Michael Peña (Ernest), Andrew Garfield (Todd), Peter Berg (teniente coronel Falco), Derek Luke (Arian).
Guión: Matthew Michael Carnahan.
Producción: Robert Redford, Matthew Michael Carnahan, Andrew Hauptman y Tracy Falco.
Música: Mark Isham.
Fotografía: Philippe Rousselot.
Montaje: Joe Hutshing.
Diseño de producción: Jan Roelfs.
Vestuario: Mary Zophres.
Estreno en USA: 9 Noviembre 2007.
Estreno en España: 9 Noviembre 2007.
Web: www.leonesporcorderos.es
Leer critica de Leones por Corderos en Muchocine.net

Y a mi juicio sí que consigue ir más allá de la mera crítica circunscrita al discutible papel internacional jugado por EE UU en la era pos-11S. De hecho, si se separa la paja de los hechos concretos abordados en el filme de los argumentos de fondo, la cinta construye un sólido discurso acerca de la creciente apatía social en relación a quienes nos gobiernan y construyen nuestros destinos como pueblos. Es cierto que Redford peca de un exceso de sesgo y construye personajes estereotipados para arrimar el ascua a su sardina. Pero también lo es que su breve metraje parece estar pensado para quedarse con una única idea y evitar perderse por otras accesorias.

Probablemente, la cinta recibiría una mejor calificación si de una obra teatral se tratase, el medio donde se habría sentido más cómodo el guión de Matthew Michael Carnahan. Pero no creo que sea una pérdida de tiempo el asistir a su visionado. Primero, para ratificar la existencia de una opinión pública disidente de la política de la Administración Bush. Segundo, para asistir a un sano ejercicio de autocrítica entre una sociedad que solemos tachar de arrogante y prepotente. Y tercero, para disfrutar de un duelo actoral espléndido entre dos grandes como Meryl Streep y Tom Cruise. Magnífico, y desempolvando algunos de sus mejores trabajos como el de Magnolia, está Cruise en su rol del líder político capaz de aterrar con sus decisiones y de seducir con su magnetismo en proporciones similares.

Aunque no sea una película para la posteridad, el visionado de Leones por corderos resulta más que aconsejable en estos tiempos.

De colegas y últimas juergas

noreply@blogger.com (Matías) — Sun, 04 Nov 2007 19:52:00 +0000

Cada cierto tiempo, el cine norteamericano estrena una comedia gamberra con adolescentes en celo preocupados sólo por un binomio existencial: sexo y diversión. Suelen 'tirar' mucho de cliché fácil y de situaciones cómicas más o menos trilladas. Supersalidos, siendo enmarcable en este recurrente subgénero, ofrece algo más. Primero, personajes mejor construidos; segundo, el efectivo humor de trazo gordo pero tamizado por ironías más finas y chistes más lúcidos; y tercero, alguna que otra verdad sobre las transiciones vitales que separan la despreocupada adolescencia de la adulta responsabilidad. A todos estos añadidos de su guión frente a otras propuestas similares recientes, se le unen un acertado reparto encabezado por Jonah Hill y Michael Cera en los roles típicos de una buddy movie, una gran selección musical repleta de clásicos setenteros y perlas impagables como el desternillante personaje de Fogell/Mclovin (Christopher Mintz-Plasse).

Título: Supersalidos (Superbad)
Dirección: Greg Mottola.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 114 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Jonah Hill (Seth), Michael Cera (Evan), Seth Rogen (oficial Michaels), Bill Hader (oficial Slater), Christopher Mintz-Plasse (Fogell), Kevin Corrigan (Mark), Joe Lo Truglio (Francis), Martha MacIsaac (Becca), Emma Stone (Jules), Aviva (Nicola).
Guión: Seth Rogen y Evan Goldberg.
Producción: Judd Apatow y Shauna Robertson.
Música: Lyle Workman.
Fotografía: Russ Alsobrook.
Montaje: William Kerr.
Diseño de producción: Chris Spellman.
Vestuario: Debra McGuire.
Estreno en USA: 17 Agosto 2007.
Estreno en España: 19 Octubre 2007.
Web: http://www.estastusupersalido.es/
Leer critica de Supersalidos en Muchocine.net

Esencialmente, el argumento es una revisión nostálgica de una etapa vital en la que las preocupaciones cotidianas giraban en torno a la ansiaba pérdida de la virginidad y la planificación de la próxima fiesta encaminada al supremo fin desvigador. También se recuerda con cariño aquella amistad con ese colega del alma con el que se compartía todas las batallitas de ese encelado día a día. Seth y Evan son esos dos colegas que se hallan a pocas semanas de un trascendente cambio para ambos con la llegada de la universidad y la consiguiente separación de sus destinos.

La inminente graduación les apremia para alcanzar el objetivo y la organización de una fiesta para celebrar el fin de curso les ofrecerá a ambos la ocasión propicia. Seth jugará la baza de elemento esencial en la fiesta al erigirse, junto a su colega y Fogell, el auténtico outsider de la función, en los suministradores oficiales de alcohol. Es ahí donde lo que parecía un misión relativamente sencilla, gracias al falso carnet de adulto de Fogell, se convertirá en una odiseica aventura para la tripleta de amigos hasta arribar a la fiesta con el líquido 'revitalizante'. A esta trama se unirá la de dos policías que, en su revivir de sus juergas adolescentes, añadirán un punto de chaladura al filme para redundar en esa vistazo nostálgico hacia el añorado tiempo de inmadurez fiestera. En el epílogo quedará claro que el cierre de esta etapa suele venir por la vía de la domesticada vida en pareja. Pera, hasta ese punto, deberán pensar los guionistas de Supersalidos: que nos quiten lo bailado.

Sustos ‘made in Spain’

noreply@blogger.com (Matías) — Sat, 03 Nov 2007 03:34:00 +0000

Que te den un susto es muy distinto a pasar miedo. Mientras que una sensación se circunscribe a la inmediatez del sobresalto, la otra accede de forma más profunda y perdurable a nuestra psique. Llevada esta obviedad a los terrenos del cine, una película puede asustar porque consiga concatenar varios sobresaltos con mayor o menor fortuna, pero lo verdaderamente difícil es aterrar, trasladar una sensación de angustia capaz de permanecer bastante tiempo después del visionado del filme. El exitoso debut de Juan Antonio Bayona en un largo lo ubicaría en el estante de las cintas de sustos. Siguiendo la estela de los referentes que han sostenido el género de terror en los últimos años, como algunas de las producciones niponas recicladas por los norteamericanos, El Orfanato no se aparta de las convenciones fijadas por filmes de perfil similar.

Título: El Orfanato
Dirección: Juan Antonio Bayona.
País: España.
Año: 2007.
Duración: 100 min.
Género: Thriller sobrenatural.
Interpretación: Belén Rueda (Laura), Geraldine Chaplin (Aurora), Fernando Cayo (Carlos), Roger Príncep (Simón), Mabel Rivera (Pilar), Montserrat Carulla (Benigna), Andrés Gertrudix (Enrique), Edgar Vivar (Balabán).
Guión: Sergio G. Sánchez.
Producción: Joaquín Padró, Mar Targarona y Álvaro Augustín.
Producción ejecutiva: Guillermo del Toro.
Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Óscar Faura.
Montaje: Elena Ruiz.
Dirección artística: Josep Rosell.
Vestuario: María Reyes.
Estreno en España: 11 Octubre 2007.
Web: www.elorfanato-lapelicula.com
Leer critica de El Orfanato en Muchocine.net

Se trata de la ya típica alquimia en la que se mezclan apariciones de ultratumba con tragedia pretérita que se inmiscuye en la contemporaneidad de los vivos. El tipo de películas que depositan gran parte de su éxito en la gran sorpresa final. Esa misma que los más malévolos espectadores amenazan con contar al amigo que aguarda en la cola de la taquilla para comprar su entrada. Si la sorpresa del epílogo está a la altura de la narración previa, y ofrece además la buscada carga emotiva, el resultado suele gustar. En mi caso, no sé si porque todo el conjunto me pareció perfectamente maquinado para llevarme hasta ese punto, no me pareció lo más destacable de esta buena opera prima. Sin embargo, sí destacaría lo importante que es la existencia de cintas de este tipo entre nuestra industria. No sé me ocurre mejor camino que éste, el de un buen thriller o el de buena una peli de terror como es el caso, para lograr que nuestro cine supere las —a veces— injustas etiquetas del pasado y pueda, así, levantar cabeza y atraer al público con similar capacidad de convocatoria que industrias de mayor envergadura. Porque, aunque siempre he defendido desde este espacio que lo importante es el buen cine, venga de donde venga, tampoco he disimulado mi alegría cuando la calidad cinematográfica ha sido cocinada en casa.

Buena puesta en escena, cuidada estética y solventes movimientos de cámara avalan técnicamente esta cinta que, además, raya a una gran altura en el aspecto artístico, con un reparto encabezado por Belén Rueda, quien demuestra la próspera vida que también puede haber tras la más segura y acomodaticia televisión. En fin que, sin haberme deslumbrado como a muchos de quienes me la recomendaron fervorosamente, me gustó esta cinta bendecida desde sus comienzos con el oportuno respaldo de Guillermo del Toro.

La mafia según Cronenberg

noreply@blogger.com (Matías) — Sun, 28 Oct 2007 01:49:00 +0000

Tanto Una historia de violencia como esta Promesas del este evidencian un manifiesto interés de David Cronenberg por los alrededores del violento mundo de la mafia. Las dos últimas cintas de este director de granado pasado en el género fantástico no ambicionan abordar estos clanes criminales con una carga de profundidad similar a emblemáticas obras como El Padrino. Pero sí los elige como marco para historias más concretas sobre personajes atrapados en la telaraña del hampa.

Título: Promesas del esta (Eastern promises)
Dirección: David Cronenberg.
Países: Reino Unido, Canadá y USA.
Año: 2007.
Duración: 100 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Viggo Mortensen (Nikolai Luzhin), Naomi Watts (Anna Khitrova), Vincent Cassel (Kirill), Armin Mueller-Stahl (Semyon), Sinéad Cusack (Helen), Jerzy Skolimowski (Stepan).
Guión: Steve Knight.
Producción: Paul Webster y Robert Lantos.
Música: Howard Shore.
Fotografía: Peter Suschitzky.
Montaje: Ronald Sanders.
Diseño de producción: Carol Spier.
Vestuario: Denise Cronenberg.
Estreno en España: 5 Octubre 2007.
Web: www.promesasdeleste.es
Leer mi critica de Promesas del Este en Muchocine.net

En complicidad con el espléndido trabajo del camaleónico Viggo Mortensen, protagonista de ambos filmes, el realizador canadiense aborda cómo estos tentaculares ambientes impiden su abandono a quien un día formó parte de ellos o cómo se extiende a las vidas de quienes guarden alguna relación, si quiera colateral, con sus alrededores. Al personaje de Naomi Watts, una comadrona de un hospital londinense, le ocurrirá esto último en Promesas del este. Después de traer al mundo al hijo de una adolescente ucraniana muerta tras el parto, ella, también de origen ruso, se halla en la obligación moral de dar con un familiar a quien encomendar el cuidado del recién nacido huérfano, al tiempo que le pueda comunicar la noticia de la muerte de la madre.

La pista de un diario en manos de la joven madre muerta conducirá a Anna Khitrova hasta una familia de la mafia rusa que usó a esta chica para la prostitución y luego la tiró como mercancía desechable tras haberla convertida en una yonqui. Allí se topará con el misterioso Nikolai Luzhin (el personaje de Mortensen), un chófer-recadero-matón al servicio del malcriado hijo del capo del clan (un gran Vincent Cassel). Su padre, encarnado con maestría por Armin Mueller-Stahl, representa la figura icónica del líder del clan familiar, así como la de de destacado capo entre las diversas familias mafiosas. En esta relación que padre e hijo mantienen durante todo el filme hay bastante de tópico cinematográfico en tanto que no resulta nada nueva en el cine la cortante tensión entre un estricto líder mafioso y su díscolo y poco ejemplar hijo.

Los hallazgos de Khitrova a través del diario le acercarán peligrosamente hasta ese mundo con reglas propias, alejadas por completo del otro que convenimos en llamar normal. Sólo un hombre parco, con aseado aspecto típico de mafioso ruso, le oficiará de brújula y de protección para no inmiscuirse más de lo debido. Nikolai, quien dice ser sólo un chófer, sabe mucho más de lo que cuenta y calla cuanto puede para sobrevivir en una comunidad donde las disputas suelen zanjarse con el cadáver del adversario vertido al río.

Sin ser una película de una violencia continua, sí aparecen en pantalla crudos actos violentos marca de la casa Cronenberg, a quien no suele dolerle en prendas el mostrar los más escabrosos detalles. La gélida fotografía de un Londres moderno y una buena elección general del reparto son otros de los avales de esta cinta de Cronenberg con senderos argumentales de parecido discurrir a los de su magnífica, y quizá superior, predecesora.

PD.: Siento la larga ausencia de este espacio dedicado al comentario y diálogo cinéfilo. Pero, a veces, se ha de dejar cierto espacio y tiempo a un asunto para luego retomarlo con renovado brío. Espero que así sea.

McClane 4.0, el antivirus a base de mamporros

noreply@blogger.com (Matías) — Sun, 09 Sep 2007 22:16:00 +0000

El impacto del primer filme protagonizado por Bruce Willis como John McClane fue tal en España que la sustitución del título original inglés, Die Hard ('Duro de Matar'), por el de La Jungla de Cristal se ha mantenido en las secuelas posteriores. Los términos 'jungla' o 'cristal' tenían cierto encaje en aquella cinta cuya acción se desarrollaba en los rascacielos Nakatomi, mientras que su presencia en los títulos de las continuaciones sólo obedece a una mera asociación con la exitosa cinta de John McTiernan. En cualquier caso, la perpetuación del título castellano del primer filme ejemplifica la indeleble impronta dejada por aquél.

Título: La Jungla 4.0 (Live free or die hard)
Dirección: Len Wiseman.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 130 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Bruce Willis (John McClane), Timothy Olyphant (Thomas Gabriel), Justin Long (Matt Farrell), Maggie Q (Mai), Cliff Curtis (Bowman), Mary Elizabeth Winstead (Lucy McClane), Cyril Raffaelli (Rand), Kevin Smith (Frederick Kaludis).
Guión: Mark Bomback; basado en un argumento de Mark Bomback y David Marconi; sobre el artículo "A farewell to arms" de John Carlin.
Producción: Michael Fottrell.
Música: Marco Beltrami.
Fotografía: Simon Duggan.
Montaje: Nicolas de Toth.
Diseño de producción: Patrick Tatopoulos.
Vestuario: Denise Wingate.
Estreno en USA: 27 Junio 2007.
Estreno en España: 7 Septiembre 2007.
Web: www.lajungla4.es

Desde sus inicios, McClane contaba con muchos ingredientes para hacerse un hueco entre los más insignes héroes del cine de acción. Su nefasto don de la ubicuidad, su rudez y contundencia a la hora de deshacerse de los villanos o sus frases de 'sobrao' y chuleta le configuraban como un héroe atípico con facilidad para empatizar con el público. Conformen se sucedían las secuelas, el protagonismo de McClane crecía en detrimento de los argumentos de los filmes, claramente al servicio de la reedición de las acciones y rasgos típicos del policía neoyorquino.

En La Jungla 4.0 tampoco cambia esta deriva. McClane es presentado de nuevo como un buen poli con una vida privada hecha añicos. Divorciado y con una hija declarada en rebeldía, a nuestro protagonista no parece haberle servido de mucho su heroica hoja de servicios. Nada nuevo respecto a capítulos previos. Pero el público ya sabe que su instinto de poli veterano curtido en mil batallas tardará poco en hacerle resurgir. Y lo hace de la misma forma que en aventuras previas, cogiéndole de improviso las circunstancias más inoportunas.

Vuelve a enfrentarse a terroristas que, reivindicaciones políticas al margen, sólo persiguen llenarse los bolsillos a mano llena. Esto tampoco cambia respecto a entregas previas. Lógicamente, lo que sí cambian son los métodos de los villanos a los que ahora se enfrenta McClaine. El título castellano ya nos dice que sobre algo de ordenadores y bytes irá esta nueva propuesta de acción. Pero frente a los 'hackers' dominadores del ciberespacio no hay mejor remedio que la medicina habitual de McClaine: los mamporros a diestro y siniestro. La pistola de este duro poli doblega la sofisticación del terrorista parapetado en unas pantallas de ordenador con las que, sin embargo, es capaz de sembrar las mayores catástrofes.

En fin, que esta cuarta entrega dirigida por un mañoso de la técnica como Len Wiseman no sorprende en casi nada, pero tampoco aburre gracias a su chute de acción vertiginosa. Es lo mejor y lo peor que se puede decir de la cuarta entrega de esta franquicia de acción liderada por Bruce Willis.

Puertas al campo

noreply@blogger.com (Matías) — Sat, 08 Sep 2007 22:16:00 +0000

Imagen del 'Manifiesto por el Cine en los Cines' que estos días se distribuye en nuestros salas.

La semana pasada desfilaron diversos representantes de la industria del cine español por la Comisión de Cultura del Congreso. Opinaron acerca de la nueva Ley del Cine. Los realizadores dicen que los exhibidores usan sus salas como si del salón de su casa se tratara. Dicen que, con su comportamiento, "permiten que los americanos nos usen como el patio trasero donde dejar sus desechos" (David Trueba dixit). La Federación de Cines de España (FECE) afirma que "las películas hechas en España interesan muy poco a la gente" y emplean datos para respaldar tal afirmación: "la cuota de pantalla para el cine español en lo que va de año es del 5%" (es decir, de cada 100 espectadores, sólo cinco ven cine español). Y yo me pregunto: ¿y por qué no se consulta al público, otro elemento esencial de todo este negocio? Si lo hicieran, quizá descubrirían ambos, exhibidores y productores, que no todos los espectadores desprecian el cine hecho aquí por el simple hecho de su origen nacional o que algunas de nuestras producciones deben su fracaso comercial a su discutible calidad, más que a una pobre distribución. A mí, como a muchos de quienes escriben sobre cine en Internet, me gusta el cine sin etiquetas identitarias. Y el buen cine, pese a las muchas trabas que deba superar, siempre termina abriéndose paso.

Y para quitarle algo de gravedad a esta polémica ley, os dejo la reacción de un adolescente alemán tras ver Alatriste previa descarga vía 'la mula'.

Tarantino, devoto cinéfilo practicante

noreply@blogger.com (Matías) — Tue, 04 Sep 2007 00:12:00 +0000

Death Proof es el envés de la misma moneda que el tándem Rodríguez/Tarantino ha acuñado como homenaje a un cine de terror y acción que derrochaba originalidad y transgresión en tiempos cinematográficos aún conservadores. Con escasos presupuestos y soluciones técnicas chapucero-artesanales, aquellos cineastas pioneros hacían de la necesidad virtud y sólo ambicionaban dar rienda suelta a sus truculentas imaginaciones. Sam Raimi, Wes Craven, Cronenberg, Carpenter o Peter Jackson, entre otros, fueron algunos de los directores que se forjaron en aquella escuela de vísceras y sangre. Hoy todos ellos cuentan con reconocidas carreras como cineastas, pero su fogueo partió de aquellas cintas incomprendidas y marginales para su mayoritario público coetáneo.

Título: Death Proof (Grindhouse)
Dirección y guión: Quentin Tarantino.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 113 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Kurt Russell (Stuntman Mike), Sydney Tamiia Poitier (Jungle Julia), Rosario Dawson (Abernathy), Vanessa Ferlito (Arlene), Jordan Ladd (Shanna), Rose McGowan (Pam), Tracie Thoms (Kim), Mary Elizabeth Winstead (Lee), Zoë Bell (Zoë), Omar Doom (Nate), Michael Bacall (Omar), Eli Roth (Dov), Quentin Tarantino (Warren), Monica Staggs (Lanna), Michael Parks (Earl).
Producción: Elizabeth Avellan, Robert Rodriguez, Erica Steinberg y Quentin Tarantino.
Fotografía: Quentin Tarantino.
Montaje: Sally Menke.
Diseño de producción: Steve Joyner y Caylah Eddleblute.
Vestuario: Nina Proctor.
Estreno en USA: 6 Abril 2007.
Estreno en España: 31 Agosto 2007.
Web: www.grindhousemovie.net

Si Rodríguez se ocupó en Planet Terror de referenciar el terror 'gore', unas de las vertientes por las que el mexicano ha mostrado más querencia en cintas iniciáticas suyas como Abierto hasta el amanecer, Tarantino ha decido dirigir su tributo a las películas de salvajes carreras de coches. Referentes como Punto límite cero o 60 segundos, citadas textualmente en diálogos que Tarantino ha puesto en boca de sus personajes, constituyen la base de cinefilia sobre la que se apoya Death Proof.

Pero no se queda ahí. Porque en Death Proof vuelve aparecer el arsenal de lugares comunes de toda su filmografía: como los largos diálogos entre colegas sobre las más absurdas trivialidades, la filmación de escenas con afán de posteridad acompañadas de excelentes canciones (el repaso a las bandas sonoras de sus filmes desvelan a Tarantino como un gran 'gourmet' de clásicos musicales americanos y como un enamorado de las partituras morriconianas) y la creación de personajes extremos capaces de pasar de un estado de relajo a otro de brutal violencia sin apenas inquietarse. Y puesto a alabar sin disimulo sus preferencias cinematográficas o a vituperar sin piedad el cine que detesta, a Tarantino no le duele en prendas el hacerse varios impúdicos autohomenajes con guiños a cintas suyas recientes como Kill Bill. Por ejemplo, genial resulta la reaparición de dos personajes ya míticos como el ranger Earl McGraw (con la hosquedad e impavidez del gran Michael Parks) y su Hijo Número 1 (el propio hijo de Parks, James Parks). El pausado y crudo análisis que hacen de los brutales crímenes a los que se suelen enfrentar son la mejor muestra del negrísimo humor destilado por el realizador de Tennessee.

Y finalmente, para incondicionales de Tarantino como quien esto escribe, en Death Proof volvemos a disfrutar con interpretaciones-trasunto del pasado glorioso de grandes actores como Kurt Russell (de quien Tarantino adora sus primeros trabajos con Carpenter, como Escape from New York o La Cosa). Además, y siguiendo los rasgos típicos de las mujeres de sus filmes, Tarantino vuelve a crear todo un muestrario de diversos caracteres femeninos: sexys, fuertes, chulescos y decididos. Se podría decir la réplica de Tarantino al perfil de la chica-Almodóvar es la de una mujer bella, con fuerte atractivo sexual, inteligente, y dura y sensible a un tiempo. Todo el reparto de chicas-Tarantino en Death Proof, desde Rosario Dawson a Vanessa Ferlito, están excelentes en sus respectivos papeles.

En fin, que no oculto mi admiración por el cine de este hombre que, con apenas cinco películas escritas y dirigidas por él, creo que ha alcanzado un veloz estatus de autor con un cine que, aunque no sea plato de buen gusto para muchos, ofrece siempre una pasión cinéfila que respira por cada uno de sus fotogramas.

[+] Crítica de Planet Terror: Elogio de lo cutre

El juego del ratón y el gato

noreply@blogger.com (Matías) — Sat, 25 Aug 2007 14:55:00 +0000

Pocos son los hallazgos que el espía amnésico Jason Bourne (Matt Damon) hace en esta tercera película acerca de su identidad previa a su ingreso en el programa militar Treadstone. En El ultimátum de Bourne, dirigida por Paul Greengrass con el nervio, verismo y rigor que le son propios, se mantiene intacta la estructura del espía en constante huida acosado por una gran entramado podrido de la CIA. Bourne sigue sin saber mucho, pero comienza a atar cabos mientras en la cúpula de la agencia de espías norteamericana cunde el nerviosismo ante un posible y comprometedor levantamiento de alfombras. En suma, y sin ánimo de resultar simplista, se podría decir que el juego del ratón y el gato ofrecido en las dos entregas previas continúa siendo el 'leit-motiv' de esta última secuela del personaje creado por el novelista Robert Ludlum.

Título: El ultimátum de Bourne (The Bourne ultimatum)
Dirección: Paul Greengrass.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 111 min.
Género: Acción, drama, thriller.
Interpretación: Matt Damon (Jason Bourne), Julia Stiles (Nicky Parsons), Joan Allen (Pamela Landy), David Strathairn (Noah Vosen), Paddy Considine (Simon Ross), Scott Glenn (Ezra Kramer), Edgar Ramírez (Paz), Albert Finney (Dr. Albert Hirsch).
Guión: Tony Gilroy, Scott Z. Burns y George Nolfi; basado en un argumento de Tony Gilroy; sobre la novela de Robert Ludlum.
Producción: Frank Marshall, Patrick Crowley y Paul L. Sandberg.
Música: John Powell.
Fotografía: Oliver Wood.
Montaje: Christopher Rouse.
Diseño de producción: Peter Wenham.
Vestuario: Shay Cunliffe.
Estreno en USA: 3 Agosto 2007.
Estreno en España: 14 Agosto 2007.
Web: www.bourne.es

Montaje ágil, nerviosos movimientos de cámara y partitura ejemplar de John Powell para aliñar el conjunto son los principales avales de estas cintas de acción rodadas al 'estilo Greengrass'. Un estilo concordante con el de la primera cinta dirigida por Doug Liman (ahora productor ejecutivo de las dos continuaciones) pero mejorado por el sobrio barniz del director británico. Además, la perspectiva de un realizador europeo parece clave en una recreación realista e identificable de las localizaciones empleadas en el seguimiento del itinerante Bourne. Si a todo ello le sumamos una pléyade de magníficos actores, encabezada por el talentoso Matt Damon y respaldada por secundarios de lujo como Albert Finney, Joan Allen, Scott Glenn, Brian Cox o el último en incorporarse a la lista, un magistral David Strathairn, el resultado es una función de cine de espías de gran calidad y situada un peldaño por encima de la media en su género.

A pesar de todas estas virtudes técnicas e interpretativas, la cinta flojea en su historia. La estructura de persecución y huida termina por convertir el relato en un bucle donde sólo cambian los paisajes de fondo (diferentes estaciones de tren europeas y dos edificios de la CIA en Langley) y los enemigos de Bourne por la parte perseguidora. Cierto es que el ritmo de urgencia casi constante no deja espacio alguno para el aburrimiento, pero tanta velocidad va en detrimento de un relato más sustancioso. Descubriremos pequeños detalles de la biografía del protagonista previos a su transformación en Jason Bourne, nos sugerirán que el uso de éste como asesino por encargo era mucho más escalofriante de lo inferido en los capítulos previos, pero no mucho más progresa esta historia cuyo epílogo deja la puerta abierta para posibles secuelas venideras. No en vano, Robert Ludlum, fallecido en 2001, avaló al escritor Eric Van Lustbader para que continuara escribiendo acerca de este personaje del que ya ha publicado dos novelas tras la muerte de aquél: The Bourne Legacy (2004) y The Bourne Betrayal (2007). Sospecho que, dada su buena acogida en la gran pantalla, al cine le seguirá interesando contar más cosas sobre este enigmático espía incorporado ya, por derecho propio, al imaginario colectivo junto a afamados colegas como el legendario 007.

OTRAS OPINIONES...
Jose, de 'Cine': "El ultimátum de Bourne es una película genuina de nuestro atribulado siglo XXI, ya no gana el más fuerte, gana el que tiene más información."
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Rosenrod, de 'Dioses y Monstruos': "La trilogía del agente amnésico ha ido de menos a más, hasta rozar la perfección en su tercera entrega"
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Ramón Besonias, de 'OjO de buey': "Eficaz película de persecuciones más que bien orquestadas para disfrute de todo amante del género".

[+] Licencia para entretener

Héroes de verano

noreply@blogger.com (Matías) — Sun, 19 Aug 2007 01:33:00 +0000

Dada la proliferación de adaptaciones de héroes de viñetas, ya no resulta tan sencillo ese éxito asegurado que parecía bendecir a cada película de inspiración comiquera cuando éstas eran excepciones a la norma dentro del género de acción. De ahí que me sorprenda esta secuela de Los Cuatro Fantásticos, cuyo capítulo inicial disto mucho en su acogida de un atronador éxito taquillero y del beneplácito de los seguidores de la creación del tándem Lee-Kirby.

Título: Los Cuatro Fantásticos y Silver Surfer (Rise of The Silver Surfer)
Dirección: Tim Story.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 92 min.
Género: Acción, ciencia-ficción.
Interpretación: Ioan Gruffudd (Reed Richards/Mr. Fantástico), Jessica Alba (Susan Storm/La Mujer Invisible), Chris Evans (Johnny Storm/La Antorcha Humana), Michael Chiklis (Ben Grimm/La Cosa), Julian McMahon (Victor Von Doom/Dr. Muerte), Kerry Washington (Alicia Masters), Andre Braugher (general Hager).
Guión: Don Payne y Mark Frost; basado en un argumento de John Turman y Mark Frost; sobre los personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby.
Producción: Bernd Eichinger, Avi Arad y Ralph Winter.
Música: John Ottman.
Fotografía: Larry Blanford.
Montaje: William Hoy y Peter S. Elliot.
Diseño de producción: Kirk M. Petruccelli.
Vestuario: Mary Vogt.
Estreno en USA: 15 Junio 2007.
Estreno en España: 10 Agosto 2007.
Web: www.fantasticfourmovie.com

Es más, a muchos de los más devotos de este cuarteto de héroes les pareció de lo más mediocre aquel capítulo introductorio. En mi caso, que siempre he sido más un confeso seguidor de Spiderman, la cinta me dejó más bien frío. La combinación de acción con efectos digitales me pareció pobre y los chistes a costa de las rencillas entre la Antorcha Humana y La Cosa, de lo más flojos.

Partiendo de un listón a tan escasa altura, la mejora no era una misión titánica. Y ciertamente se puede considerar esta segunda entrega una versión mejorada, en todos los aspectos, de su predecesora. Pero dado su apego al guión fijado en aquella primera cinta, el predecible resultado reduce ésta a un distraído pasatiempo. Dudo mucho que contente a los acérrimos de la versión de papel, pero sí considero que ofrecerá lo esperado a quienes acudan al cine conscientes de las características de una cinta de este tipo.

Argumentalmente, el filme es más rico al centrarse en una de las historietas más legendarias de la saga de Los Cuatro Fantásticos: la llegada de Estrella Plateada (Silver Surfer) a nuestra planeta con la misión de destruirlo y la defensa numantina que Reed Richards y los suyos harán de él frente a tan poderoso rival. También reaparece, aunque en un lugar secundario, el tradicional enemigo de los héroes protagonistas: el Doctor Muerte.

El mayor tiempo de metraje dedicado a la acción, en detrimento de flojos chistes o tramas seudodramáticas como la tensión previa a la boda de Richards (Ioan Gruffudd) y Sue Storm (Jessica Alba), hacen más llevadero y entretenido el visionado del filme. Quizá aquí radique el resultado mejorado de esta Los Cuatros Fantásticos y Silver Surfer. Al haber definido mejor qué busca el público en una cinta de este tipo —distraerse un rato—, la producción se ha ceñido más en esta propuesta a un objetivo tan lícito como simple: entretener sin grandes pretensiones.

Elogio de lo cutre

noreply@blogger.com (Matías) — Thu, 09 Aug 2007 00:50:00 +0000

La doble sesión que Robert Rodríguez y Quentin Tarantino nos han preparado para este verano era uno de los proyectos que aguardaba con más interés. Su estética y contenido de 'revival' ochentero constituyen un explícito tributo a un tipo de cine de terror y acción, popularmente conocido como de 'serie B', del que esta pareja de amigos e irreverentes directores tanto han bebido en sus carreras. Grindhouse, nombre contenedor que agrupa a los dos filmes de esta sesión doble, se abre con el estreno de Planet Terror, la cinta del mexicano identificable al instante por el potente símbolo que en su cartel encarna la bella Rose McGowan (Embrujadas) con su fusil-pierna ortopédica. Me imagino que, debido a las imposiciones comerciales de hoy día, no ha sido posible estrenar Grindhouse en el que hubiera sido su formato más apropiado y coherente: en una de las añoradas dobles sesiones de nuestra infancia.

Título: Planet Terror (Grindhouse)
Dirección y guión: Robert Rodriguez.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 97 min.
Género: Acción, terror.
Interpretación: Rose McGowan (Cherry), Marley Shelton (Dakota Block), Freddy Rodriguez (Wray), Josh Brolin (Dr. William Block), Jeff Fahey (J.T.), Michael Biehn (sheriff Hague), Naveen Andrews (Abby), Stacy Ferguson (Tammy), Rebel Rodriguez (Tony Block), Bruce Willis (Muldoon), Julio Oscar Mechoso (Romey), Nicky Katt (Joe), Hung Nguyen (Dr. Crane).
Producción: Robert Rodriguez y Elizabeth Avellan.
Música: Robert Rodriguez.
Fotografía: Robert Rodriguez.
Montaje: Robert Rodriguez y Sally Menke.
Diseño de producción: Steve Joyner y Caylah Eddleblute.
Vestuario: Nina Proctor.
Estreno en USA: 6 Abril 2007.
Estreno en España: 3 Agosto 2007.
Web: http://www.grindhousemovie.net/

Pero yendo al grano, a la cinta de Rodríguez le ocurre lo que a otros trabajos suyos previos. Ofrece buenas ideas, secuencias de factura magnífica (los títulos de crédito de esta cinta le vuelven a avalar como un gran filmador de 'stripteases' tras su destape en esta faceta con el ya mítico de la Hayek serpiente en ristre), brutales golpes de humor (el falso 'trailer' de Machete o el chiste sobre el Papa se salen) y ratos de acción rodados con simpar originalidad. Sin embargo, cuando uno rasca sobre sus atractivos envoltorios, el conjunto que éstos desvelan es más bien pobre. De momento, me sigo quedando con su fidelísima traslación de las viñetas al celuloide del Sin City (crítica) de Miller, donde el mexicano daba un paso adelante en la adopción de tecnologías digitales al servicio de una idea estética muy concreta y, al mismo tiempo, mejoraba sus buenas dotes para las composición de 'scores'; cosa que también se deja notar en la banda sonora original de Planet Terrror, con uno sonido claramente deudor del de Sin City.

Debo reconocer que Planet Terror no me entusiasma en exceso porque tampoco lo hacía en su momento el tipo de cine que ésta pretende homenajear. Me terminan por cansar los exagerados baños de sangre con afán humorístico o el aniquilamiento de zombis/contagiados en plan videoconsola. Sí me gustan personajes estrafalarios como el de la pareja de hermanos —el policía y el propietario de un destartalado bar de carretera— en competencia vitalicia por conseguir la mejor salsa barbacoa del estado de Texas. Y también me gusta que Rodríguez, al estilo de Tarantino, 'recicle' en sus filmes a conocidos actores del pasado que ahora podemos redescubrir en insospechadas facetas (como el gran Michael Parks, un habitual en los últimos trabajos de la pareja Rodríguez-Tarantino).

Sin embargo, tras haber visionado Planet Terror, aún veo a Robert Rodríguez como un tipo ingenioso que se ha sabido rodear y aprender de amigos del mundo del cine con más talento y mejores ideas que él. En cierto modo, me sigue pareciendo un prometedor discípulo que comienza a cincelar un estilo propio (como el irrenunciable toque hispano de todos sus trabajos), pero al que le falta liberarse de tantas referencias ajenas para ofrecer algo más inequívocamente suyo.

Herencia corregida y aumentada

noreply@blogger.com (Matías) — Sun, 15 Jul 2007 17:43:00 +0000

¿Se puede hablar de una resucitación del género zombie? Quizá no sea para tanto, pero sí resulta ya indudable el tirón de los últimos años de este tipo de cine, antaño vituperado, hoy reconocido como válida referencia artística para abordar la autodestructiva naturaleza humana. Argumentos favorables a estas tesis los encontramos en el regreso de George A. Romero con Land of the Dead, o en el excelente tributo rendido a éste por el talentoso Zack Snyder en su 'remake' de Dawn of the Dead, o también en la sorpresiva 28 días después, del británico Danny Boyle, embrión de la secuela ahora dirigida por el canario Juan Carlos Fresnadillo. Aunque, en rigor, tanto en el trabajo de Boyle como en el de Fresnadillo no son zombies quienes devoran a sus semejantes, sino seres humanos contagiados por el virus de la ira.

Título: 28 semanas después (28 weeks later)
Dirección: Juan Carlos Fresnadillo.
País: Reino Unido.
Año: 2007.
Duración: 99 min.
Género: Acción, Terror, ciencia-ficción.
Interpretación: Robert Carlyle (Don), Rose Byrne (Scarlet), Jeremy Renner (Doyle), Harold Perrineau (Flynn), Catherine McCormack (Alice), Imogen Poots (Tammy), Idris Elba (general Stone), Mackintosh Muggleton (Andy).
Guión: Juan Carlos Fresnadillo, Enrique López Lavigne, Rowan Joffe y Jesús Olmo.
Producción: Andrew Macdonald, Allon Reich y Enrique López Lavigne.
Producción ejecutiva: Danny Boyle y Alex Garland.
Fotografía: Enrique Chediak.
Montaje: Chris Gill.
Diseño de producción: Mark Tildesley.
Vestuario: Jane Petrie.
Estreno en Reino Unido: 11 Mayo 2007.
Estreno en España: 29 Junio 2007.
Web: www.fox.es/
28semanasdespuessite

Aún recuerdo el fascinante arranque de 28 días después, con el protagonista Cillian Murphy, aturdido y en bata hospitalaria tras despertar de un coma, paseando por un Londres inhóspito y devastado. Era el prometedor arranque de un trabajo, a mi juicio, menos logrado en el resto de su metraje. Aquella cinta se situaba en plena expansión del virus de la ira por toda Gran Bretaña, y ya contenía ingredientes habituales del género zombie, como la conversión de nuestros seres queridos en caníbales a los que debemos matar para sobrevivirles y evitar ser uno más de ellos. Las dudas de nuestro subconsciente emotivo hacia nuestros seres queridos, rápidamente, sucumben a un agudizado instinto de supervivencia. Y es que en estas dicotomías tan extremas, casi siempre privilegiamos nuestro pellejo frente a cualquier otra flaqueza emocional.

En 28 semanas después nos ubicamos en un escenario distinto. La epidemia está controlada, tropas internacionales han tomado las calles de Londres y todos los enfermos de ira parecen haber muerto en su totalidad por inanición. Es el momento de la reconstrucción y del regreso de miles de refugiados para reencontrarse con los pocos supervivientes y compartir con ellos un nuevo comienzo. Pero toda precaución es poca a tenor del alto riesgo que supondría un rebrote de un virus de tan fácil y rápido contagio. Toda la ciudad está tomada por una coalición de tropas lideradas por el ejército norteamericano. Francotiradores apostados en las cornisas de los edificios, controles de acceso para acceder a los distintos anillos de seguridad y soldados en el transporte público conforman el paisaje con el que son recibidos los refugiados recién llegados. Todo parece controlado hasta que un hecho tan insólito como esperanzador cambiará el reinante clima de tensa calma: una mujer ha sido encontrada fuera de la zona segura y, pese a ser portadora del virus, no ha desarrollado la enfermedad. Su sangre podría contener la clave para hallar una vacuna.

Con estos elementos juega Fresnadillo para rodar un cinta adscrita a un género que, como se aprecia por el resultado de su trabajo, respeta escrupulosamente. De la rica ambientación y de espectaculares secuencias como la del helicóptero (principal guiño 'gore' del filme) se desprenden un mayor desembolso monetario para esta cinta producida al rebufo del éxito de su predecesora. Pero el director de esperanzador debut con la interesante Intacto consigue aterrorizar mejor cuando sugiere más y muestra menos, como en la claustrofóbica escena de los ciudadanos 'protegidos' en un búnker subterráneo convertido en letal ratonera. Y como es norma en las buenas cintas de este género, la metáfora propuesta por Fresnadillo es tan clarividente como aterradora. La apuntaba en su gran comentario en La Butaca Miguel A. Delgado (aka, Rosenrod, del blog Dioses y Monstruos) y, con su permiso, la tomo prestada. Nuestra parte más humana y emocional es tanto el clavo incandescente que puede salvarnos, como el peor de nuestros defectos capaz de conducirnos a la autodestrucción. Una paradoja que, como queda demostrado en el epílogo de la película, deja entrever un pesimista porvenir para nuestra especie.