Silencio, se rueda

El topo

2012-01-22T19:42:00.012+01:00

Mark Strong en una escena del filme.

Burócratas de los secretos

Syriana, El buen pastor, El espía o Caza a la espía comparten con El topo una visión del agente secreto alejada por completo de convenciones cinematográficas típicas de las propuestas más comerciales. Este tipo de profesionales son más valiosos por su capacidad para obtener información y relacionarla que por su destreza con un arma o sus dotes como conquistador. Porque el espía es más un analista que un héroe de acción, un extra tras los focos que un protagonista del primer plano. Estos relatos nos dan la oportunidad de acercarnos a sus vidas con mayor verosimilitud. Normalmente los veremos en prolijas investigaciones, en turbias situaciones de dudosa legalidad y, en caso de fallar, serán usados como peones prescindibles de un tablero manejado por otros.

La película de Tomas Alfredson, cuyo talento salió a relucir tras la magnífica Let the right one in, hereda el relato del ex espía y novelista John Le Carré. La novela Calderero, sastre, soldado, espía ya contó con una primera adaptación en 1979 en una miniserie de la BBC para TV. Aunque el personaje principal de este relato, el espía George Smiley, también ha servido de inspiración para obras como Llamada para un muerto, cinta del realizador norteamericano Sidney Lumet. En la versión de Alfredson se ofrece un relato minucioso, pausado, que no lento, y espléndidamente recreado sobre la investigación del espía retirado George Smiley en relación a la infiltración de un topo en la cúpula del MI6, la agencia británica de inteligencia.

La acción se enclava en plena Guerra Fría, período en el que el KGB y la CIA mantenían un pulso por disputarse secretos ajenos en una escalada de tensión armamentística entre los bloques occidental-capitalista y el oriental-comunista. Los británicos, tradicionales aliados de los norteamericanos, sospechan que un agente está pasando información a los rusos. Las sospechas de Control (John Hurt) se acrecientan tras una fallida misión en Budapest. Deja el liderazgo del Circus, dirección del MI6, acompañado por su fiel agente George Smiley (Gary Oldman). A la muerte de Control, Smiley retomará sus pesquisas desde el exterior de la agencia pero contando con la colaboración de agentes aún en activo.

Con una sobria dirección, un soberbio trabajo actoral de todo el reparto (a Oldman y Hurt les acompañan grandes intérpretes como Toby Jones, Ciarán Hinds o Colin Firth) y una cuidada ambientación, la cinta de Alfredson confirma al sueco como uno de los mejores realizadores europeos. Habrá quien espere más acción y velocidad en el relato, pero prefiero quedarme con la minuciosa disección psicológica de sus personajes o con su valor testimonial acerca del trabajo del espía, tan gris por su desempeño como relevante por la información sensible que maneja.

Título original: Tinker, tailor, soldier, spy. Dirección: Tomas Alfredson. Países: Reino Unido, Francia y Alemania. Año: 2011. Duración: 127 min. Género: Thriller. Interpretación: Gary Oldman (George Smiley), Colin Firth (Bill Haydon), Tom Hardy (Ricki Tarr), John Hurt (Control), Mark Strong (Jim Prideaux), Benedict Cumberbatch (Peter Guillam), Stephen Graham (Jerry Westerby), Ciarán Hinds (Roy Bland), Toby Jones (Percy Alleline), David Dencik (Toby Esterhase). Guion: Bridget O’Connor y Peter Straughan; basado en la novela homónima de John le Carré. Producción: Tim Bevan, Eric Fellner y Robyn Slovo. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Montaje: Dino Jonsäter. Diseño de producción: Maria Djurkovic. Vestuario: Jacqueline Durran. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en Reino Unido: 16 Septiembre 2011. Estreno en España: 23 Diciembre 2011. No recomendada para menores de 12 años. ::: VALORACIÓN (1/10): 8

El cine asiático y el cachondeo ‘gore’ copan la VIII Muestra Syfy

2011-03-26T04:02:00.009+01:00

De nuevo tuve la oportunidad de pasarme por Madrid para la muestra de cine fantástico y de terror auspiciada por el canal temático Syfy. Tras ocho años, este festival conserva un pujante tirón entre los adeptos al cine de género como lo evidenciaron las abarrotadas sesiones programas en los cines Palafox. En la inauguración se proyectó un correcto filme de entretenimiento para el lucimiento de Matt Damon: Destino oculto. A este guiño comercial le siguió uno de los platos más digestivos de la muestra en las últimas ediciones: la selección de cortometrajes llegados de la semana del cine de terror de Donostia. Este año brilló el talento nacional entre todos los cortos proyectados. En el apartado de largos, el cine asiático tuvo una amplia representación con cuatro propuestas provenientes de Corea, China y Japón. Me gustó la coreana I saw the Devil, relato sobre la cruel venganza del novio de una víctima de un asesino en serie —el actor de Old Boy y Sympathy for Lady Vengeance— al que le hará sufrir lo indecible a lo largo de un metraje de más de dos horas. En cuanto a las propuestas occidentales, la cinta más destacada fue Tucker and Dale versus Evil, una comedia que no da tregua al espectador en su muestrario de muertes accidentales y pintorescas. Como novedad de este año, en la madrugada del sábado asistimos al Trash entre amigos, una especie de cine-fórum paródico sobre un telefilme de bajo presupuesto. Raúl Minchinela, El Sr. Ausente, Rubén Lardín y Nacho Vigalondo amenizaron el cotarro comentando la última peli de David Carradine, una producción de bajo presupuesto de Roger Corman con lagartos gigantes como protagonistas y una factura y guión deleznables. Para quienes queráis profundizar sobre la muestra, aquí os dejo el link al habitual reportaje que solemos hacer, en el elojocritico.net, sobre esta cita cinéfila. Además, en este año hemos estrenado también el podcast de la web para la ocasión, por lo que también podréis escuchar los dos programas que le dedicamos al evento.

PODCASTS DE ELOJOCRITICO.NET SOBRE LA VIII MUESTRA SYFY

PODCAST Nº 2: Resumen de la muestra

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PODCAST Nº 1: Jornada inaugural y análisis de la programación de la muestra

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Origen

2010-08-08T16:11:00.115+02:00

DiCaprio y Marion Cotillard en una escena del filme.

Nolan parafrasea a Calderón

“(…) ¿Qué es la vida? Una ilusión, una sombra, una ficción, y el mayor bien es pequeño: que toda la vida es sueño, y los sueños, sueños son”.
Soliloquio de Segismundo en La vida es sueño (Pedro Calderón de la Barca)

La ambivalente condición de disfrute y sufrimiento de los sueños los convierten en experiencias tan codiciadas como repudiadas. Pueden ser un plácido lugar acolchado para la mente o un ingrato páramo propicio para lo peor de nuestro subconsciente. También el cine nos los ha mostrado como un peligroso espacio donde un tipo con la cara quemada, jersey a rayas y una manopla con cuchillos nos puede aniquilar; por cierto, el último ‘remake’ de Pesadilla en Elm Street me resultó irrelevante. En el caso de Origen, Christopher Nolan utiliza el mundo de lo onírico como soporte de un thriller tan inteligente como audaz. El director y guionista inglés vuelve a tejer una historia de muñecas rusas al estilo de su excelente Memento dotándola de la potencia audiovisual de su magnífica El caballero oscuro. Y el resultado es tan convincente que mi reflexión inmediata es clara: los grandes estudios precisan del talento de gente como Nolan. Porque su contribución es clave para conmover, entretener y hacer pensar al espectador con nuevas historias. Lo del 3D y tecnologías aledañas no dejan de ser meros subterfugios para enmascarar el raquitismo creativo de algunas productoras.

Origen supone la reconciliación del ‘mainstream’ con el cine de calidad. Y si lo pienso bien, salvo los casos del propio Nolan o el de Zack Snyder, pocos directores han logrado tal maridaje con éxito en los últimos tiempos; antes solía ser Spielberg quien ejercía ese papel.

La película se basa en la idea de que los sueños son espacios recreables y manipulables. Un grupo especializado en ello vive del espionaje industrial a grandes magnates de los que obtienen información secreta para su posterior venta. El personaje de DiCaprio (Cobb) dirige uno de estos grupos desde hace tiempo. En un trabajo del pasado, él y su pareja (Marion Cotillard) sufrieron dramáticas consecuencias tras despertar de un largo y adictivo sueño. Con el lastre emocional de aquella tragedia sigue adelante Cobb con la única meta de poder volver junto a sus hijos: “El mayor bien es pequeño”, que diría Calderón. Un último trabajo le permitiría borrar sus antecedentes criminales y regresar a EE UU al lado de ellos.

Pese a tratarse de una cinta de entretenimiento, Origen no se sustrae a reflexionar sobre cómo las personas nos refugiamos en sueños ante la ingratitud de una realidad que nos resulta escasa y ramplona. Quizá despreciando pequeños aspectos de la vida cotidiana que la hacen merecer la pena pese a todo. En esa encrucijada es donde sitúa Nolan a Cobb, enfrentándolo a sus contradicciones a través de la voz de la conciencia ejercida por el abuelo de los niños (Michael Caine). ¿Soñar despierto o soñar dormido? Ahí radica la elección.

Título original: Inception. Dirección y guión: Christopher Nolan. Países: Reino Unido. Año: 2010. Duración: 150 min. Género: Acción, ciencia-ficción, thriller. Interpretación: Leonardo DiCaprio (Cobb), Ken Watanabe (Saito), Joseph Gordon-Levitt (Arthur), Marion Cotillard (Mal), Ellen Page (Ariadne), Tom Hardy (Eames), Cillian Murphy (Robert Fischer), Tom Berenger (Browning), Michael Caine (Miles), Lukas Haas (Nash), Pete Postlethwaite (Maurice), Dileep Rao (Yusuf). Producción: Christopher Nolan y Emma Thomas. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Wally Pfister. Montaje: Lee Smith. Diseño de producción: Guy Hendrix Dyas. Vestuario: Jeffrey Kurland. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en Reino Unido: 16 Julio 2010. Estreno en España: 6 Agosto 2010. No recomendada para menores de 12 años. ::: VALORACIÓN (1/10): 9

Itinerario por la VII Muestra SyFy de Cine Fantástico

2010-05-26T02:11:00.008+02:00

La muestra madrileña de cine fantástico impulsada por el canal temático SyFy volvió a demostrar, en su séptima edición, un buen criterio para adelantar a su fiel público interesantes cintas en los géneros de terror, fantástico y animación. Volvieron a abarrotarse la mayoría de sesiones proyectadas en los cines Palafox y, nuevamente, la actriz Leticia Dolera ofició de anfitriona. La intérprete aprovechó la cita para dar a conocer su debut como directora, Lo Siento, Te Quiero, una grata sorpresa en un capítulo cortometrajista que volvió a destacar por la acertada selección llegada de San Sebastián. The Crazies, una libre adaptación del homónimo filme de George A. Romero del 73, abrió la muestra el jueves en la sesión inaugural y la clausuró el domingo Cold Souls, una de las propuestas más originales de la cita madrileña.

Sirvan lo siguientes comentarios de itinerario por algunas de las cintas exhibidas en la VII Muestra de Cine Fantástico SyFy... [LEER +]

Teniente corrupto

2010-01-12T01:16:00.062+01:00

Mejor poli cuanto más corrupto []

En la galería de personajes de ficción construidos sobre ciertos lugares comunes, el policía corrupto ha protagonizado no pocos relatos. Suele ser un tipo duro, de aquilatada experiencia callejera y con métodos expeditivos y heterodoxos en la aplicación de la ley. Seres violentos y alcohólicos (Nick Nolte en Q&A), urdidores de lucrativos negocios tirando de placa (Richard Gere en Asuntos sucios), sheriffs cuyos ascensos se sustentan en métodos propios del salvaje oeste (el tándem Kurt Russell-Brendan Gleeson en Dark Blue) o agentes practicantes de una fisiocracia policial con delincuentes que les llenan el bolsillo y conservan un precario equilibrio en las calles (Michael Chiklis en la serie The Shield o Denzel Washington en Training Day). En algunos relatos también son presentados como seres autodestructivos enganchados a cuantos vicios pueblan su hábitat, desde drogas y prostitución hasta robos y apuestas (como esta Teniente corrupto, de Herzog, o la cinta que inspira a ésta, la de Ferrara protagonizada por Keitel).

Título original: Bad lieutenant: Port of call New Orleans.
Dirección: Werner Herzog.
País: USA.
Año: 2009.
Duración: 110 min.
Género: Drama, policiaco, Thriller.
Interpretación: Nicolas Cage (Terence McDonagh), Eva Mendes (Frankie), Val Kilmer (Stevie Pruit), Jennifer Coolidge (Genevieve), Xzibit (Big Fate), Fairuza Balk (Heidi), Brad Dourif (Ned), Michael Shannon (Mundt), Shawn Hatosy (Armand).
Guión: William Finkelstein; basado en el guión de Victor Argo, Paul Calderon, Abel Ferrara y Zoë Lund para la película “Bad lieutenant” (1992).
Producción: Alan Polsky, Gaby Polsky, Stephen Belafonte y Randall Emmett.
Música: Mark Isham.
Fotografía: Peter Zeitlinger.
Montaje: Joe Bini.
Diseño de producción: Tony Corbett.
Vestuario: Jill Newell.
Distribuidoras: Wide Pictures y Aurum.
Estreno en USA: 20 Noviembre 2009.
Estreno en España: 8 Enero 2010.
www.widepictures.es
/tenientecorrupto/.

Todos estos personajes alejados de la más mínima ejemplaridad policial son, en cambio, agentes con olfato, hábiles rastreadores de pistas y, probablemente, los más indicados para resolver los crímenes más difíciles o atrapar a los peores delincuentes. Es lógico, ya que no disciernen entre su vida y el trabajo. Deambulan en sus coches de un lado a otro, sin horario, visitan a diario los peores tugurios y departen cotidianamente con los trapichas de la zona. Como consecuencia, su vida familiar es inexistente o un reducto del pasado al que acuden de visita de cuando en cuando.

Herzog ha recurrido a algunos de estos rasgos para su libre reinterpretación del personaje creado por Abel Ferrara. Pero la propuesta del realizador alemán carece del simbolismo católico de la dirigida por el neoyorquino. El teniente encarnado aquí por un Nicolas Cage más entonado que en pobres trabajos recientes es un yonqui y un ludópata de las apuestas deportivas, al igual que la versión de Keitel, pero su caracterización es menos extrema y lúgubre. Y en general, el tono de la película del director de Grizzly Man es menos oscuro y trascendente respecto a la fuente original. Pero el filme funciona como irónico envés cuasi cómico, dado su paródico final feliz, de esta historia sobre la autodestrucción de un servidor de la ley con una doble vida en la que cohabitan una larga hoja de servicios con un largo expediente delictivo.

Aunque lo que más me llama la atención de estas cintas, y de referentes similares, sea su visión de los policías como profesionales más eficaces cuanto mejor conocen los charcos que pisan pese a que éstos, a veces, les salpiquen más de lo debido. Parece el peaje a pagar por tanto descenso al infierno.

Especial sobre la VI Muestra Sci Fi de Cine Fantástico

2009-03-28T21:14:00.010+01:00

Este año también he tenido la oportunidad de pasarme por Madrid para disfrutar de la muestra de cine fantástico organizada por el canal Sci Fi. Como de costumbre, el buen criterio en una selección de películas orientada a los géneros de terror, animación, ciencia ficción o thriller aseguró dosis de disfrute cinematográfico a los presentes en cada una de las sesiones. De lo exhibido me vuelvo a quedar con una cinta ya vista en el pasado festival de Sitges: Déjame entrar (Let the right one in), verdadera joya que pivota sobre el prolífico asunto vampírico desde un punto de vista poco habitual. No sé si llegará a estrenarse en nuestras salas comerciales, pero a quienes amen el buen cine les merecerá la pena escudriñar por Internet o en tiendas de DVD para dar con ella. En elojocritico.net, la revista digital que dirijo, hemos escrito un especial hablando de algunas de las películas vistas. Si queréis saber más de este festival y de sus pelis, pinchad aquí.
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[+] Sitges 2008: magnífico el sueco Alfredson; terrorífico el inglés Watkins; no defrauda el brasileño Meirelles

Watchmen

2009-03-06T11:20:00.018+01:00

Deuda saldada

Puede que a Snyder le falte algo de arrojo para distanciarse del material original heredado, pero pocos reparos se le pueden poner como aplicado alumno que recita casi sin tacha la magistral lección del genio Moore. El cine ha saldado su deuda con Watchmen.En las bidimensionales historias de superhéroes hubo un punto de inflexión, un antes y un después, tras la publicación hacia mediados de los ochenta del cómic escrito por Alan Moore e ilustrado por Dave Gibbons. Salvo alguna casual coincidencia estética en los trajes de sus personajes, Watchmen no contaban con herencia argumental alguna respecto a las populares historietas de Lee, Kirby o Buscema sobre las que se erigió el emporio de la Marvel (Spiderman, Iron Man, Hulk, etc.). Era lógico. El autor de V de Vendetta, Miracleman o From Hell iba siempre un paso por delante. Su genialidad y transgresión le convertirían en un autor inclasificable, de ideas al margen de toda corrección política y, con el tiempo, en torno a él se cimentarían esa imagen actual suya de ermitaño inaccesible.

Dirección: Zack Snyder.
País: USA.
Año: 2009.
Duración: 163 min.
Género: Acción, fantástico, ciencia-ficción.
Interpretación: Malin Akerman (Laurie Jupiter/Espectro de Seda II), Billy Crudup (Jon Osterman/Dr. Manhattan), Matthew Goode (Adrian Veidt/Ozymandias), Carla Gugino (Sally Jupiter/Espectro de Seda), Jackie Earle Haley (Walter Kovacs/Rorschach), Jeffrey Dean Morgan (Edward Blake/El Comediante), Patrick Wilson (Dan Dreiberg/Búho Nocturno II).
Guión: David Hayter y Alex Tse; basado en la novela gráfica de Alan Moore e ilustrada por Dave Gibbons.
Producción: Lawrence Gordon, Lloyd Levin y Deborah Snyder.
Música: Tyler Bates.
Fotografía: Larry Fong.
Montaje: William Hoy.
Diseño de producción: Alex McDowell.
Vestuario: Michael Wilkinson.
Estreno en USA: 6 Marzo 2009.
Estreno en España: 6 Marzo 2009.
Web: www.watchmen-lapelicula.com

En sintonía con esta imagen suya de sabio al margen del mundanal ruido, Moore se ha ido desvinculando de cuantas adaptaciones cinematográficas se vienen haciendo de su obra. Algunas de sus reticencias las basa en la imposibilidad de una correcta traslación entre formatos, aunque quizá sus recelos vengan también motivados por lamentables adaptaciones como la de La liga de los hombres extraordinarios (2003, Stephen Norrington). O al uso de su nombre para bendecir V de Vendetta (2005, James McTeigue / hermanos Wachowski) como reclamo comercial previo al estreno del filme. En Watchmen, un proyecto de trayectoria errante por infinidad de estudios hasta su actual materialización cinematográfica, Moore ha seguido con su deriva de desmarque. No así Gibbons, quien ha sido consultado durante la producción y justamente reconocido en los créditos del filme.

No obstante, con o sin la aprobación de su creador, Watchmen ya tiene su versión fílmica por obra y gracia del jovez director Zach Snyder, cuyo precoz talento viene avalado por magníficas revisiones/adaptaciones de aclamadas obras como El amanacer de los muertos (remake de la cinta del maestro de los zombies Romero) o 300 (adaptación del tebeo del genial viñetista Miller). Y justamente su éxito con esta última cinta, de estética rompedora y argumento distante a adaptaciones de cómic coétaneas, ha sido la llave que le ha permitido acceder a la esquiva financiación de un proyecto abortado en varias tentativas previas.

Y el resultado no defradudará ni a profanos ni a incondicionales de la obra original, aunque los más puntillosos echen en falta alguna subtrama (habrá una versión extendida en DVD de tres horas y media) o la modificación de algún detalle final. La fuerza gráfica de las viñetas permace intacta y adquiere una nueva dimensión plástica gracias al poder del lenguaje audiovisual. Snyder, al igual que con 300, no sólo adapta, sino que traslada el universo del cómic al formato cine. El aspecto formal de Watchmen epata y vuelve a erigir a Snyder como uno de los directores con mayor agudeza visutal del cine contemporáneo.

Argumentalmene es digno de aplauso el esfuerzo de sintetización y ordenación narrativa llevado a cabo con una obra tan basta y compleja como Watchmen. La cinta sigue el hilo conductor de una trama principal propia de un thriller: el asesinato de El Comediante, un antiguo miembro de un grupo de héroes jubilados, pondrá a un compañero de éste, Rorschach, a indagar el origen de su crimen y el perpetrado con otros enmascarados ahora inactivos. Y aborda a partir de ahí, a medida que el relato de la investigación avanza, la intrahistoria de estos atípicos héroes sin superpoderes y unidos en su lucha contra el crimen ataviados de antifaz y leotardos. Todo ello contextualizado en una ucronía en la que Nixon es aún presidente de EE.UU. en 1985 tras ganar la guerra de Vietnam y el choque entre americanos y rusos está a un palmo de derivar en una guerra nuclear que conduzca a la autodestrucción planetaria.

Puede que a Snyder le falte algo de arrojo para distanciarse del material original heredado, pero pocos reparos se le pueden poner como aplicado alumno que recita casi sin tacha la magistral lección del genio Moore. El cine ha saldado su deuda con Watchmen.

OTRAS OPINIONES...
Jordi Costa (El País): «La película puede resultar áspera, excesiva y casi indescifrable por puro exceso de información a quien no haya leído el original, pero parece meticulosamente diseñada para no soliviantar a los incondicionales».

LQYTD recomienda: El exorcista

2009-02-03T03:07:00.008+01:00

El excelente programa de cine de la SER, producido por el equipo de Lo Que Yo Te Diga, ha inaugurado una serie de reportajes que prologarán cincuenta cintas imprescindibles emitidas por el canal de cine TCM. Comenzaron por Tiburón, de Spielberg, continuaron con este reportaje sobre El exorcista y esta semana han seguido con la mítica cinta de Ford Centauros del desierto. Con el estilo ameno que les caracteriza y un afán didáctico ajeno al dogmatismo, este espacio radiofónico detalla algunos de los pormenores que rodearon al extraño rodaje de la cinta de Friedkin, el impacto que ésta causó a nivel planetario el año de su estreno a comienzos de los setenta y su indeleble rastro como fuente de inspiración de futuros filmes de un género tradicionalmente relegado a peldaños artísticos inferiores. Espero que os guste el reportaje.

Why so serious?

2009-01-11T01:42:00.011+01:00

Siempre me quedará una duda tras la prematura muerte de Heath Ledger. ¿Hasta dónde podría haber llegado este joven intérprete de prometedor futuro?; ¿el próximo Brando?, ¿cogería él, junto a otros talentosos compañeros de generación, el relevo de iconos como Pacino o De Niro? Estas dudas se hacen aún mas pertinentes si se repasa el soberbio último trabajo del malogrado actor australiano. Me impresionó en la pantalla grande y, en una segunda revisión a la magnífica cinta de Nolan, he podido apreciar muchos otros detalles de su exhaustiva composición del Joker. De hecho, y aunque The Dark Night ofrece por sí misma sólidos argumentos de excelente película, su grandeza no habría sido tal sin la arrolladora presencia de Ledger. Ser el Joker, uno de los villanos comiqueros más emblemáticos, supuso para Ledger un gran reto tras el espléndido precedente sentado por Nicholson. Pero Ledger no tomó a éste como referente. Las películas de Burton y Nolan adaptan historietas distintas, y sus estilo y estética separan mucho a una cinta de la otra. El Joker de Ledger aterra más, parece más despiadado y su impresivible maldad no precisa de justificación vengativa como el de Nicholson. Disfruta sembrando el caos, pero no se nos explica su motivación. Si acaso sólo una: la de demostrar que todos escondemos un lado oscuro capaz de aflorar cuando se pulsan las teclas adecuadas.

A Batman/Bale casi lo logra despeñar por la deriva del mal en la excelente secuencia del interrogatorio. El que no lo logre, y el que Batman se autoinmole para dejar limpio el nombre del fiscal Harvey Dent, constituirá el acto más heroico del protagonista.

El intercambio

2009-01-04T02:30:00.015+01:00

Directo, sin alardes, honesto

Su poder narrativo dimana de un estilo ya identificable con el de uno de los más valiosos directores del cine norteamericano de la última décadaMystic River comienza narrando el origen de los traumas del personaje de Tim Robbins, raptado de niño cuando jugaba en el barrio. En El intercambio, partiendo de un suceso real ocurrido en Los Ángeles en 1928, Eastwood vuelve a adentrarse en un escalofriante relato con niños como víctimas. Y lo hace con una narrativa concisa, describiendo sus personajes al margen del tópico y sin trampear la trama en haras de la sensiblería efectista. Pareciera como si su economía de gestos como interpréte la hubiera sabido traducir en una realización sobria, clásica la llaman algunos, en la que todas sus decisiones están al servicio del filme, desde la elección del reparto hasta la fotografía o la música que el propio Eastwood compone para 'acunar' las imágenes.

Título: El intercambio (Changeling)
Dirección: Clint Eastwood.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 141 min.
Género: Drama.
Interpretación: Angelina Jolie (Christine Collins), John Malkovich (reverendo Gustav Briegleb), Jeffrey Donovan (capitán J.J. Jones), Jason Butler Harner (Gordon Northcott), Amy Ryan (Carol Dexter), Colm Feore (James Davis), Michael Kelly (Lester Ybarra), Geoff Pierson (S.S. Hahn), Denis O'Hare (Dr. Jonathan Steel), Eddie Alderson (Sanford Clark), Gattlin Griffith (Walter Collins).
Guión: J. Michael Straczynski.
Producción: Clint Eastwood, Brian Grazer, Ron Howard y Rob Lorenz.
Música: Clint Eastwood.
Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox.
Diseño de producción: James Murakami.
Vestuario: Deborah Hopper.
Estreno en USA: 31 Octubre 2008.
Estreno en España: 19 Diciembre 2008.
Web oficial: www.elintercambio.es

Pero, bajo su pátina de ritmo sereno, El intercambio ofrece una sobrecogedora historia cuya aterradora y verdadera faz se muestra conforme caen sus espeluznantes capas. Todo da comienzo en una tranquila mañana de sábado. Christine Collins (Angelina Jolie), madre soltera, ha de dejar solo en casa a su hijo Walter durante unas horas para acudir al trabajo. A su regreso, su preocupación por la ausencia de éste se tornará en angustia a media que pasan las horas. A partir de aquí dará comienzo un triple relato interrelacionado: el de una encoraginada madre que, respaldada por un reverendo (John Malkovich) eregido en el azote de la corrupción policial, no cejará en su lucha porque continúe la búsqueda de su hijo; el de un indignante enjuague orquestado para lavar la mala prensa de la corrompida policía angelina; y el de un escabroso caso de asesino en serie.

Con la maestría ya exhibida en sus últimos filmes, el otrora impávido forajido de los westerns de Leone vuelve a rubricar una película rayana con la perfección artística. Nada desentona en esta película, lo estridente no tiene cabida en ella y su poder narrativo dimana de un estilo ya identificable con el de uno de los más valiosos directores del cine norteamericano de la última década.

[+] Crítica de Banderas de nuestros padres
[+] Crítica de Million Dollar Baby

OTRAS OPINIONES...
José C., de Cine: "Eastwood puede presumir de no usar ninguna trampa para contar los hechos, tampoco acude a los énfasis, a las megafonías, a jugar con la información. Si en algún momento suena su voz, detrás de la tensión desquiciante, suena parecida a un lamento, a una tristeza infinita, casi poética".

Ultimátum a la Tierra

2008-12-20T10:00:00.005+01:00

Piedad alienígena

A Robert Wise le preocupaban nuestros devaneos con las bombas nucleares como posibilidad de exterminio terráqueo cuando rodó en los cincuenta la película ahora 'remasterizada' por Scott Derrickson. En cambio, este joven curtido en el género de terror (El exorcismo de Emily Rose, Hellraiser: Inferno) ha actualizado la premisa devastadora encaminándola por el asunto del cambio climático apadrinado por Gore. Pero ambos coinciden en que sea un marciano con aspecto humano quien nos lea la lección y, con aires de redentor, venga a darnos una segunda oportunidad.

Título: Ultimátum a la Tierra (The day the Earth stood still)
Dirección: Scott Derrickson.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 103 min.
Género: Drama, ciencia-ficción.
Interpretación: Keanu Reeves (Klaatu), Jennifer Connelly (Dra. Helen Benson), Jon Hamm (Michael Granier), John Cleese (profesor Barnhardt), Jaden Smith (Jacob Benson), Kathy Bates (Regina Jackson).
Guión: David Scarpa; basado en el guión de Edmund H. North para la película "Ultimátum a la Tierra" (1951), dirigida por Robert Wise.
Producción: Gregory Goodman, Paul Harris Boardman y Erwin Stoff.
Música: Tyler Bates.
Fotografía: David Tattersall.
Montaje: Wayne Wahrman.
Diseño de producción: David Brisbin.
Vestuario: Tish Monaghan.
Estreno en USA: 12 Diciembre 2008.
Estreno en España: 12 Diciembre 2008.
Web: www.ultimatumalatierra.es

El argumento, con innegable tufillo a catecismo cristiano, podría haber dado para mucho más de no ser por su mediocre, previsible y moralizante discurrir. El hierático marciano Klaatu, al que da vida un apropiado Keanu Reeves por su inexpresividad, viene resuelto a aplicar un plan de salvación de la Tierra que implica el exterminio de la raza humana, principal responsable de haber puesto nuestro planeta a un palmo del abismo. Primero pide parlamentar con los principales líderes políticos mundiales en la ONU. Pero no tiene ocasión porque aquí, cual paletos aterrados, recibimos a nuestra primera visita extraterrestre a cañonazos. Mal empezamos, si se trata de convencer al forastero marciano de que no somos para nuestro planeta como termitas para la madera.

Pero el argumento resulta tan sucinto que el personaje de Klaatu tan pronto es descrito como un representante de diversas civilizaciones llegado con una inamovible misión de destrucción o, según avance el guión, como un soberano plenipotenciario capaz de tomar por sí mismo la decisión de si indultarnos o erradicarnos. La decisión penderá de si este frío aunque empático marciano halle rasgos de nuestra propia humanidad que valgan la pena. Los tópicos se acumularán en este tramo y cerrarán la película con una trillada moraleja. No me convence. Prefiero la simpatía del menudo E.T. o las despiadadas relaciones que el cine nos ha deparado con otros alienígenas como aliens o predators.

Appaloosa

2008-12-08T16:30:00.004+01:00

Machos alfa

Sea villano o justiciero, el pistolero es un hombre temido u odiado, pero también envidiado por su determinación para coger cuanto se le antoja (dinero, mujeres...) por la fuerza y sin reparar en escrúpulos moralesLo den por muerto, caduco o carente de interés contemporáneo, el 'western' siempre termina por reaparecer. Se podrá discutir si su mayor gloria en pantalla grande pasó o no, pero no que el género sigue interesando al público y, en consecuencia, también a las productoras. El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, el 'remake' de El tren de las 3:10 o esta Appaloosa confirman este renacido interés por las historias del salvaje oeste. La cinta dirigida, escrita y protagonizada por Ed Harris es su segundo trabajo como realizador tras el 'biopic' Pollock. De historia más liviana que aquélla, la película recupera roles típicamente 'westerianos' como el del violento líder de una banda de forajidos o el de su antagonista habitual, el cazarecompesas errante poseedor de un simpar dominio del revólver.

Título: Appaloosa
Dirección: Ed Harris.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 114 min.
Género: Western.
Interpretación: Ed Harris (Virgil Cole), Viggo Mortensen (Everett Hitch), Renée Zellweger (Allison French), Jeremy Irons (Randall Bragg), Timothy Spall (Phil Olson), Lance Henriksen (Ring Shelton), Tom Bower (Abner Raines), James Gammon (Earl May), Ariadna Gil (Katie).
Guión: Ed Harris y Robert Knott; basado en la novela de Robert B. Parker.
Producción: Ed Harris, Robert Knott y Ginger Sledge.
Música: Jeff Beal.
Fotografía: Dean Semler.
Montaje: Kathryn Himoff.
Diseño de producción: Waldemar Kalinowski.
Vestuario: David Robinson.
Estreno en USA: 3 Octubre 2008.
Estreno en España: 21 Noviembre 2008.
Web oficial

Me llama la atención que ambos personajes resulten tan fascinantes para los ciudadanos o granjeros que les secundan en sus historias. Porque, sea villano o justiciero, el pistolero es un hombre temido u odiado, pero también envidiado por su determinación para coger cuanto se le antoja (dinero, mujeres...) por la fuerza y sin reparar en escrúpulos morales. Es el protagonista de los libros de aventuras de los niños y sus andanzas ocupan los grandes titulares de prensa. El cronista, como W.W. Beauchamp en Sin Perdón, sabe que las historias de estos personajes enganchan y les siguen para relatar minuciosamente cada uno de sus duelos y atracos. El cine también.

Appaloosa es el nombre de un pueblo próximo a Nuevo México saqueado y atemorizado por la banda de Randall Bragg (Jeremy Irons). El asesinato a sangre fría a manos de éste del sheriff local llevará hasta ese páramo al oficial federal Virgil Cole (Ed Harris) y a su asistente y socio Everett Hitch (Viggo Mortensen). Los dos llevan chapa, pero sus expeditivos métodos de imponer justicia distan mucho de la ortodoxia propia de un agente de la ley. A ambos les precede su fama de implacables pistoleros y los líderes locales, ante su desesperada situación, les darán plenos poderes para imponer orden. La llegada al municipio de la bella viuda Allison French (Renée Zellweger), sin embargo, le dará un matiz distinto a esta historia que, hasta ese punto, discurría por la convencionalidad de un enfrentamiento entre el delincuente y el cazarecompensas.

La mujer, consciente de su atractivo, se dejará querer por quien parece ser el macho alfa en Appaloosa cuando se instala allí. Y en ese instante es Virgil Cole. Ha impuesto la ley y ha puesto cerco a la banda de Bragg. Pero el ensimismamiento de Cole por la viuda hará peligrar la amistad entre éste y Hitch, símil a la de un caballero y un fiel escudero. Hitch, además de dominar su rifle, es la voz de la sensatez y quien da a Cole las palabras precisas para terminar sus frases. Y le recordará la condición de ambos de agentes y su obligación de llevar ante la justicia a Bragg por el asesinato del sheriff de Appaloosa. La caza dará comienzo y, durante la misma, el papel de la viuda French equivaldrá al de un trofeo por el que duros pistoleros se enzarzarán en una competición por ver quién mea más lejos.

Entretenida y bien interpretada, la cinta se sigue con interés pese a discurrir por senderos ya conocidos. No es magistral, pero sí amena. Mortensen y Harris aportan calidad con su presencia, Irons convence como malo de la función y, en su breve papel, Ariadna Gil ejerce de contrapunto femenino al dependiente personaje de Zellweger. Lo dicho, que el western sigue muy vivo.

Cruise, mejor cuanto menos ‘zarpa’ meta en sus películas

2008-11-10T23:40:00.014+01:00

Llevaba tiempo con esta idea rondándome la cabeza, y Tropic Thunder me la refrescó recientemente. No sé exactamente por qué, pero creo ver la mejor versión del Tom Cruise (Siracusa, NY, 1962) actor cuanto menos se insmicuye en el filme en que actúa. En la comedia de Stiller, el 'chico de oro' borda su personaje de egolátra y déspota ejecutivo del cine y aporta los momentos más desternillantes a esta sátira sobre las miserias del star-system; su baile de 'sobrao' está haciendo verdadero furor por la Red. También me gustó su papel de halcón republicano en la panfletaria cinta de Redford acerca del discutible papel internacional de la potencia americana. Aterroriza su personaje de aspecto y modales aseados cuando expone serenamente sus belicosas ideas. Me encantó como asesino disertador de moralistas discursos en su paseo nocturno junto a Jamie Foxx en Collateral. Y en Magnolia también rubrica uno de sus mejores trabajos como motivador sexual para aspirantes a sementales. En cambio, cuando se geto aparece impregnando cada fotograma del fime (El último Samurai o las últimas Mision Imposible), me cansa, aburre y decepciona. En fin, ya digo que es una extraña idea que tengo.

+/- Ver una de sus escenas ya míticas:

Camino

2008-10-29T23:29:00.031+01:00

Mercaderes de santos

El director de 'El milagro de P. Tinto' ha cuajado una gran película, y le ha echado arrestos para censurar a esta poderosa secta bendecida por el VaticanoUn somero vistazo a Internet me sirve para constatar algo que imaginaba. El Opus Dei ha echado a andar su maquinaria habitual para desacreditar la película de Fesser. Dicen que el retrato que da de la obra es tergiversado y manipulado. Resulta gracioso que ellos, los más arteros manipuladores que he conocido en mi vida, acusen de su actividad cotidiana a un director de cine que se ha documentado bastante bien para ofrecer un retrato cabal de esta peligrosa secta.

Porque, en Camino, el Opus no es retratado con esa imagen chillona y grotesta del monje psicópata-flagelante de El Código Da Vinci. Más bien destapa sus melifluos métodos de centrifugado cerebral y de control carcelario sobre sus miembros, a los que robotiza hasta reducir a autómatas, y pone al descubierto su machismo medieval o su moral represiva. Pero el tercer largometraje de Fesser no es un relato tipo el Opus al descubierto, pues ése no su propósito. Es una cinta inspirada en el caso de Alexia González-Barros, una niña madrileña criada en el seno de una familia vinculada al Opus Dei que murió a los 14 años tras sufrir lo indecible a consecuencia de un tumor cerebral.

Título: Camino
Dirección y guión: Javier Fesser.
País: España.
Año: 2008.
Duración: 143 min.
Género: Drama.
Interpretación: Nerea Camacho (Camino), Carmen Elías (Gloria), Mariano Venancio (José), Manuela Vellés (Nuria), Ana Gracia (Inés), Lola Casamayor (tía Marita), Lucas Manzano (Cuco), Pepe Ocio (don Miguel Ángel), Claudia Ortero (Begoña), Jordi Dauder (don Luis), Emilio Gavira (Mr. Meebles), Miriam Raya (Elena).
Producción: Luis Manso y Jaume Roures.
Música: Rafa Arnau y Mario Gosálvez.
Fotografía: Alex Catalán.
Montaje: Javier Fesser.
Dirección artística: César Macarrón.
Vestuario: Tatiana Hernández.
Estreno en España: 17 Octubre 2008.
Web oficial

Se ajuste más o menos el relato de la película a los hechos sobre los que se inspira (familiares de la niña se ha desvinculado por completo del filme), sí puedo afirmar, por propia experiencia, que el retrato ofrecido de la obra de Escrivá y alrededores es de sobra fidedigno. Sólo por eso, como válido testimonio sobre los usos y costumbres de estas gentes de malísima fe, recomendaría el visionado del filme. Pero éste también ofrece otras muchas virtudes. Fesser elabora en Camino (nombre propio del personaje de la niña que remite al libro de máximas escrito por el fundador Escrivá de Balaguer), un doble discurso en clara contraposición el uno del otro. Así, por un lado está la ingenuidad de una niña alegre y vitalista que se enamora por vez primera y, por otro, el oscurantismo de unos adultos que usarán la penosa enfermedad de aquélla para erigirir su codiciado primer santo.

Del filme, me parecieron repetitivas las ensoñaciones/pesadillas de la niña cuando está postrada en la cama. Y me entusiasmó el trabajo interpretativo de Nerea Camacho como Camino, o el de Mariano Venancio como padre. También está espléndida Carmen Elías en el difícil papel de madre de Camino. Vi excesivamente gráficas, y gratuitas, las secuencias de quirófano, aunque puede que necesarias para hacerse a la idea del calvario padecido por la niña. Pero, en general, Fesser mantiene un buen ritmo narrativo, logra la empatía del espectador con esta triste historia de cenicienta sin príncipe y genera estupor por la indigna utilización del dolor ajeno. El director de El milagro de P. Tinto ha cuajado una gran película, y le ha echado arrestos para censurar a esta poderosa secta bendecida por el Vaticano. Chapéu, y gracias.

OTRAS OPINIONES...
Carlos Boyero: "(...) El director ha conseguido hacerme pasar dos horas infernales, que desvíe la mirada de la pantalla, que pasado el tiempo mantenga en la retina y en el oído la cara y la voz de esa niña, el estupor y el asco hacia la secta de modales suaves, dialéctica meliflua, consignas implacables y fines salvajemente primitivos que la utilizan como sacrificio religioso".

Reportaje en LoQueYoTeDiga (link)

Sitges 2008: magnífico el sueco Alfredson; terrorífico el inglés Watkins; no defrauda el brasileño Meirelles

2008-10-19T02:58:00.042+02:00

Si tuviera que elegir de entre todo lo que pude ver durante mi estancia en Sitges (últimos semana del festival, a razón de dos películas por día), los trabajos de estos tres directores ocuparían mi particular podio. Incluiría en otro meritorio puesto a Red, una filme con estética y sinopsis de telefilme que se hace grande gracias a un soberbio Brian Cox, e incluso a The Burrowers, un cruce entre western y cine de monstruos que funciona cuanto más se remite al primer subgénero que al segundo. Y si tuviera que adjudicar un premio fuera de concurso a la propuesta más ingeniosa o con más chispa, el francés Mabrouk El Mechri tendría todas las papeletas por la entrañable gamberrada JCVD, un relato que funciona como envés, cómico a vecés, patético-dramático otras, de la vida de una estrella de acción gastada y perdida por los estantes de los videoclubs como Jean-Claude Van Damme.

De lo visto en la sección oriental, y dado que ni me reconozco fanático ni entendido en el manga, la adaptación cinematográfica del cómic nipón 20th Century Boys me pareció como una alambicada versión oriental de la serie de TV Héroes; el remake que el director japonés Shinji Higuchi hace de La fortaleza escondida, filme de Kurosawa que inspiró a Lucas para su saga galáctica, una entretenida peli épica de samurais; y de los cortos de animación proyectadas conjuntamente bajo el título de Genius Party, me gustaron casi todos salvo dos que parecían paridos por un tipo bastante perjudicado por el consumo de sustancias de dudosa procedencia.

Pero entremos en harina...

Enésima vuelta de tuerca a los relatos vampíricos
Oskar vive solo con su madre divorciada y, de cuando en cuando, visita a su padre los fines de semana. Es el típico chaval 'distinto' que, como tal, recibe el maltrato de los típicos matones de cole. La llegada a su bloque de una chica de edad parecida y similar situación de soledad y marginalidad le abrirá las puertas de una auténtica amistad y le conducirá a su primer enamoramiento. Pero su solitaria y pálida vecina Eli esconde un secreto del que intentará proteger a su nuevo amigo. Let the right one in es la adaptación cinematográfica de la exitosa novela de John Ajvide Lindqvist, también guionista del filme, que ofrece una nueva y bella vuelta de tuerca al género vampírico. Altamente recomendable, la cinta incluye un impagable giro final 'gore'.

'Thriller' de manual con retranca social
Una profesora se despide de sus pequeños alumnos con exquisita educación inglesa. Lo recoge su novio para el que se promete como un inolvidable fin de semana romántico para ambos. La radio del coche ya nos pone en sobreaviso: en una tertulia radiofónica se alerta sobre rampantes casos de delincuencia y vandalismo adolescentes. En el solitario lago Eden Lake, la acaramelada pareja verá interrumpida su escapadita por algunos de estos especímenes con actitud matonesca. Desde ese encuentro, ambos vivirán un calvario en permanente in crescendo hasta el final. De forma que el desasosegante filme se torna en una salvaje cacería humana por los bosques del lago en la que los papeles de presa y cazador se irán intercambiando. Eden Lake es un thriller de manual rodado con firme pulso por el inglés James Watkins, quien propone una historia que, como él mismo advirtió antes de la proyección, uno más que verla, sobrevive a su visionado.

Hipótesis social
Años estuvo resistiéndose José Saramago a vender al cine los derechos de su aclamada novela Ensayo sobre la ceguera (1995). Dicen que uno de los argumentos que le motivó a consentir esta adaptación fue que el proyecto viniera liderado por Fernando Meirelles. La película, al igual que el libro, parte de una hipótesis social. Un hombre contrae un extraño caso de 'ceguera blanca' mientras está detenido en su coche frente a un semáforo. Pronto, la enfermedad se extiende por toda la ciudad hasta adquirir la dimensión de una epidemia que se ha de cercenar por una severa cuarentena. El oftalmólogo que atiende a este primer caso también es contagiado y, junto con otros enfermos, es aislado en una instalación carcelaria abandonada. Su mujer, extrañamente inmune a la enfermedad, simula haberse quedado ciega para poder acompañar a su marido. A partir de ahí, Blindness propone diversas reflexiones en torno a la capacidad del ser humano para degradarse éticamente bajo ciertas circunstancias de incivilización. Ofrece una desoladora imagen de las personas, desconfía del aparante orden de la vida en sociedad, tan frágil como un castillo de naipes expuesto a un huracán, y concluye con una tibia esperanza final.

Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra!

2008-10-07T20:39:00.013+02:00

Entre el homenaje y la autoparodia

Además de para homenajear a emblemáticas películas del cine bélico, Stiller usa su filme para destripar con humor, blanco a veces, negrísimo otras, los entresijos de un rodaje y autoparodiar los engranajes de la gigantesca maquinaria del entretenimientoDice Ben Stiller que con Tropic Thunder ha querido rendir homenaje al cine bélico de finales de los 70 y comienzos de los 80, cuando muchos de sus compañeros se fogueaban como secundarios en obras referenciales tipo Apocalypse Now o Platoon. Añade uno de los protagonistas del filme, Robert Downey Jr., que con él han pretendido reírse de su profesión: de las desmedidas exigencias de las estrellas, de las inseguridades que muchas esconden tras su fachada de celebridad o de los celos profesionales entre actores que entorpecen el discurrir de un rodaje. Ciertamente, mucho de homenaje hay en este filme que, en algunos de sus planos, hace un calco en clave de comedia de icónicas secuencias cinematográficas. Pero mucho más hay de sarcasmo en su disección, con colmillo retorcido, de los avatares que se viven en una superproducción.

Título: Tropic Thunder
Dirección: Ben Stiller.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 106 min.
Género: Comedia, acción.
Interpretación: Ben Stiller (Tugg Speedman), Jack Black (Jeff Portnoy), Robert Downey Jr. (Kirk Lazarus), Brandon T. Jackson (Alpa Chino), Jay Baruchel (Kevin Sandusky), Danny McBride (Cody), Steve Coogan (Damien Cockburn), Bill Hader (Rob Slolom), Nick Nolte (John Tayback), Brandon Soo Hoo (Tran), Reggie Lee (Byong).
Guión: Ben Stiller, Justin Theroux y Etan Cohen; basado en un argumento de Ben Stiller y Justin Theroux.
Producción: Ben Stiller, Stuart Corfeld y Eric McLeod.
Música: Theodore Shapiro.
Fotografía: John Toll.
Montaje: Greg Hayden.
Diseño de producción: Jeff Mann.
Vestuario: Marlene Stewart.
Estreno en USA: 13 Agosto 2008.
Estreno en España: 26 Septiembre 2008.
Web oficial

Ésta es la parte que a mí, personalmente, más me interesa y con la que más me reí. Uno ya puede suponer que el rodaje de una gran producción debe ser una contienda de vanidades sin cuartel o una puja entre productores fiscalizadores de cada dólar gastado y directores obsesionados con sus creativas ideas para los que no reparan en dispendio alguno. De este micromundo, que tan bien conoce Stiller, es de donde ha sacado mucho partido cómico para su tercer largometraje como director. Y a sus personajes, tres conocidos actores con roles fácilmente trasladables a algunos de los rostros más populares del ‘negocio’, los presenta con sorna en clarividentes ‘trailers’ de sus últimos trabajos. Los anuncios nos muestran a una estrella de acción venida a menos y encallada en la enésima secuela de su personaje más famoso (Tugg Speedman, el personaje de Stiller), a un cómico drogadicto atrapado en comedias de trazo gordo y chistes grotescos (Jeeff Portnoy, encarnado por Jack Black) y a una gran estrella multipremiada y con fama de violento (Kirk Lazarus, interpretado por un soberbio Robert Downey Jr.).

Mención aparte merecen las colaboraciones de Tom Cruise como el despiadado productor-magnate Les Grossman o la de Nick Nolte como el veterano de guerra que escribió la novela sobre la que se basa el rodaje de la producción. Con una inusual faceta cómica, el ex chico de oro de Hollywood compone a un desternillante productor avaro y déspota. Nolte, en un rol que le pega, ejerce de veterano hecho añicos con un arsenal de anécdotas bélicas para cada ocasión.

Todos ellos coinciden en el rodaje de una cara producción en la que cada uno tiene depositadas muchas esperanzas profesionales. Pero todo lo descrito anteriormente, celos, discusiones, recortes presupuestarios…, entre otras ‘cagadas’ de diversa índole, darán al traste con el rodaje de Tropic Thunder. Un filme que, además de para homenajear a emblemáticas películas del cine bélico, Stiller usa para destripar con humor, blanco a veces, negrísimo otras, los entresijos de un rodaje y autoparodiar los engranajes de la gigantesca maquinaria del entretenimiento.

La Marvel lo tiene claro: el cine es el futuro

2008-05-05T01:20:00.020+02:00

Quizá a muchos les valga, pero otros aún acudimos a las salas con la esperanza de que nos sorprendan y sin conformarnos con el resultado ya previstoHasta ahora, la Marvel había preferido jugar un papel subalterno en la parte creativa de las diversas adaptaciones cinematográficas de sus principales héroes. Se limitaba a tarifar los derechos de sus historietas a las gentes del cine y a incluir su nombre, como sello de calidad, en las múltiples cintas de origen comiquero estrenadas en los últimos tiempos. Con Iron Man se rompe por vez primera esta premisa y los dueños de este emporio del cómic han decidido capitanear el proyecto financiándolo como productores ejecutivos y estrenando para la ocasión la firma Marvel Studios. Y no parece que ésta vaya a ser una excepción a la que hasta ahora venía siendo una norma, sino la nueva ruta que emprenda la compañía en su fuerte apuesta por lo audiovisual en la industria del entretenimiento. De modo que ésta es la primera pieza de otras muchas, dada la larga lista de venideros filmes que la Marvel tiene planeado lanzar (Deathlok, El Increíble Hulk, Magneto, Luke Cage o Doctor Strange, entre otros).

Título: Iron Man
Dirección: Jon Favreau.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 127 min.
Género: Acción, ciencia-ficción.
Interpretación: Robert Downey Jr. (Tony Stark/Iron Man), Terrence Howard (James Rhodes), Jeff Bridges (Obadiah Stane), Shaun Toub (Yinsen), Gwyneth Paltrow (Virginia "Pepper" Potts), Faran Tahir (Raza), Jon Favreau (Hogan).
Guión: Mark Fergus, Hawk Ostby, Art Marcum y Matt Holloway; basado en los personajes creados por Stan Lee, Larry Lieber, Don Heck y Jack Kirby.
Producción: Avi Arad y Kevin Feige. Música: Ramin Djawadi.
Fotografía: Matthew Libatique.
Montaje: Dan Lebental. Diseño de producción: J. Michael Riva.
Vestuario: Laura Jean Shannon.
Estreno en USA: 2 Mayo 2008.
Estreno en España: 30 Abril 2008.
Web: www.sonypictures
releasing.es
/ En Muchocine.net

Para los amantes de las viñetas, ésta puede ser una buena noticia si pensamos que la Marvel siempre tratará con más esmero y cariño a sus criaturas que cualquier otra 'major' hollywoodiense. Pero también, por otro lado, los cinéfilos pueden recelar de una estrategia que podría sacrificar la originalidad y creatividad de cada entrega para favorecer la producción de películas en serie y con formato estandarizado.

Mientras se confirma una u otra tendencia, o ninguna de las dos, sí podemos valorar esta primera cinta de Marvel Studios. Iron Man ofrece las virtudes y defectos habituales de filmes similares: está bien hecho técnicamente, no aburre, pese a alguna laguna en su ritmo, pero tampoco sorprende ni aporta nada radicalmente distinto a adaptaciones de superhéroes recientes (Spiderman 3, Superman Returns o Los 4 Fantásticos). Por tanto, ni sorprende ni arriesga. Se sabe como el núcleo de un gran negocio del que dimanarán otros ingresos, por la vía del merchandising, tan o más lucrativos que la propia explotación del producto cinematográfico.

Los actores implicados se muestran relajados en pantalla, conscientes de que no serán juzgados severamente por participar en un proyecto del que sacarán unos cuantos milloncejos casi sin despeinarse. El dinero fácil, con los llamados 'papeles alimenticios', nunca ha sido muy censurado siempre que los intérpretes terminen por volver al redil de las obras con afán más artístico. Por eso, Robert Downey Jr., Jeff Bridges, Gwyneth Paltrow o Terrence Howard, intérpretes de talento más que acreditado en filmes previos, cumplen con oficio y se limitan a ejercer de pulcros profesionales.

El guión tampoco es un dechado de originalidad. Muy parecido al de otras adaptaciones comiqueras, ejerce dignamente de prólogo inicial para futuras secuelas, aunque vuelve a caer en los pecadillos habituales, como los chistes sin gracia o la inclusión de pobres 'affaires' románticos de los que bien se podría prescindir. Que la parte técnica esté bien resuelta ya no es noticia en la era de los efectos digitales. Por tanto, Iron Man sólo es recomendable como cinta de entretenimiento sin pretensiones. Quizá a muchos les valga, pero otros aún acudimos a las salas con la esperanza de que nos sorprendan y sin conformarnos con el resultado ya previsto. Ojalá Christopher Nolan siga alimentando esta esperanza con El cabellero oscuro, su segunda entrega de Batman.

La hazaña de un héroe-granuja

2008-03-02T00:10:00.015+01:00

Aunque sean más conocidos por su prepotencia y ombligismo mundial, los norteamericanos también saben ironizar sobre sí mismos y desacralizar los hitos de su historia. Un buen ejemplo de ello es este filme basado en la vida real del congresista Charlie Wilson, un vividor y mujeriego empedernido cuyo historial haría palidecer al republicano más puritano. Un hombre así, que se autodescribe con un único talento político: el de su habilidad para salir siempre reelegido en una circunscripción sin exigencias de votantes o lobby alguno, fue capaz de liderar una guerra encubierta contra los soviéticos en la contienda que éstos mantuvieron con los afganos a comienzos de los ochenta.

Título: La guerra de Charlie Wilson (Charlie Wilson's war)
Dirección: Mike Nichols.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 97 min.
Género: Biopic, drama.
Interpretación: Tom Hanks (Charlie Wilson), Julia Roberts (Joanne Herring), Philip Seymour Hoffman (Gust Avrakotos), Amy Adams (Bonnie Bach), Ned Beatty (Doc Long), Emily Blunt (Jane Liddle), Om Puri (presidente Zia Ul-Haq), Ken Stott (Zvi Rafiah), Jud Tylor (Crysta Lee).
Guión: Aaron Sorkin; basado en el libro homónimo de George Crile.
Producción: Tom Hanks y Gary Goetzman.
Música: James Newton Howard.
Fotografía: Stephen Goldblatt.
Montaje: John Bloom y Antonia Van Drimmelen.
Diseño de producción: Victor Kempster.
Vestuario: Albert Wolsky.
Estreno en USA: 21 Diciembre 2007.
Estreno en España: 22 Febrero 2008.
Web: http://www.laguerradecharliewilson.es/
/ En MuchoCine.net

Gracias al talento de Wilson para las relaciones públicas, EE UU aumentó sus fondos para actividades clandestinas contra la URSS de cinco millones de dólares a mil millones anuales durante los nueve años que se prolongó la guerra afgano-soviética. De hecho, la cinta comienza con un homenaje privado a la figura de Charlie Wilson por su contribución clave en el colapso soviétivo y en la victoria norteamericana de la Guerra Fría.

Mike Nichols, tras la estupenda Closer, confirma su buena forma con este notable relato repleto de humor negro, diálogos ingeniosos y un gran reparto dirigido con su habitual buena mano para la dirección de actores. En esta ocasión, también todos ellos rayan a gran altura: comenzando por un divertido Tom Hanks, resarcido tras su interpretación cara-de-palo en el bodrio de El Código Da Vinci, siguiendo por la reaparecida Julia Roberts, eficaz en su papel de adinerada católica integrista, y destacando sobre todo el magnífico trabajo de Philip Seymour Hoffman, ejerciendo de espía bruto y campechano pero con un indiscutible talento para el ejercicio de la guerra sucia.

En definitiva, otro de esos filmes en los que los EE UU revisan algunos de sus pasajes gloriosos pero desde una visión desapasionada, no autocomplaciente y hasta crítica. Porque, como concluye la cinta en su corolario, aquella guerra se ganó y Occidente pudo entonces haber estrechado sus lazos con los países árabes y de la órbita musulmana, pero "la cagamos en la jugada final". Y de aquellos polvos, añadiría yo, padecemos los actuales terroríficos lodos.

[+] Buen cine para airear los trapos sucios propios

¿Por qué nos gustan los frikis?

2008-02-24T04:29:00.006+01:00

Música de fondo: BSO - Little Miss Sunshine - How it ends (2006)

No sólo los héroes cuentan con poder de empatía. Como el cine demuestra con cierta regularidad, otros personajes menos convencionales o, si se prefiere, más originales, pueden contar con un atractivo mayor. Comúnmente asociados a reduccionistas calificativos, como los de 'perro verde' u 'oveja negra', estos caracteres suelen distinguirse por vivir ajenos a las modulables normas sociales o al arbitrario sentido común. Son personas absolutamente independientes en su toma de decisiones cotidiana, el que dirán para ellos es una simple brisa que ni el flequillo les mueve y viven apasionadamente sus aficiones y distracciones.

Su aparentes transgresiones no buscan provocar a quienes sí siguen dictados. No tratan de autoafirmarse por la vía de la rebelión social: un personaje tan obvio no promovería con tanto éxito la identificación del espectador. Su encanto reside en la normalidad con que viven lo que a los ojos de la mayoría son rarezas o frikadas. Esa mezcla de autonomía y criterio propio es lo que nos gusta de ellos, al margen de que nos puedan atraer también algunas de sus particulares aficiones o de que compartamos sus originales puntos de vista.

Estas criaturas cinematográficas sobresalen por su independencia y su origen no podía dimanar de otro lugar que no fuera el de la modesta, aunque fecunda, industria del cine independiente. Los filmes producidos desde estos ámbitos alternativos vienen ampliando su público gracias el periódico éxito anual de dos o tres cintas nacidas al socaire del puñado de productoras indies. Sus repartos también suelen resultar distintos, pues, aunque se pueda 'colar' algún nombre típico del star system, en ellos se valora más el talento asociado a su idoneidad para el papel que el peso del rutilante nombre de turno en los títulos de crédito.

Probablemente, los frikis también nos gusten porque casi todos compartimos alguna rareza con ellos y anhelamos vivir absortos en cualquiera de nuestras frikadas. Como, por ejemplo, escribir un blog.

Los Coen vuelven al lugar del crimen

2008-02-10T20:54:00.005+01:00

Ironías cinematográficas: Tommy Lee Jones, otrora el implacable policía perseguidor del inocente Richard Kinball en El fugitivo, ejerce en No es país para viejos de un sheriff en retirada por haber perdido toda fe en el sentido de su trabajo durante el caso relatado en el filme. Un hombre que presenciará una despiadada carnicería a manos de otro que mata con la cotidianeidad de un cartero repartiendo el correo. Un hombre, este sheriff Bell, al que ya no le merece la pena jugarse la vida por algo que escapa a su comprensión. El rol del héroe en esta cinta de los Coen no tiene cabida.

Título: No es país para viejos (No country for old men)
Dirección: Ethan Coen y Joel Coen.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 122 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Tommy Lee Jones (sheriff Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harrelson (Carson Wells), Garrett Dillahunt (agente Wendell), Kelly Macdonald (Carla Jean Moss), Tess Harper (Loretta Bell).
Guión: Joel Coen y Ethan Coen; basado en la novela homónima de Cormac McCarthy.
Producción: Joel Coen, Ethan Coen y Scott Rudin.
Música: Carter Burwell.
Fotografía: Roger Deakins.
Montaje: Roderick Jaynes.
Diseño de producción: Jess Gonchor.
Vestuario: Mary Zophres.
Estreno en USA: 21 Noviembre 2007.
Estreno en España: 8 Febrero 2008.
Web: www.noespaisparaviejos.es
/ En MuchoCine.net

Con la voz gastada de Bell hablando sobre el pasado mientras aparecen las laderas de las desérticas montañas donde todo ocurrirá arranca este lúgubre relato. Estructurado como una cacería, el filme emparenta de forma directa con la aclamada Fargo. Paisajes solitarios, extraños personajes, hechos cotidianos brutalmente interrumpidos por actos de violencia que cortan la respiración se suceden a un lento ritmo idóneo para describir minuciosamente cada acción. La épica westeriana aparece ya como una idea en vías de extinción y, en este baño de sangre, sólo queda espacio para el sálvese quien pueda.

En este retrato de claroscuros, sólo parece comportarse con coherencia el psicópata de la función. Su trabajo es matar y cuando promete a alguien que lo va a hacer, no duda en cumplir su palabra inflexiblemente. El único resquicio para la salvación está en el azar del cara o cruz de una moneda impuesto a la víctima. "Todos me dicen antes de matarles que no tengo por qué hacerlo", replica a una de sus víctimas el 'coherente' psicópata Anton Chigurh, quien no se aparta un ápice de sus férreos compromisos, por salvajes que éstos sean, mientras sus adversarios se desmoronan por el innato instinto de supervivencia.

No es país para viejos deja a una lado la ligereza de trabajos previos de los Coen (The Ladykillers, Crueldad intolerable) devolviéndoles a su papel de sociólogos de la Norteamérica más profunda. Y para su mirada con microscopio de la zona sur de EE UU colindante con México han elegido a un reparto de lo más idóneo: empezando por Lee Jones, quien es originario de allí y debutó en la dirección con una gran cinta incardinada en esos mismos páramos; continuando por Javier Bardem, quien asume un papel clave en todo el filme con un trabajo merecedor de cuantos premios le han otorgado y le puedan otorgar; y siguiendo por Josh Brolin, en un personaje muy típico de los Coen, el del ingenuo que cree haber encontrado una oportunidad de oro sin reparar en que ésta, como si de un bumerán se tratase, puede arruinarle aún más su mediocre existencia.

Todo este fenomenal trabajo actoral se ve respaldado por la perfección de una añeja fotografía o una concisa banda sonora, así como por un montaje de ritmo lento en el que sólo la violencia seca interrumpe la calma tensa presente en todo el metraje de este gran filme.

El más listo de la clase

2008-01-28T22:38:00.003+01:00

La imagen glamurosa del espía fomentada machaconamente por el cine parece ya en desuso, excesivamente explotada. Las últimas producciones con trabajadores de agencias de espionaje como protagonistas vienen a corroborar esta tendencia con ejemplos como los de Syriana, El buen pastor e incluso, pese a no renunciar a las exageraciones propias de la saga, el último Bond encarnado por Daniel Craig, mucho más terrenal y vulnerable que sus antecesores. También éste es el caso de El espía (Breach), segundo trabajo del director Billy Ray, quien debutara con El precio de la verdad (Shattered Glass), notable filme financiado por Tom Cruise.

Título: El espía (Breach)
Dirección: Billy Ray.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 110 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Chris Cooper (Robert Hanssen), Ryan Phillippe (Eric O'Neill), Laura Linney (Kate Burroughs), Dennis Haysbert (Dean Plesac), Caroline Dhavernas (Juliana O'Neill), Gary Cole (Rich Garces), Kathleen Quinlan (Bonnie Hanssen).
Guión: Billy Ray, Adam Mazer y William Rotko; basado en un argumento de Adam Mazer y William Rotko.
Producción: Bobby Newmyer, Scott Strauss y Scott Kroopf.
Música: Mychael Danna.
Fotografía: Tak Fujimoto.
Montaje: Jeffrey Ford.
Diseño de producción: Wynn Thomas.
Vestuario: Luis M. Sequeira.
Estreno en USA: 16 Febrero 2007.
Estreno en España: 21 Diciembre 2007.
Web: http://www.elespialapelicula.es/
Leer critica de El espía en Muchocine.net

Y resulta curioso que, para ambos trabajos, Ray se haya basado en dos populares escándalos: en el caso de en El precio de la verdad, en el de un periodista con un exceso de inventiva para sus relatos, y en El espía, como adelanta su elocuentísimo título castellano, en la historia de un agente secreto considerado el mayor traidor/topo descubierto en las entrañas del FBI. A juzgar por la temática de ambos trabajos, a Ray le deben interesar mucho los personajes tramposos y con doble vida.

El enfoque de verismo de este sobrio relato es perceptible desde sus títulos de crédito iniciales, con las imágenes televisivas de John Ashcroft, fiscal general de la primera Administración Bush, anunciando la detención de Robert Hanssen, agente del FBI que vendió secretos y a espías norteamericanos a la URSS durante más de 20 años. Su caso, quizá el de mayor trascendencia pública conocido hasta la fecha, se consideró uno de los mayores desastres ocurridos en el seno de la inteligencia norteamericana.

Pero la cinta no aborda tanto el modo en que este hombre pudo filtrar secretos a un gobierno rival durante dos décadas, como las posibles razones y motivos de Hanssen. De modo que El espía trata, sobre todo, de profundizar en la extraña y contradictoria personalidad de un agente especializado en sistemas de gestión de la información cuya gris tarea, muy alejada de la gloria predestinada para los agentes de campo, nunca fue sometida a un severo escrutinio.

Para guiarnos por este viaje a la mente de Hanssen, otro personaje muy alejado de él, el joven agente Eric O'Neill, interpretado eficazmente por Ryan Phillippe, será quien nos adentre en el complejo mundo de este personaje creado con gran riqueza de matices por el excelente Chris Cooper, actor habitualmente relegado a la tercera línea de los créditos finales. A O'Neill le asignarán la tarea de 'cazar' a Hanssen en una de sus traiciones para evitar su retirada del FBI sin ni siquiera haber pisado un tribunal por su incontable lista de delitos. De modo que, durante gran parte de la película, ambos se medirán en el típico pulso entre el alumno aventajado y el viejo zorro que se las sabe todas. También aparece en el reparto la siempre espléndida Laura Linney en el papel de jefa de O'Neill.

Excelente el trabajo de Chris Cooper, un habitual de la tercera línea de créditos, dotando de complejidad y profundidad al contradictorio personaje de HanssenEn definitiva, la sencilla propuesta de El espía es la de explicar cómo un agente de acrisolado patriotismo y aparente honradez pudo 'vender' a su país a una potencia rival. Por qué extraño cruce de cables en su mente pudo tomar decisiones tan lesivas para la seguridad de su país. Muchas de los argumentos esgrimidos en el filme apuntan al continuo desprecio mostrado por los superiores de Hanssen hacia su labor, considerada de ratón de oficina pero que, como él mismo demostró con su traición, era mucho más crucial y requería mucho más dedicación y esfuerzo para salvaguardar la información sensible en materia de seguridad nacional. Porque en cierto modo, y aunque parezca un impresión simplista, El espía es la típica historia de venganza del empollón hacia los más guapos y populares de la clase.

Sir Ridley, recuperado por la vía del cine de género

2008-01-14T18:41:00.001+01:00

La carrera de Ridley Scott deambulaba en los últimos años por terrenos irregulares que parecían vaticinar el ocaso de su maestría. Salvo Gladiator, abultadamente premiada en los Oscar de 2001 pero enmarcable en la tradición del mejor cine épico, cintas como Un buen año, Los impostores o El reino de los cielos apenas dejaban entrever la sombra del realizador que acuñó mitos del cine ochentero como Alien o Blade Ranner. Y para su resurgir ha recurrido en su último trabajo a subgéneros, como el de gansters o el thriller policiaco, tan abordados por otros grandes directores con resultados magníficos. Sin ir más lejos, Martin Scorsese saldó su deuda con el Oscar gracias a un filme ubicado entre ambas temáticas con su excelente pero no magistral The Departed.

Título: American Ganster
Dirección: Ridley Scott.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 157 min.
Género: Drama policiaco.
Interpretación: Russell Crowe (Richie Roberts), Denzel Washington (Frank Lucas), Chiwetel Ejiofor (Huey Lucas), Cuba Gooding Jr. (Nicky Barnes), Josh Brolin (detective Trupo), Carla Gugino Laurie Roberts), John Hawkes (Freddie Spearman), Ted Levine (Lou Toback), Armand Assante (Dominic Cattano), Common (Turner Lucas), John Ortiz (Javier Rivera).
Guión: Steven Zaillian.
Producción: Brian Grazer y Ridley Scott.
Música: Marc Streitenfeld.
Fotografía: Harris Savides.
Montaje: Pietro Scalia.
Diseño de producción: Arthur Max.
Vestuario: Janty Yates.
Estreno en USA: 2 Noviembre 2007.
Estreno en España: 28 Diciembre 2007.
Web: http://www.americangangster.es/
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American Ganster asume con respeto la larga tradición de cintas ambientadas en la mafia y bebe también en universos típicos de James Ellroy como el de la corrupción político-policial. Supone también para Scott el reencuentro profesional con Russell Crowe, el protagonista de su última gran película. Y su primera colaboración con Denzel Washington, actor que sigue demostrando sus amplias capacidades para interpretar casi cualquier papel.

El guión del filme, que parte de una historia real, está estructurado como una narración paralela de las vidas de los dos protagonistas, el mafioso Frank Lucas y el policía Richie Roberts. Las vidas de ambos discurren por caminos semejantes pero en sentidos opuestos. Mientras Richie deberá sufrir en los inicios de su carrera el desprecio de sus compañeros por no aclimatarse al ambiente de enquistada corrupción policial, Lucas aprovechará los conocimientos adquiridos de su jefe, un importante líder de la mafia negra, para recoger su testigo a su muerte y prosperar hasta convertirse en el mayor traficante del Nueva York de los 70.

Otro factor clave para la rápida ascensión de Lucas en el negocio del tráfico de heroína fue la guerra. En Vietnam, muchos soldados se convirtieron en yonquis que importaron su adicción a su país. La heroína era la droga de moda, la que todo el mundo quería y debía probar para estar en la onda. Lucas, consciente de esta creciente demanda, fue directamente a la fuente productora del codiciado opiáceo. Puso en las calles una heroína de gran calidad a un precio razonable gracias a unas inmejorables condiciones de importación obtenidas mediante enjuagues con altos funcionarios políticos y militares, quienes le facilitaban su transporte hasta EE.UU. directamente desde el propio Vietnam.

Muy distinto, y probablemente más arduo, fue el camino hasta el éxito de Richie. Su condición de insobornable le granjeó pocos amigos y mala fama en un cuerpo policial corrompido hasta la médula, pero, en cambio, le posibilitó el liderar una unidad especial antidroga que se encargaría de descabezar los amplios tentáculos de un negocio en pleno apogeo.

Huelga decir que, con Crowe y Washington en los papeles protagonistas, el apartado artístico está cubierto con sobrada solvencia, más aún si se les suma el gran trabajo de los secundarios que los arropan. Por otra lado, la ambientación setentera de Nueva York, en palabras de Ridley Scott, no les fue nada fácil dado lo distante que es ahora la estética actual de la ciudad, limpia y ordenada hasta en los barrios tenidos por suburbios hace años, del aspecto más desgastado y sucio que la película consigue recrear espléndidamente.

Factores como éstos, así como la ágil y entretenida narración, hacen de American Ganster un filme de gran calidad, que denota la sabia firma que hay tras ella y reconcilia a Scott con su público más exigente.

Los videojuegos, arsenal estético para el cine

2007-12-14T16:30:00.012+01:00

Hitman (2007). A la izquierda, su versión de videojuego.

Resident Evil (2002)

Los yacimientos de ideas para filmes parecen cada vez más agotados. El llamado séptimo arte, en su vertiente más industrial, precisa de un flujo constante de producciones capaces de sostener el basto negocio del entretenimiento. En los últimos años, el cine ha acudido con mayor frecuencia de la acostumbrada a fuentes ajenas no tan ordinarios como la literatura o el teatro. El cómic, más de una vez esquilmado indignamente por lo audiovisual, se ha erigido sin duda como una rentable musa sobre la que construir producciones de muy diverso tipo: de acción familiar (Spider-Man, Superman Returs, Los 4 Fantásticos...), de acción/suspense para adultos (300, Sin City o la venidera y esperada Watchmen) o de terror (Man-Thing).

Otro nicho del que sacar historias ha sido el videojuego. Cuando las consolas se acomodaron como un electrodoméstico habitual en el hogar (entre finales de los 80 y principios de los 90), los títulos de mayor éxito se tomaron como ideas 'trasladables' al formato cine partiendo de la fama proveniente del cartucho/cd interactivo. Sonados batacazos ha habido hasta nuestros días, como la penosa y ruinosa SuperMario Bros. (1993) o la lamentable Street Fighter (1994), que sirvió de aciaga despedida para el difunto Raul Julia.

Se pudiera pensar que el fracaso de títulos como los citados podría radicar en una mala elección de aquéllos, dado que ambos son juegos de acción pura y dura (uno de plataformas, el otro de combates), con personajes sin excesivo 'background' y con historias irrelevantes frente a los objetivos que se han de superar. Es decir, la ausencia de relato alguno obligaba a crear uno artificial que funcionara en el cine respetando el espíritu original del juego.

Pero tampoco ha triunfado artísticamente una adaptación cuando se ha partido de un videojuego con historia más elaborada y compleja. Como mucho, algunos de estos filmes (Final Fantasy, Tomb Raider, Resident Evil o, ahora, Hitman) han cumplido funcionalmente como cintas de simple entretenimiento sustentadas por una arsenal estético ya presente en el material primigenio.

Super Mario Bros. (1993) / Street Fighter (1994)

De hecho, en Hitman aparecen toda una serie de subtramas encaminadas a humanizar al protagonista que chirrían con el gélido estilo del personaje en el universo de pc/videoconsola. Así, estos apósitos cinematográficos 'cantan' a la legua como impostados clichés a los ojos del gamer más adepto de la saga.

En Resident Evil ocurre algo parecido. Se debate entre el subgénero de terror-zombie y la acción trepidante dimanada de su soporte interactivo: un juego de acción en primera persona. Además, a todo ello se le quiere añadir cierta intriga en relación al corrupto origen político-empresarial que ha provocado la extensión de una plaga capaz de arrasar todo rastro de vida en el planeta. Finalmente ocurre como en el caso de Hitman, la estética del juego y la originalidad en las escenas de acción es lo poco 'salvable' de una trilogía cuyas historias se podrían resumir en un mismo y repetitivo 'leit-motiv': matar zombies y sobrevivirles.

Tomb Raider (2001)

Luego del videojuego se aprovecha su envoltorio, el atrezo de un mundo y personajes creados con gran originalidad. Así, el éxito del filme nacido al socaire del juego depende de la poca o mucha maña del guionista a la hora de crear un buen relato aparejado a estos elementos ya preexistentes.

Con Tomb Raider, y aprovechando el material heredado del píxel, se quiso crear un álter ego femenino del mítico Indiana Jones, el aventurero-arqueológico más famoso del cine. Pero ni los guionistas supieron dotar al personaje de los rasgos tan característicos del gran Indy ni las historias de Lara Croft sabían conjugar con igual habilidad humor, acción y suspense. Como mucho, el atractivo sexual se combinó con la implacabilidad de un personaje al que la Jolie supo sacarle más rendimiento del esperado.

Probablemente, y pese a que las incursiones del juego en el cine sigan, lo mejor será que ambos formatos convivan de forma más o menos separada. Los juegos seguirán adoptando enfoques en sus historias cada vez más próximos al cine (de hecho, el director John Woo ha retomado un filme policiaco suyo de los 90 en el videojuego Strangelove), y el cine, por su parte, también seguirá tomando prestadas ideas provenientes del rico universo del videojuego. Pero el cine deberá saber modular el uso de las ideas tomadas del juego para no zozobrar en el inoperante plagio de una estética a la que agregar una floja historia que ni siquiera hace honor a la fama y éxito de la fuente original.

[+ Información]:

Somos nuestras decisiones

2007-12-05T01:20:00.001+01:00

El cine es más sabio y artístico cuanto sugiere, muestra o sugestiona que cuando adoctrina, moraliza y sentencia. Probablemente también se ajuste más a la verdad de su relato cuando crea a sus personajes e historias bajo esta premisa de honestidad. El cine de Icíar Bollaín parece evolucionar, y para bien, por esta senda de minimalismo argumental en el que se plantean preguntas sin ofrecer al espectador respuestas definitivas. Mataharis, su último filme posterior a la exitosa cinta de denuncia social que fue Te doy mis ojos, ahonda en esta vía más poliédrica a la hora de hablar sobre los personajes. Tres actrices (Najwa Nimri, María Vázquez y Nuria González) encarnan a otras tantas mujeres en diferentes etapas de sus vidas, distintas generacionalmente las unas de las otras, que han de tomar decisiones sobre cómo quieren que sea su vida o sobre cómo reconducirla en su situación actual.

Título: Mataharis
Dirección: Icíar Bollaín.
País: España.
Año: 2007.
Duración: 95 min.
Género: Drama.
Interpretación: Najwa Nimri (Eva), Tristán Ulloa (Iñaki), María Vázquez (Inés), Diego Martín (Manuel), Nuria González (Carmen), Antonio de la Torre (Sergio), Fernando Cayo (Valbuena), Adolfo Fernández (Alberto), Manuel Morón (Samuel), Mabel Rivera (mujer engañada).
Guión: Icíar Bollaín y Tatiana Rodríguez.
Producción: Santiago García de Leániz y Simón de Santiago.
Música: Lucio Godoy.
Fotografía: Kiko de la Rica.
Montaje: Ángel Hernández Zoido.
Dirección artística: Josune Lasa.
Vestuario: Estíbaliz Markiegui.
Estreno en España: 28 Septiembre 2007.
Web: www.mataharislapelicula.com
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Este asunto, el de nuestras decisiones ante encrucijadas concretas como cincel vital, parece estar presente en todo momento en la película. Un ejemplo de ello lo encontramos en el impagable diálogo entre el personaje de Nuria González, detective privado y compañera de trabajo de las otras dos protagonistas, con un cliente que le ha solicitado el seguimiento a su esposa de la que sospecha una infidelidad. Constatada ésta, el hombre, entre asombrado y abatido, se pregunta en voz alta: "¿Cómo ha podido hacerme esto?". La detective Carmen, a la sazón amiga del cliente, le espeta: "Lo importante no es si está o no con otro, lo importante es por qué".

Esta secuencia, unida a otras del filme, profundiza en otro eje argumental: el cómo una persona con quien se ha vivido durante años se nos puede revelar como un ser extraño y casi ajeno a nuestra existencia, constatando la crueldad de una soledad acompañada.

También se habla de la soledad de quien ha consagrado su vida al éxito profesional dejando un lado principios que habría defendido en un pasado no muy remoto. Así, Inés, la detective más joven del trío interpretada por María Vázquez, comienza a replantearse cómo ha llevado su vida hasta ese momento, y cómo quiere que sea en el futuro, cuando la duda le asalta en un caso donde el éxito de la investigación depende de anestesiarse todo escrúpulo moral.

En la historia de Eva (Najwa Nimri), a caballo generacionalmente entre los personajes de Inés y Carmen, la desconfianza, la incomunicación o la dificultad para perdonar asoman como los típicos síntomas que prologan el final de una relación. Como contrapartida, el combatirlos con sus respectivos contravalores, confiar, perdonar o sincerarse, se erigen como únicos antídotos posibles.

Queda claro por tanto que, aunque sus historias sean pequeñas y estén pegadas a lo real como un neumático al asfalto, en Mataharis se aborda desde la lucidez de la sugestión muchos y variados asuntos de contenido eminentemente humano. Quizá no llegue a la maestría, pero este nuevo trabajo de la realizadora madrileña la confirma como una voz más que interesante entre nuestros cineastas.

Aguijonazo político

2007-11-26T16:23:00.001+01:00

La filmografía del Robert Redford director parecer ser subconscientemente equidistante de la del Redford actor. Sabedor de haber abandonado hace años su icónico rol de irresistible seductor, esta leyenda del star-system hollywoodiense parece querer probar que tiene mucho que decir como director, algo ya demostrado en notables trabajos previos como Quiz Show, El río de la vida o Gente corriente. Ahora, con una cinta claramente de tesis y de estructura teatral, Redford quiere dejar clara su opinión acerca del momento político actual de su país. La inminencia de unas elecciones a las que Bush hijo ya no comparecerá parece el principal aldabonazo que ha originado esta cinta. Sin embargo, en palabras de su realizador, Leones por corderos pretende trascender en sus argumentos la coyuntura socio-política.

Título: Leones por corderos (Lions for lambs)
Dirección: Robert Redford.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 96 min.
Género: Drama.
Interpretación: Robert Redford (Dr. Stephen Malley), Meryl Streep (Janine Roth), Tom Cruise (senador Jasper Irving), Michael Peña (Ernest), Andrew Garfield (Todd), Peter Berg (teniente coronel Falco), Derek Luke (Arian).
Guión: Matthew Michael Carnahan.
Producción: Robert Redford, Matthew Michael Carnahan, Andrew Hauptman y Tracy Falco.
Música: Mark Isham.
Fotografía: Philippe Rousselot.
Montaje: Joe Hutshing.
Diseño de producción: Jan Roelfs.
Vestuario: Mary Zophres.
Estreno en USA: 9 Noviembre 2007.
Estreno en España: 9 Noviembre 2007.
Web: www.leonesporcorderos.es
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Y a mi juicio sí que consigue ir más allá de la mera crítica circunscrita al discutible papel internacional jugado por EE UU en la era pos-11S. De hecho, si se separa la paja de los hechos concretos abordados en el filme de los argumentos de fondo, la cinta construye un sólido discurso acerca de la creciente apatía social en relación a quienes nos gobiernan y construyen nuestros destinos como pueblos. Es cierto que Redford peca de un exceso de sesgo y construye personajes estereotipados para arrimar el ascua a su sardina. Pero también lo es que su breve metraje parece estar pensado para quedarse con una única idea y evitar perderse por otras accesorias.

Probablemente, la cinta recibiría una mejor calificación si de una obra teatral se tratase, el medio donde se habría sentido más cómodo el guión de Matthew Michael Carnahan. Pero no creo que sea una pérdida de tiempo el asistir a su visionado. Primero, para ratificar la existencia de una opinión pública disidente de la política de la Administración Bush. Segundo, para asistir a un sano ejercicio de autocrítica entre una sociedad que solemos tachar de arrogante y prepotente. Y tercero, para disfrutar de un duelo actoral espléndido entre dos grandes como Meryl Streep y Tom Cruise. Magnífico, y desempolvando algunos de sus mejores trabajos como el de Magnolia, está Cruise en su rol del líder político capaz de aterrar con sus decisiones y de seducir con su magnetismo en proporciones similares.

Aunque no sea una película para la posteridad, el visionado de Leones por corderos resulta más que aconsejable en estos tiempos.

De colegas y últimas juergas

2007-11-04T20:52:00.001+01:00

Cada cierto tiempo, el cine norteamericano estrena una comedia gamberra con adolescentes en celo preocupados sólo por un binomio existencial: sexo y diversión. Suelen 'tirar' mucho de cliché fácil y de situaciones cómicas más o menos trilladas. Supersalidos, siendo enmarcable en este recurrente subgénero, ofrece algo más. Primero, personajes mejor construidos; segundo, el efectivo humor de trazo gordo pero tamizado por ironías más finas y chistes más lúcidos; y tercero, alguna que otra verdad sobre las transiciones vitales que separan la despreocupada adolescencia de la adulta responsabilidad. A todos estos añadidos de su guión frente a otras propuestas similares recientes, se le unen un acertado reparto encabezado por Jonah Hill y Michael Cera en los roles típicos de una buddy movie, una gran selección musical repleta de clásicos setenteros y perlas impagables como el desternillante personaje de Fogell/Mclovin (Christopher Mintz-Plasse).

Título: Supersalidos (Superbad)
Dirección: Greg Mottola.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 114 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Jonah Hill (Seth), Michael Cera (Evan), Seth Rogen (oficial Michaels), Bill Hader (oficial Slater), Christopher Mintz-Plasse (Fogell), Kevin Corrigan (Mark), Joe Lo Truglio (Francis), Martha MacIsaac (Becca), Emma Stone (Jules), Aviva (Nicola).
Guión: Seth Rogen y Evan Goldberg.
Producción: Judd Apatow y Shauna Robertson.
Música: Lyle Workman.
Fotografía: Russ Alsobrook.
Montaje: William Kerr.
Diseño de producción: Chris Spellman.
Vestuario: Debra McGuire.
Estreno en USA: 17 Agosto 2007.
Estreno en España: 19 Octubre 2007.
Web: http://www.estastusupersalido.es/
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Esencialmente, el argumento es una revisión nostálgica de una etapa vital en la que las preocupaciones cotidianas giraban en torno a la ansiaba pérdida de la virginidad y la planificación de la próxima fiesta encaminada al supremo fin desvigador. También se recuerda con cariño aquella amistad con ese colega del alma con el que se compartía todas las batallitas de ese encelado día a día. Seth y Evan son esos dos colegas que se hallan a pocas semanas de un trascendente cambio para ambos con la llegada de la universidad y la consiguiente separación de sus destinos.

La inminente graduación les apremia para alcanzar el objetivo y la organización de una fiesta para celebrar el fin de curso les ofrecerá a ambos la ocasión propicia. Seth jugará la baza de elemento esencial en la fiesta al erigirse, junto a su colega y Fogell, el auténtico outsider de la función, en los suministradores oficiales de alcohol. Es ahí donde lo que parecía un misión relativamente sencilla, gracias al falso carnet de adulto de Fogell, se convertirá en una odiseica aventura para la tripleta de amigos hasta arribar a la fiesta con el líquido 'revitalizante'. A esta trama se unirá la de dos policías que, en su revivir de sus juergas adolescentes, añadirán un punto de chaladura al filme para redundar en esa vistazo nostálgico hacia el añorado tiempo de inmadurez fiestera. En el epílogo quedará claro que el cierre de esta etapa suele venir por la vía de la domesticada vida en pareja. Pera, hasta ese punto, deberán pensar los guionistas de Supersalidos: que nos quiten lo bailado.

Sustos ‘made in Spain’

2007-11-03T04:34:00.001+01:00

Que te den un susto es muy distinto a pasar miedo. Mientras que una sensación se circunscribe a la inmediatez del sobresalto, la otra accede de forma más profunda y perdurable a nuestra psique. Llevada esta obviedad a los terrenos del cine, una película puede asustar porque consiga concatenar varios sobresaltos con mayor o menor fortuna, pero lo verdaderamente difícil es aterrar, trasladar una sensación de angustia capaz de permanecer bastante tiempo después del visionado del filme. El exitoso debut de Juan Antonio Bayona en un largo lo ubicaría en el estante de las cintas de sustos. Siguiendo la estela de los referentes que han sostenido el género de terror en los últimos años, como algunas de las producciones niponas recicladas por los norteamericanos, El Orfanato no se aparta de las convenciones fijadas por filmes de perfil similar.

Título: El Orfanato
Dirección: Juan Antonio Bayona.
País: España.
Año: 2007.
Duración: 100 min.
Género: Thriller sobrenatural.
Interpretación: Belén Rueda (Laura), Geraldine Chaplin (Aurora), Fernando Cayo (Carlos), Roger Príncep (Simón), Mabel Rivera (Pilar), Montserrat Carulla (Benigna), Andrés Gertrudix (Enrique), Edgar Vivar (Balabán).
Guión: Sergio G. Sánchez.
Producción: Joaquín Padró, Mar Targarona y Álvaro Augustín.
Producción ejecutiva: Guillermo del Toro.
Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Óscar Faura.
Montaje: Elena Ruiz.
Dirección artística: Josep Rosell.
Vestuario: María Reyes.
Estreno en España: 11 Octubre 2007.
Web: www.elorfanato-lapelicula.com
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Se trata de la ya típica alquimia en la que se mezclan apariciones de ultratumba con tragedia pretérita que se inmiscuye en la contemporaneidad de los vivos. El tipo de películas que depositan gran parte de su éxito en la gran sorpresa final. Esa misma que los más malévolos espectadores amenazan con contar al amigo que aguarda en la cola de la taquilla para comprar su entrada. Si la sorpresa del epílogo está a la altura de la narración previa, y ofrece además la buscada carga emotiva, el resultado suele gustar. En mi caso, no sé si porque todo el conjunto me pareció perfectamente maquinado para llevarme hasta ese punto, no me pareció lo más destacable de esta buena opera prima. Sin embargo, sí destacaría lo importante que es la existencia de cintas de este tipo entre nuestra industria. No sé me ocurre mejor camino que éste, el de un buen thriller o el de buena una peli de terror como es el caso, para lograr que nuestro cine supere las —a veces— injustas etiquetas del pasado y pueda, así, levantar cabeza y atraer al público con similar capacidad de convocatoria que industrias de mayor envergadura. Porque, aunque siempre he defendido desde este espacio que lo importante es el buen cine, venga de donde venga, tampoco he disimulado mi alegría cuando la calidad cinematográfica ha sido cocinada en casa.

Buena puesta en escena, cuidada estética y solventes movimientos de cámara avalan técnicamente esta cinta que, además, raya a una gran altura en el aspecto artístico, con un reparto encabezado por Belén Rueda, quien demuestra la próspera vida que también puede haber tras la más segura y acomodaticia televisión. En fin que, sin haberme deslumbrado como a muchos de quienes me la recomendaron fervorosamente, me gustó esta cinta bendecida desde sus comienzos con el oportuno respaldo de Guillermo del Toro.

La mafia según Cronenberg

2007-10-28T02:49:00.001+01:00

Tanto Una historia de violencia como esta Promesas del este evidencian un manifiesto interés de David Cronenberg por los alrededores del violento mundo de la mafia. Las dos últimas cintas de este director de granado pasado en el género fantástico no ambicionan abordar estos clanes criminales con una carga de profundidad similar a emblemáticas obras como El Padrino. Pero sí los elige como marco para historias más concretas sobre personajes atrapados en la telaraña del hampa.

Título: Promesas del esta (Eastern promises)
Dirección: David Cronenberg.
Países: Reino Unido, Canadá y USA.
Año: 2007.
Duración: 100 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Viggo Mortensen (Nikolai Luzhin), Naomi Watts (Anna Khitrova), Vincent Cassel (Kirill), Armin Mueller-Stahl (Semyon), Sinéad Cusack (Helen), Jerzy Skolimowski (Stepan).
Guión: Steve Knight.
Producción: Paul Webster y Robert Lantos.
Música: Howard Shore.
Fotografía: Peter Suschitzky.
Montaje: Ronald Sanders.
Diseño de producción: Carol Spier.
Vestuario: Denise Cronenberg.
Estreno en España: 5 Octubre 2007.
Web: www.promesasdeleste.es
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En complicidad con el espléndido trabajo del camaleónico Viggo Mortensen, protagonista de ambos filmes, el realizador canadiense aborda cómo estos tentaculares ambientes impiden su abandono a quien un día formó parte de ellos o cómo se extiende a las vidas de quienes guarden alguna relación, si quiera colateral, con sus alrededores. Al personaje de Naomi Watts, una comadrona de un hospital londinense, le ocurrirá esto último en Promesas del este. Después de traer al mundo al hijo de una adolescente ucraniana muerta tras el parto, ella, también de origen ruso, se halla en la obligación moral de dar con un familiar a quien encomendar el cuidado del recién nacido huérfano, al tiempo que le pueda comunicar la noticia de la muerte de la madre.

La pista de un diario en manos de la joven madre muerta conducirá a Anna Khitrova hasta una familia de la mafia rusa que usó a esta chica para la prostitución y luego la tiró como mercancía desechable tras haberla convertida en una yonqui. Allí se topará con el misterioso Nikolai Luzhin (el personaje de Mortensen), un chófer-recadero-matón al servicio del malcriado hijo del capo del clan (un gran Vincent Cassel). Su padre, encarnado con maestría por Armin Mueller-Stahl, representa la figura icónica del líder del clan familiar, así como la de de destacado capo entre las diversas familias mafiosas. En esta relación que padre e hijo mantienen durante todo el filme hay bastante de tópico cinematográfico en tanto que no resulta nada nueva en el cine la cortante tensión entre un estricto líder mafioso y su díscolo y poco ejemplar hijo.

Los hallazgos de Khitrova a través del diario le acercarán peligrosamente hasta ese mundo con reglas propias, alejadas por completo del otro que convenimos en llamar normal. Sólo un hombre parco, con aseado aspecto típico de mafioso ruso, le oficiará de brújula y de protección para no inmiscuirse más de lo debido. Nikolai, quien dice ser sólo un chófer, sabe mucho más de lo que cuenta y calla cuanto puede para sobrevivir en una comunidad donde las disputas suelen zanjarse con el cadáver del adversario vertido al río.

Sin ser una película de una violencia continua, sí aparecen en pantalla crudos actos violentos marca de la casa Cronenberg, a quien no suele dolerle en prendas el mostrar los más escabrosos detalles. La gélida fotografía de un Londres moderno y una buena elección general del reparto son otros de los avales de esta cinta de Cronenberg con senderos argumentales de parecido discurrir a los de su magnífica, y quizá superior, predecesora.

PD.: Siento la larga ausencia de este espacio dedicado al comentario y diálogo cinéfilo. Pero, a veces, se ha de dejar cierto espacio y tiempo a un asunto para luego retomarlo con renovado brío. Espero que así sea.

McClane 4.0, el antivirus a base de mamporros

2007-09-10T00:16:00.001+02:00

El impacto del primer filme protagonizado por Bruce Willis como John McClane fue tal en España que la sustitución del título original inglés, Die Hard ('Duro de Matar'), por el de La Jungla de Cristal se ha mantenido en las secuelas posteriores. Los términos 'jungla' o 'cristal' tenían cierto encaje en aquella cinta cuya acción se desarrollaba en los rascacielos Nakatomi, mientras que su presencia en los títulos de las continuaciones sólo obedece a una mera asociación con la exitosa cinta de John McTiernan. En cualquier caso, la perpetuación del título castellano del primer filme ejemplifica la indeleble impronta dejada por aquél.

Título: La Jungla 4.0 (Live free or die hard)
Dirección: Len Wiseman.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 130 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Bruce Willis (John McClane), Timothy Olyphant (Thomas Gabriel), Justin Long (Matt Farrell), Maggie Q (Mai), Cliff Curtis (Bowman), Mary Elizabeth Winstead (Lucy McClane), Cyril Raffaelli (Rand), Kevin Smith (Frederick Kaludis).
Guión: Mark Bomback; basado en un argumento de Mark Bomback y David Marconi; sobre el artículo "A farewell to arms" de John Carlin.
Producción: Michael Fottrell.
Música: Marco Beltrami.
Fotografía: Simon Duggan.
Montaje: Nicolas de Toth.
Diseño de producción: Patrick Tatopoulos.
Vestuario: Denise Wingate.
Estreno en USA: 27 Junio 2007.
Estreno en España: 7 Septiembre 2007.
Web: www.lajungla4.es

Desde sus inicios, McClane contaba con muchos ingredientes para hacerse un hueco entre los más insignes héroes del cine de acción. Su nefasto don de la ubicuidad, su rudez y contundencia a la hora de deshacerse de los villanos o sus frases de 'sobrao' y chuleta le configuraban como un héroe atípico con facilidad para empatizar con el público. Conformen se sucedían las secuelas, el protagonismo de McClane crecía en detrimento de los argumentos de los filmes, claramente al servicio de la reedición de las acciones y rasgos típicos del policía neoyorquino.

En La Jungla 4.0 tampoco cambia esta deriva. McClane es presentado de nuevo como un buen poli con una vida privada hecha añicos. Divorciado y con una hija declarada en rebeldía, a nuestro protagonista no parece haberle servido de mucho su heroica hoja de servicios. Nada nuevo respecto a capítulos previos. Pero el público ya sabe que su instinto de poli veterano curtido en mil batallas tardará poco en hacerle resurgir. Y lo hace de la misma forma que en aventuras previas, cogiéndole de improviso las circunstancias más inoportunas.

Vuelve a enfrentarse a terroristas que, reivindicaciones políticas al margen, sólo persiguen llenarse los bolsillos a mano llena. Esto tampoco cambia respecto a entregas previas. Lógicamente, lo que sí cambian son los métodos de los villanos a los que ahora se enfrenta McClaine. El título castellano ya nos dice que sobre algo de ordenadores y bytes irá esta nueva propuesta de acción. Pero frente a los 'hackers' dominadores del ciberespacio no hay mejor remedio que la medicina habitual de McClaine: los mamporros a diestro y siniestro. La pistola de este duro poli doblega la sofisticación del terrorista parapetado en unas pantallas de ordenador con las que, sin embargo, es capaz de sembrar las mayores catástrofes.

En fin, que esta cuarta entrega dirigida por un mañoso de la técnica como Len Wiseman no sorprende en casi nada, pero tampoco aburre gracias a su chute de acción vertiginosa. Es lo mejor y lo peor que se puede decir de la cuarta entrega de esta franquicia de acción liderada por Bruce Willis.

Puertas al campo

2007-09-09T00:16:00.000+02:00

Imagen del 'Manifiesto por el Cine en los Cines' que estos días se distribuye en nuestros salas.

La semana pasada desfilaron diversos representantes de la industria del cine español por la Comisión de Cultura del Congreso. Opinaron acerca de la nueva Ley del Cine. Los realizadores dicen que los exhibidores usan sus salas como si del salón de su casa se tratara. Dicen que, con su comportamiento, "permiten que los americanos nos usen como el patio trasero donde dejar sus desechos" (David Trueba dixit). La Federación de Cines de España (FECE) afirma que "las películas hechas en España interesan muy poco a la gente" y emplean datos para respaldar tal afirmación: "la cuota de pantalla para el cine español en lo que va de año es del 5%" (es decir, de cada 100 espectadores, sólo cinco ven cine español). Y yo me pregunto: ¿y por qué no se consulta al público, otro elemento esencial de todo este negocio? Si lo hicieran, quizá descubrirían ambos, exhibidores y productores, que no todos los espectadores desprecian el cine hecho aquí por el simple hecho de su origen nacional o que algunas de nuestras producciones deben su fracaso comercial a su discutible calidad, más que a una pobre distribución. A mí, como a muchos de quienes escriben sobre cine en Internet, me gusta el cine sin etiquetas identitarias. Y el buen cine, pese a las muchas trabas que deba superar, siempre termina abriéndose paso.

Y para quitarle algo de gravedad a esta polémica ley, os dejo la reacción de un adolescente alemán tras ver Alatriste previa descarga vía 'la mula'.

Tarantino, devoto cinéfilo practicante

2007-09-04T02:12:00.002+02:00

Death Proof es el envés de la misma moneda que el tándem Rodríguez/Tarantino ha acuñado como homenaje a un cine de terror y acción que derrochaba originalidad y transgresión en tiempos cinematográficos aún conservadores. Con escasos presupuestos y soluciones técnicas chapucero-artesanales, aquellos cineastas pioneros hacían de la necesidad virtud y sólo ambicionaban dar rienda suelta a sus truculentas imaginaciones. Sam Raimi, Wes Craven, Cronenberg, Carpenter o Peter Jackson, entre otros, fueron algunos de los directores que se forjaron en aquella escuela de vísceras y sangre. Hoy todos ellos cuentan con reconocidas carreras como cineastas, pero su fogueo partió de aquellas cintas incomprendidas y marginales para su mayoritario público coetáneo.

Título: Death Proof (Grindhouse)
Dirección y guión: Quentin Tarantino.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 113 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Kurt Russell (Stuntman Mike), Sydney Tamiia Poitier (Jungle Julia), Rosario Dawson (Abernathy), Vanessa Ferlito (Arlene), Jordan Ladd (Shanna), Rose McGowan (Pam), Tracie Thoms (Kim), Mary Elizabeth Winstead (Lee), Zoë Bell (Zoë), Omar Doom (Nate), Michael Bacall (Omar), Eli Roth (Dov), Quentin Tarantino (Warren), Monica Staggs (Lanna), Michael Parks (Earl).
Producción: Elizabeth Avellan, Robert Rodriguez, Erica Steinberg y Quentin Tarantino.
Fotografía: Quentin Tarantino.
Montaje: Sally Menke.
Diseño de producción: Steve Joyner y Caylah Eddleblute.
Vestuario: Nina Proctor.
Estreno en USA: 6 Abril 2007.
Estreno en España: 31 Agosto 2007.
Web: www.grindhousemovie.net

Si Rodríguez se ocupó en Planet Terror de referenciar el terror 'gore', unas de las vertientes por las que el mexicano ha mostrado más querencia en cintas iniciáticas suyas como Abierto hasta el amanecer, Tarantino ha decido dirigir su tributo a las películas de salvajes carreras de coches. Referentes como Punto límite cero o 60 segundos, citadas textualmente en diálogos que Tarantino ha puesto en boca de sus personajes, constituyen la base de cinefilia sobre la que se apoya Death Proof.

Pero no se queda ahí. Porque en Death Proof vuelve aparecer el arsenal de lugares comunes de toda su filmografía: como los largos diálogos entre colegas sobre las más absurdas trivialidades, la filmación de escenas con afán de posteridad acompañadas de excelentes canciones (el repaso a las bandas sonoras de sus filmes desvelan a Tarantino como un gran 'gourmet' de clásicos musicales americanos y como un enamorado de las partituras morriconianas) y la creación de personajes extremos capaces de pasar de un estado de relajo a otro de brutal violencia sin apenas inquietarse. Y puesto a alabar sin disimulo sus preferencias cinematográficas o a vituperar sin piedad el cine que detesta, a Tarantino no le duele en prendas el hacerse varios impúdicos autohomenajes con guiños a cintas suyas recientes como Kill Bill. Por ejemplo, genial resulta la reaparición de dos personajes ya míticos como el ranger Earl McGraw (con la hosquedad e impavidez del gran Michael Parks) y su Hijo Número 1 (el propio hijo de Parks, James Parks). El pausado y crudo análisis que hacen de los brutales crímenes a los que se suelen enfrentar son la mejor muestra del negrísimo humor destilado por el realizador de Tennessee.

Y finalmente, para incondicionales de Tarantino como quien esto escribe, en Death Proof volvemos a disfrutar con interpretaciones-trasunto del pasado glorioso de grandes actores como Kurt Russell (de quien Tarantino adora sus primeros trabajos con Carpenter, como Escape from New York o La Cosa). Además, y siguiendo los rasgos típicos de las mujeres de sus filmes, Tarantino vuelve a crear todo un muestrario de diversos caracteres femeninos: sexys, fuertes, chulescos y decididos. Se podría decir que la réplica de Tarantino al perfil de la chica-Almodóvar es la de una mujer bella, con fuerte atractivo sexual, inteligente, y dura y sensible a un tiempo. Todo el reparto de chicas-Tarantino en Death Proof, desde Rosario Dawson a Vanessa Ferlito, están excelentes en sus respectivos papeles.

En fin, que no oculto mi admiración por el cine de este hombre que, con apenas cinco películas escritas y dirigidas por él, creo que ha alcanzado un veloz estatus de autor con un cine que, aunque no sea plato de buen gusto para muchos, ofrece siempre una pasión cinéfila que respira por cada uno de sus fotogramas.

[+] Crítica de Planet Terror: Elogio de lo cutre

El juego del ratón y el gato

2007-08-25T16:55:00.001+02:00

Pocos son los hallazgos que el espía amnésico Jason Bourne (Matt Damon) hace en esta tercera película acerca de su identidad previa a su ingreso en el programa militar Treadstone. En El ultimátum de Bourne, dirigida por Paul Greengrass con el nervio, verismo y rigor que le son propios, se mantiene intacta la estructura del espía en constante huida acosado por una gran entramado podrido de la CIA. Bourne sigue sin saber mucho, pero comienza a atar cabos mientras en la cúpula de la agencia de espías norteamericana cunde el nerviosismo ante un posible y comprometedor levantamiento de alfombras. En suma, y sin ánimo de resultar simplista, se podría decir que el juego del ratón y el gato ofrecido en las dos entregas previas continúa siendo el 'leit-motiv' de esta última secuela del personaje creado por el novelista Robert Ludlum.

Título: El ultimátum de Bourne (The Bourne ultimatum)
Dirección: Paul Greengrass.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 111 min.
Género: Acción, drama, thriller.
Interpretación: Matt Damon (Jason Bourne), Julia Stiles (Nicky Parsons), Joan Allen (Pamela Landy), David Strathairn (Noah Vosen), Paddy Considine (Simon Ross), Scott Glenn (Ezra Kramer), Edgar Ramírez (Paz), Albert Finney (Dr. Albert Hirsch).
Guión: Tony Gilroy, Scott Z. Burns y George Nolfi; basado en un argumento de Tony Gilroy; sobre la novela de Robert Ludlum.
Producción: Frank Marshall, Patrick Crowley y Paul L. Sandberg.
Música: John Powell.
Fotografía: Oliver Wood.
Montaje: Christopher Rouse.
Diseño de producción: Peter Wenham.
Vestuario: Shay Cunliffe.
Estreno en USA: 3 Agosto 2007.
Estreno en España: 14 Agosto 2007.
Web: www.bourne.es

Montaje ágil, nerviosos movimientos de cámara y partitura ejemplar de John Powell para aliñar el conjunto son los principales avales de estas cintas de acción rodadas al 'estilo Greengrass'. Un estilo concordante con el de la primera cinta dirigida por Doug Liman (ahora productor ejecutivo de las dos continuaciones) pero mejorado por el sobrio barniz del director británico. Además, la perspectiva de un realizador europeo parece clave en una recreación realista e identificable de las localizaciones empleadas en el seguimiento del itinerante Bourne. Si a todo ello le sumamos una pléyade de magníficos actores, encabezada por el talentoso Matt Damon y respaldada por secundarios de lujo como Albert Finney, Joan Allen, Scott Glenn, Brian Cox o el último en incorporarse a la lista, un magistral David Strathairn, el resultado es una función de cine de espías de gran calidad y situada un peldaño por encima de la media en su género.

A pesar de todas estas virtudes técnicas e interpretativas, la cinta flojea en su historia. La estructura de persecución y huida termina por convertir el relato en un bucle donde sólo cambian los paisajes de fondo (diferentes estaciones de tren europeas y dos edificios de la CIA en Langley) y los enemigos de Bourne por la parte perseguidora. Cierto es que el ritmo de urgencia casi constante no deja espacio alguno para el aburrimiento, pero tanta velocidad va en detrimento de un relato más sustancioso. Descubriremos pequeños detalles de la biografía del protagonista previos a su transformación en Jason Bourne, nos sugerirán que el uso de éste como asesino por encargo era mucho más escalofriante de lo inferido en los capítulos previos, pero no mucho más progresa esta historia cuyo epílogo deja la puerta abierta para posibles secuelas venideras. No en vano, Robert Ludlum, fallecido en 2001, avaló al escritor Eric Van Lustbader para que continuara escribiendo acerca de este personaje del que ya ha publicado dos novelas tras la muerte de aquél: The Bourne Legacy (2004) y The Bourne Betrayal (2007). Sospecho que, dada su buena acogida en la gran pantalla, al cine le seguirá interesando contar más cosas sobre este enigmático espía incorporado ya, por derecho propio, al imaginario colectivo junto a afamados colegas como el legendario 007.

OTRAS OPINIONES...
Jose, de 'Cine': "El ultimátum de Bourne es una película genuina de nuestro atribulado siglo XXI, ya no gana el más fuerte, gana el que tiene más información."
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Rosenrod, de 'Dioses y Monstruos': "La trilogía del agente amnésico ha ido de menos a más, hasta rozar la perfección en su tercera entrega"
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Ramón Besonias, de 'OjO de buey': "Eficaz película de persecuciones más que bien orquestadas para disfrute de todo amante del género".

[+] Licencia para entretener

Héroes de verano

2007-08-19T03:33:00.001+02:00

Dada la proliferación de adaptaciones de héroes de viñetas, ya no resulta tan sencillo ese éxito asegurado que parecía bendecir a cada película de inspiración comiquera cuando éstas eran excepciones a la norma dentro del género de acción. De ahí que me sorprenda esta secuela de Los Cuatro Fantásticos, cuyo capítulo inicial disto mucho en su acogida de un atronador éxito taquillero y del beneplácito de los seguidores de la creación del tándem Lee-Kirby.

Título: Los Cuatro Fantásticos y Silver Surfer (Rise of The Silver Surfer)
Dirección: Tim Story.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 92 min.
Género: Acción, ciencia-ficción.
Interpretación: Ioan Gruffudd (Reed Richards/Mr. Fantástico), Jessica Alba (Susan Storm/La Mujer Invisible), Chris Evans (Johnny Storm/La Antorcha Humana), Michael Chiklis (Ben Grimm/La Cosa), Julian McMahon (Victor Von Doom/Dr. Muerte), Kerry Washington (Alicia Masters), Andre Braugher (general Hager).
Guión: Don Payne y Mark Frost; basado en un argumento de John Turman y Mark Frost; sobre los personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby.
Producción: Bernd Eichinger, Avi Arad y Ralph Winter.
Música: John Ottman.
Fotografía: Larry Blanford.
Montaje: William Hoy y Peter S. Elliot.
Diseño de producción: Kirk M. Petruccelli.
Vestuario: Mary Vogt.
Estreno en USA: 15 Junio 2007.
Estreno en España: 10 Agosto 2007.
Web: www.fantasticfourmovie.com

Es más, a muchos de los más devotos de este cuarteto de héroes les pareció de lo más mediocre aquel capítulo introductorio. En mi caso, que siempre he sido más un confeso seguidor de Spiderman, la cinta me dejó más bien frío. La combinación de acción con efectos digitales me pareció pobre y los chistes a costa de las rencillas entre la Antorcha Humana y La Cosa, de lo más flojos.

Partiendo de un listón a tan escasa altura, la mejora no era una misión titánica. Y ciertamente se puede considerar esta segunda entrega una versión mejorada, en todos los aspectos, de su predecesora. Pero dado su apego al guión fijado en aquella primera cinta, el predecible resultado reduce ésta a un distraído pasatiempo. Dudo mucho que contente a los acérrimos de la versión de papel, pero sí considero que ofrecerá lo esperado a quienes acudan al cine conscientes de las características de una cinta de este tipo.

Argumentalmente, el filme es más rico al centrarse en una de las historietas más legendarias de la saga de Los Cuatro Fantásticos: la llegada de Estrella Plateada (Silver Surfer) a nuestra planeta con la misión de destruirlo y la defensa numantina que Reed Richards y los suyos harán de él frente a tan poderoso rival. También reaparece, aunque en un lugar secundario, el tradicional enemigo de los héroes protagonistas: el Doctor Muerte.

El mayor tiempo de metraje dedicado a la acción, en detrimento de flojos chistes o tramas seudodramáticas como la tensión previa a la boda de Richards (Ioan Gruffudd) y Sue Storm (Jessica Alba), hacen más llevadero y entretenido el visionado del filme. Quizá aquí radique el resultado mejorado de esta Los Cuatros Fantásticos y Silver Surfer. Al haber definido mejor qué busca el público en una cinta de este tipo —distraerse un rato—, la producción se ha ceñido más en esta propuesta a un objetivo tan lícito como simple: entretener sin grandes pretensiones.

Elogio de lo cutre

2007-08-09T02:50:00.001+02:00

La doble sesión que Robert Rodríguez y Quentin Tarantino nos han preparado para este verano era uno de los proyectos que aguardaba con más interés. Su estética y contenido de 'revival' ochentero constituyen un explícito tributo a un tipo de cine de terror y acción, popularmente conocido como de 'serie B', del que esta pareja de amigos e irreverentes directores tanto han bebido en sus carreras. Grindhouse, nombre contenedor que agrupa a los dos filmes de esta sesión doble, se abre con el estreno de Planet Terror, la cinta del mexicano identificable al instante por el potente símbolo que en su cartel encarna la bella Rose McGowan (Embrujadas) con su fusil-pierna ortopédica. Me imagino que, debido a las imposiciones comerciales de hoy día, no ha sido posible estrenar Grindhouse en el que hubiera sido su formato más apropiado y coherente: en una de las añoradas dobles sesiones de nuestra infancia.

Título: Planet Terror (Grindhouse)
Dirección y guión: Robert Rodriguez.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 97 min.
Género: Acción, terror.
Interpretación: Rose McGowan (Cherry), Marley Shelton (Dakota Block), Freddy Rodriguez (Wray), Josh Brolin (Dr. William Block), Jeff Fahey (J.T.), Michael Biehn (sheriff Hague), Naveen Andrews (Abby), Stacy Ferguson (Tammy), Rebel Rodriguez (Tony Block), Bruce Willis (Muldoon), Julio Oscar Mechoso (Romey), Nicky Katt (Joe), Hung Nguyen (Dr. Crane).
Producción: Robert Rodriguez y Elizabeth Avellan.
Música: Robert Rodriguez.
Fotografía: Robert Rodriguez.
Montaje: Robert Rodriguez y Sally Menke.
Diseño de producción: Steve Joyner y Caylah Eddleblute.
Vestuario: Nina Proctor.
Estreno en USA: 6 Abril 2007.
Estreno en España: 3 Agosto 2007.
Web: http://www.grindhousemovie.net/

Pero yendo al grano, a la cinta de Rodríguez le ocurre lo que a otros trabajos suyos previos. Ofrece buenas ideas, secuencias de factura magnífica (los títulos de crédito de esta cinta le vuelven a avalar como un gran filmador de 'stripteases' tras su destape en esta faceta con el ya mítico de la Hayek serpiente en ristre), brutales golpes de humor (el falso 'trailer' de Machete o el chiste sobre el Papa se salen) y ratos de acción rodados con simpar originalidad. Sin embargo, cuando uno rasca sobre sus atractivos envoltorios, el conjunto que éstos desvelan es más bien pobre. De momento, me sigo quedando con su fidelísima traslación de las viñetas al celuloide del Sin City (crítica) de Miller, donde el mexicano daba un paso adelante en la adopción de tecnologías digitales al servicio de una idea estética muy concreta y, al mismo tiempo, mejoraba sus buenas dotes para las composición de 'scores'; cosa que también se deja notar en la banda sonora original de Planet Terrror, con uno sonido claramente deudor del de Sin City.

Debo reconocer que Planet Terror no me entusiasma en exceso porque tampoco lo hacía en su momento el tipo de cine que ésta pretende homenajear. Me terminan por cansar los exagerados baños de sangre con afán humorístico o el aniquilamiento de zombis/contagiados en plan videoconsola. Sí me gustan personajes estrafalarios como el de la pareja de hermanos —el policía y el propietario de un destartalado bar de carretera— en competencia vitalicia por conseguir la mejor salsa barbacoa del estado de Texas. Y también me gusta que Rodríguez, al estilo de Tarantino, 'recicle' en sus filmes a conocidos actores del pasado que ahora podemos redescubrir en insospechadas facetas (como el gran Michael Parks, un habitual en los últimos trabajos de la pareja Rodríguez-Tarantino).

Sin embargo, tras haber visionado Planet Terror, aún veo a Robert Rodríguez como un tipo ingenioso que se ha sabido rodear y aprender de amigos del mundo del cine con más talento y mejores ideas que él. En cierto modo, me sigue pareciendo un prometedor discípulo que comienza a cincelar un estilo propio (como el irrenunciable toque hispano de todos sus trabajos), pero al que le falta liberarse de tantas referencias ajenas para ofrecer algo más inequívocamente suyo.

Herencia corregida y aumentada

2007-07-15T19:43:00.001+02:00

¿Se puede hablar de una resucitación del género zombie? Quizá no sea para tanto, pero sí resulta ya indudable el tirón de los últimos años de este tipo de cine, antaño vituperado, hoy reconocido como válida referencia artística para abordar la autodestructiva naturaleza humana. Argumentos favorables a estas tesis los encontramos en el regreso de George A. Romero con Land of the Dead, o en el excelente tributo rendido a éste por el talentoso Zack Snyder en su 'remake' de Dawn of the Dead, o también en la sorpresiva 28 días después, del británico Danny Boyle, embrión de la secuela ahora dirigida por el canario Juan Carlos Fresnadillo. Aunque, en rigor, tanto en el trabajo de Boyle como en el de Fresnadillo no son zombies quienes devoran a sus semejantes, sino seres humanos contagiados por el virus de la ira.

Título: 28 semanas después (28 weeks later)
Dirección: Juan Carlos Fresnadillo.
País: Reino Unido.
Año: 2007.
Duración: 99 min.
Género: Acción, Terror, ciencia-ficción.
Interpretación: Robert Carlyle (Don), Rose Byrne (Scarlet), Jeremy Renner (Doyle), Harold Perrineau (Flynn), Catherine McCormack (Alice), Imogen Poots (Tammy), Idris Elba (general Stone), Mackintosh Muggleton (Andy).
Guión: Juan Carlos Fresnadillo, Enrique López Lavigne, Rowan Joffe y Jesús Olmo.
Producción: Andrew Macdonald, Allon Reich y Enrique López Lavigne.
Producción ejecutiva: Danny Boyle y Alex Garland.
Fotografía: Enrique Chediak.
Montaje: Chris Gill.
Diseño de producción: Mark Tildesley.
Vestuario: Jane Petrie.
Estreno en Reino Unido: 11 Mayo 2007.
Estreno en España: 29 Junio 2007.
Web: www.fox.es/
28semanasdespuessite

Aún recuerdo el fascinante arranque de 28 días después, con el protagonista Cillian Murphy, aturdido y en bata hospitalaria tras despertar de un coma, paseando por un Londres inhóspito y devastado. Era el prometedor arranque de un trabajo, a mi juicio, menos logrado en el resto de su metraje. Aquella cinta se situaba en plena expansión del virus de la ira por toda Gran Bretaña, y ya contenía ingredientes habituales del género zombie, como la conversión de nuestros seres queridos en caníbales a los que debemos matar para sobrevivirles y evitar ser uno más de ellos. Las dudas de nuestro subconsciente emotivo hacia nuestros seres queridos, rápidamente, sucumben a un agudizado instinto de supervivencia. Y es que en estas dicotomías tan extremas, casi siempre privilegiamos nuestro pellejo frente a cualquier otra flaqueza emocional.

En 28 semanas después nos ubicamos en un escenario distinto. La epidemia está controlada, tropas internacionales han tomado las calles de Londres y todos los enfermos de ira parecen haber muerto en su totalidad por inanición. Es el momento de la reconstrucción y del regreso de miles de refugiados para reencontrarse con los pocos supervivientes y compartir con ellos un nuevo comienzo. Pero toda precaución es poca a tenor del alto riesgo que supondría un rebrote de un virus de tan fácil y rápido contagio. Toda la ciudad está tomada por una coalición de tropas lideradas por el ejército norteamericano. Francotiradores apostados en las cornisas de los edificios, controles de acceso para acceder a los distintos anillos de seguridad y soldados en el transporte público conforman el paisaje con el que son recibidos los refugiados recién llegados. Todo parece controlado hasta que un hecho tan insólito como esperanzador cambiará el reinante clima de tensa calma: una mujer ha sido encontrada fuera de la zona segura y, pese a ser portadora del virus, no ha desarrollado la enfermedad. Su sangre podría contener la clave para hallar una vacuna.

Con estos elementos juega Fresnadillo para rodar un cinta adscrita a un género que, como se aprecia por el resultado de su trabajo, respeta escrupulosamente. De la rica ambientación y de espectaculares secuencias como la del helicóptero (principal guiño 'gore' del filme) se desprenden un mayor desembolso monetario para esta cinta producida al rebufo del éxito de su predecesora. Pero el director de esperanzador debut con la interesante Intacto consigue aterrorizar mejor cuando sugiere más y muestra menos, como en la claustrofóbica escena de los ciudadanos 'protegidos' en un búnker subterráneo convertido en letal ratonera. Y como es norma en las buenas cintas de este género, la metáfora propuesta por Fresnadillo es tan clarividente como aterradora. La apuntaba en su gran comentario en La Butaca Miguel A. Delgado (aka, Rosenrod, del blog Dioses y Monstruos) y, con su permiso, la tomo prestada. Nuestra parte más humana y emocional es tanto el clavo incandescente que puede salvarnos, como el peor de nuestros defectos capaz de conducirnos a la autodestrucción. Una paradoja que, como queda demostrado en el epílogo de la película, deja entrever un pesimista porvenir para nuestra especie.

¿Y si Bay se desencasillara?

2007-07-09T01:00:00.001+02:00

Horas después de ver Transformers me asaltó una peculiar y particular idea: Michael Bay es un director desaprovechado. Esta ocurrencia me vino al recordar el primer buen tramo de su película anterior, La isla, y las virtudes iniciales de este último trabajo. En la cinta coprotagonizada por McGregor y la Johansson, todo su prólogo es un buen ejemplo de narrativa cinematográfica al servicio de la intriga (en este caso, en relación al escalofriante secreto oculto en esa supuesta reserva de la especie humana). En Transformers ocurre algo parecido. El relato se sigue con cierto interés mientras no se sabe mucho sobre el origen de esta ancestral raza robotizada. Luego, la especialidad de la casa Bay, la acción pirotécnica, acapara todo el protagonismo del resto del metraje.

Dirección: Michael Bay.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 142 min.
Género: Acción, ciencia-ficción.
Interpretación: Shia LaBeouf (Sam Witwicky), Tyrese Gibson (sargento Epps), Josh Duhamel (capitán Lennox), Anthony Anderson (Glen Whitmann), Rachael Taylor (Maggie Madsen), Megan Fox (Mikaela Banes), John Turturro (agente Simmons), Jon Voight (John Keller), Kevin Dunn (Ron Witwicky), Michael O'Neill (Tom Banacheck), Julie White (Judy Witwicky).
Guión: Roberto Orci y Alex Kurtzman; a partir de una historia de Roberto Orci, Alex Kurtzman y John Rogers; basada en los muñecos Transformers de Hasbro.
Producción: Don Murphy, Tom DeSanto, Lorenzo di Bonaventura e Ian Bryce.
Producción ejecutiva: Steven Spielberg, Michael Bay, Brian Goldner y Mark Vahradian.
Música: Steve Jablonsky.
Fotografía: Mitchell Amundsen.
Montaje: Glen Scantlebury y Paul Rubell.
Diseño de producción: Jeff Mann.
Vestuario: Deborah L. Scott.
Estreno en USA: 3 Julio 2007.
Estreno en España: 4 Julio 2007.
Web: www.transformers-lapelicula.es

Y pese al fascinante despliegue visual aliñado con los ya indispensables efectos digitales, algo que se le presupone a una cinta dirigida por este mañoso de la técnica al servicio de la acción, esta segunda parte más puramente Bay transita por rutinarios derroteros. Los robots defensores de la especie humana, los Autobots, miden su potente arsenal al de los Decepticons, quienes pretenden reconstruir su antiguo imperio universal a costa de los endebles terráqueos. El grupo liderado por Optimus Prime, respaldado por nuestra modesta y desconfiada contribución, considera ya superada su etapa como raza hegemónica y tratará de evitar la instauración de una nueva tiranía robótica liderada por el 'descongelado' Megatron, jefe de sus rivales. Mucho explosión y acción espectacular 'slow motion' conducen la cinta a un previsible epílogo y la alargan hasta unos discutibles 142 minutos.

El joven y prometedor Shia LaBeouf (Spielberg la ha reclutado para la secuela de Indy) se maneja a la perfección con su personaje y los cómicos apuros de éste para ligarse a la maciza del instituto (la epatante Megan Fox). Sus padres (Kevin Dunn y Julie White) y el agente Simmons del Sector Siete (un autoparódico John Turturro) añaden el típico humor Bay, quien no siempre acierta con sus chascarrillos intercalados entre cada 'boom-boom'. También engrosan el reparto un par de secundarios de perfiles muy prototípicos: el del militar heroico (el televisivo Josh Duhamel) y el del político honesto y valeroso (un clásico en este tipo de roles como Jon Voight). Por lo demás, los que debieran ser los personajes principales de la cinta, los poderosos Autobots y Decepticons, se limitan a protagonizar las secuencias de mamporros y a soltar algún flojo chiste del amigo Michael. Pero tras haber visto Transformers sigo pensando que el realizador de La Roca, Armageddon, Pearl Harbor o Dos policías rebeldes podría dar mucho más de sí si se preocupase más por el relato, y menos por las soluciones técnicas de complejas y vistosas escenas de acción. Aunque quizá, para hacerlo, debería estar dispuesto a arriesgar su infalible éxito taquillero.

OTRAS OPINIONES...
Jose, de 'Cine': "Por más que pretendan anonadarnos con sus superproducciones, sólo hay un camino que conduce al éxito, y ese camino es el de los sentimientos, que no se pueden comprar con efectos, tracas finales, o deslumbrantes artilugios de metal"
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Rosenrod, de 'Dioses y Monstruos': "Una copia mala y ruidosa de las películas que llenaron nuestra adolescencia bajo la advocación de 'Steven Spielberg presenta...'. Ojalá que, como en aquellas, en Transformers se viera más su huella".
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Cineahora: "La película es muy fiel a su condición de juguete para niños de 6 a 12 años, con una sobadísima historia entre buenos y malos, y de robots extraterrestres que se convierten en vehículos".

Secuelas ‘palomiteras’ para tiempos de canícula

2007-07-07T01:36:00.001+02:00

Lamento haberme ausentado de este espacio de comentario cinéfilo durante tan largo tiempo. Las obligaciones laborales, unidas a mi habitual abotargamiento durante los primeros lances estivales, me han alejado de la periódica actualización de esta bitácora. Tampoco los recientes estrenos me han provocado gratificaciones suficientes como para levantar acta con prontitud de algunos de los estrenos vistos durante el último mes. La cartelera de las salas, protagonistas recientes por su cierre-protesta*, se ha poblado de las arrasa-taquillas tan propias de la época. Las secuelas, esos derivados industriales nacidos al socaire de una exitosa franquicia fundacional, vuelven a tapar el hueco de muchas productoras: el de la escasez de ideas y buenas historias. Brevemente, quisiera dejar algunos apuntes acerca de tres cintas adscritas a este esquema.

Efímero pasatiempo

Título: Ocean's Thirteen / Dirección: Steven Soderbergh. / País: USA. / Año: 2007. / Duración: 122 min. / Género: Thriller, comedia, acción. / Interpretación: George Clooney (Danny Ocean), Brad Pitt (Rusty Ryan), Matt Damon (Linus Caldwell/Lenny Pepperidge), Andy Garcia (Terry Benedict), Don Cheadle (Basher Tarr/Fender Roads), Bernie Mac (Frank Catton), Ellen Barkin (Abigail Sponder), Al Pacino (Willie Banks), Casey Affleck (Virgil Malloy), Scott Caan (Turk Malloy), Eddie Jemison (Livingston Dell), Shaobo Qin (Yen/Sr. Weng), Carl Reiner (Saul Bloom/Kensington Chubb), Elliott Gould (Reuben Tishkoff), Vincent Cassel (François Toulour). / Guión: Brian Koppelman y David Levien; basado en los personajes creados por George Clayton Johnson y Jack Golden Russell. / Producción: Jerry Weintraub. / Música: David Holmes. / Fotografía: Peter Andrews. / Montaje: Stephen Mirrione. / Diseño de producción: Philip Messina. / Vestuario: Louise Frogley. / Estreno en USA: 8 Junio 2007. / Estreno en España: 8 Junio 2007. / Web: http://www.oceans13-es.com/

Tercera reunión cinematográfica (y no sabemos si última) de Sodebergh y su pandilla para ofrecer más de lo mismo de lo ya visto en las predecesoras a Ocean's Thirteen: chulerías de ladrones de guante blanco, rocambolescos y rebuscados retos cleptómanos y un ribete de lujo exacerbado para rematar el conjunto. Si algo tienen de agradecidas estas películas es su entretenido discurrir. El espectador mínimamente informado ya sabe qué va a ver y Sodebergh, consciente de este pacto más o menos tácito, no se desvía ni un ápice en la elaboración de este funcional coctel. A juzgar por el resultado en pantalla, la amplia cuadrilla de actores se nota cómoda en estas reuniones periódicas que parecen concertar para divertirse, de cuando en cuando, metiéndose en sus respectivas pieles de talentosos mangantes. El ágil y aseado montaje del realizador de Atlanta también contribuye a que la función transcurra como un eficaz entretenimiento tan fácil de ver como de olvidar a la salida del cine.

Otras opiniones:
[+] Jose, de Cine: 'Fish'
[+] Rosenrod, de Dioses y Monstruos: 'Para picar entre horas'

Humor transgresor para 'acompaña-infantes'

Título: Shrek Tercero (Shrek the Third) / Dirección: Chris Miller. / Codirección: Raman Hui. / País: USA. / Año: 2007. / Duración: 92 min. / Género: Animación, comedia. / Doblaje original/español: Mike Myers/Juan Antonio Muñoz (Shrek), Eddie Murphy/José Sánchez Mota (Asno), Cameron Diaz/Nuria Mediavilla (princesa Fiona), Antonio Banderas (Gato con Botas), Rupert Everett (príncipe Encantador), Justin Timberlake (Artie), Julie Andrews (reina Lillian), John Cleese (rey Harold), Eric Idle (Merlín), Cheri Oteri (Bella Durmiente), Ami Poehler (Blancanieves), Maya Rudolph (Rapunzel), Amy Sedaris (Cenicienta), John Krasinski (Lanzarote), Ian McShane (capitán Garfio). / Guión: Chris Miller, Jeffrey Price, Peter S. Seaman y Aron Warner; basado en un argumento de Andrew Adamson; sobre el libro de William Steig. / Producción: Aron Warner. / Música: Harry Gregson-Williams. / Montaje: Michael Andrews. / Diseño de producción: Guillaume Aretos. / Estreno en USA: 18 Mayo 2007. / Estreno en España: 22 Junio 2007. / Web: http://www.shrektercero.es/

DreamWorks tuvo claro que la rentabilidad en la animación digital pasaba por abarcar un 'target' de público lo más amplio posible. Aunque, probablemente, ni el más optimista de los ejecutivos de la productora fundada por Spielberg habría vaticinado en 2001 el fenomenal éxito cosechado por el primer filme del ogro verde. Pero la idea era tan simple que, si su ejecución estaba a la altura, debía ser forzosamente rentable a tenor de esta obvia ecuación: los niños necesitan la compañía de un adulto para ir al cine, y éste, habitualmente sobresaturado de programación infantil en la tele de casa, agradece pasar un buen rato y echarse unas risas gracias a un humor más picante. El niño se distrae con la acción y se divierte con los chistes más gráficos, mientras que el adulto se hace cómplice de la propuesta de los guionistas en su relectura gamberra de los clásicos de la literatura infantil. Shrek III ofrece un nuevo arsenal de chascarrillos a costa de los personajes de los cuentos de cuna. Así, el príncipe Encantador se erige en el caudillo de todos los malparados por las moraleja de las fábulas. Quieren reclamar su "vivieron felices y comieron perdices". En su asalto al reino del inopinado rey Shrek se las verán con aburguesadas felices como Blancanieves (capataz esclavista de siete enanitos), la Bella Durmiente (una holgazana enferma de narcolepsia) o Rapunzel y su larga caballera tras la que oculta un gran fraude. El filme, quizá menos equilibrado que sus predecesores, plasma en su acabado los avances de los últimos años en animación digital y, en conjunto, termina por contentar a su heterogéneo público en su mezcla entre acción y humor con retranca.

Otras opiniones:
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Más es a veces menos

Título: Piratas del Caribe: En el fin del mundo (Pirates of the Caribbean: At world's end) / Dirección: Gore Verbinski. / País: USA. / Año: 2007. / Duración: 168 min. / Género: Acción, aventuras, fantasía. / Interpretación: Johnny Depp (capitán Jack Sparrow), Orlando Bloom (Will Turner), Keira Knightley (Elizabeth Swann), Geoffrey Rush (capitán Barbossa), Bill Nighy (Davy Jones), Chow Yun Fat (capitán Sao Feng), Stellan Skarsgård (Bill Turner), Jack Davenport (James Norrington), Naomie Harris (Tia Dalma), Tom Hollander (lord Cutler Beckett), Jonathan Pryce (gobernador Weatherby Swann)./ Guión: Ted Elliott y Terry Rossio; basado en los personajes creados por Ted Elliott, Terry Rossio, Stuart Beattie y Jay Wolpert. / Producción: Jerry Bruckheimer. / Música: Hans Zimmer. / Fotografía: Dariusz Wolski. / Montaje: Stephen E. Rivkin y Craig Wood. / Diseño de producción: Rick Heinrichs. / Vestuario: Penny Rose. / Estreno en USA: 24 Mayo 2007. / Estreno en España: 24 Mayo 2007. / Web: http://www.piratasdelcaribe3.com.es/

El final de la trilogía pirata ha seguido la senda de grandilocuencia iniciado por su segunda entrega. Una gran batalla final entre los más grandes piratas y la Compañía de las Indias Orientales es el hilo conductor de una historia que, al fin, zanja las dudas del triángulo amoroso protagonizado por Sparrow (Johnny Deep), Will Tuner (Orlando Bloom) y Elizabeth Swann (Keira Knightley). Al omnipresente Sparrow en el segundo capítulo lo han relegado a un papel más contenido y más en sintonía con el bufón del primero. Sin embargo, el exceso de metraje vuelve a hacerse notar en el desarrollo y resultado de un relato atiborrado de subtramas. Vistas en conjunto, las dos últimas películas parecen haber dilapidado el frescor de la primera tras su constitución en un vasto negocio. Y pese a todo, a esta trilogía se le deberá agradecer el haber desenpolvado el cine de aventuras ultramarinas adaptándolo al público actual pero sin perder la épica de los entrañables clásicos de piratas.

Otras opiniones:
[+] Jose, de Cine: 'Trueques'
[+] Rosenrod, de Dioses y Monstruos

*Al respecto de la jornada de huelga secundada por la mayoría de exhibidores nacionales como protesta a la intención gubernamental de obligarles a reservar determinado espacio de su cartelera para el cine europeo y nacional, sólo quisiera expresar mi desacuerdo con toda medida proteccionista aplicada al arte. No es fácil seguir apostando por un negocio tan poco rentable como el de la proyección de películas —más aún cuando no se está integrado en una gran superficie comercial—, pero más difícil debe serlo si uno se encuentra con las manos atadas a la hora de elegir qué películas va a proyectar para asegurarse el mayor aforo posible. El buen cine, venga de donde venga, siempre termina abriéndose paso, incluso en aquellos cines poco habituados a la inclusión de obras independientes. Flaco favor se le hace a nuestro cine si lo introducimos con calzador en las salas. Yo defiendo el cine hecho aquí, o el europeo, siempre que, como cualquier otro, cuente con la cualidad esencial para todo amante del cine: que, sencillamente, sea bueno.

Refulgente show

2007-06-06T01:27:00.001+02:00

Título: Dreamgirls
Dirección y guión: Bill Condon.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 131 min.
Género: Drama, musical.
Interpretación: Jamie Foxx (Curtis), Beyoncé Knowles (Deena), Eddie Murphy (Jimmy 'Thunder' Early), Danny Glover (Marty), Jennifer Hudson (Effie White), Anika Noni Rose (Lorrell), Keith Robinson (C.C. White), Hinton Battle (Wayne), Sharon Leal (Michelle).
Guión: Bill Condon; basado en el libreto de Tom Eyen.
Producción: Laurence Mark.
Música: Henry Krieger.
Fotografía: Tobias Schliessler.
Montaje: Virginia Katz.
Diseño de producción: John Myhre.
Vestuario: Sharen Davis.
Estreno en USA: 25 Diciembre 2006.
Estreno en España: 26 Enero 2007.
Web: www.dreamgirls-
lapelicula.es
En MuchoCine.net:

Vivimos tiempos de eclosión de los musicales por estos pagos, donde antes apenas llegaban las resonancias de los taquillazos de Broadway y Londres. Desconozco si adaptaciones cinematográficas recientes de obras tan populares como Chicago o esta Dreamgirls han recibido el abrumador agasajo de los cíclicos estrenos del Lope de Vega o el Apolo. Y aunque carezca de datos exactos, dudo mucho que ambos fenómenos hayan alcanzado éxitos homologables. En mi caso, que nunca me he declarado un adepto del género, ambas cintas me parecieron fascinantes por su equilibrada apuesta entre una historia de cierto interés y un brillante espectáculo audiovisual. Y topicazos al margen, pues la historia de ascenso y caída de las 'Dreamettes' abunda en la manida estructura de los tan de moda 'biopics' sobre músicos (Ray, En la cuerda floja…), la cinta ofrece un disfrute para quien se abandone a visionarla como un largo videoclip hilvanado por un argumento mínimo pero no insulso y, ni mucho menos, aburrido. Contextualizado entre el comienzo de los 60 y la mitad de los 70, el filme recrea cómo este trío de mujeres resistió, primero, a su predestinado papel subalterno como coristas y alcanzó, después, el estrellato en un país donde éste aún parecía reservado a los artistas de raza blanca. A este respecto, resulta muy elocuente el pasaje de la cinta en el que se muestra cómo era moneda común el birlarle éxitos a grupos negros distribuidos a nivel local, versionarlos con una banda de raza blanca y conseguir luego jugosos réditos en las listas nacionales. De hecho, este tema, el de los hits y la pugna en las listas de éxitos, está muy presente durante todo el metraje de la cinta. Hasta el punto de que muchos de los conflictos entre las 'Dreamettes' venga motivado por este asunto, y por los celos de unas frente a otras en la puja por mayores cotas de protagonismo. Por lo demás, algunas otras buenas razones para ver esta cinta son el asistir al magnífico recital de ese potente torbellino que responde al nombre de Jennifer Hudson, descubrir una sorprendente doble faceta dramático-musical en Eddie Murphy y disfrutar con magníficos temas soul que derrochan ritmo a raudales en sus versiones más bailables y mucho sentimiento en sus baladas.

OTRAS OPINIONES...
Jose, de Cine: "No es que el guionista sea malo, es que ocurrió así. Dios no sabe escribir guiones".
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Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "Ni Beyoncé, ni Eddie Murphy, ni Jamie Foxx... Bill Condon, sin el que no existiría este blog, nos regala en Dreamgirls el descubrimiento de Jennifer Hudson, la Rosa estadounidense. Aún tengo la carne de gallina tras oírle cantar And I Am Telling You I'm Not Going".
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Cineahora: "Un musical puro y duro, realizado con exquisitez y pasión, y a saborear con los mismos requisitos".

Inteligente experimento metadiscursivo

2007-06-04T11:41:00.001+02:00

Título: Más extraño que la ficción (Stranger than fiction).
Dirección: Marc Forster.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 113 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Will Ferrell (Harold Crick), Maggie Gyllenhaal (Ana), Dustin Hoffman (Jules Hilbert), Queen Latifah (Penny Escher), Emma Thompson (Karen Eiffel).
Guión: Zach Helm.
Producción: Lindsay Doran.
Música: Britt Daniel y Brian Reitzell.
Fotografía: Roberto Schaefer.
Montaje: Matt Chessé.
Diseño de producción: Kevin Thompson.
Vestuario: Frank Fleming.
Estreno en USA: 10 Noviembre 2006.
Estreno en España: 19 Enero 2007.
Web: www.masextranoque
laficcion.com/site
En MuchoCine.net:

Marc Forster (Descubriendo nunca jamás, Monster's Ball) propone en su último filme estrenado en España (Más extraño que la ficción) un interesante experimento: ¿Qué ocurriría si el personaje de una novela fuera consciente de estar formando parte de ella?; y aún más: ¿qué intentaría hacer para evitar su segura muerte adelantada por la voz en off de una narradora que describe cuanto acontece en su vida y cuanto piensa a lo largo del día con precisión milimétrica? Éste es el original nudo de una cinta enmarcable en la mejor versión del cine independiente norteamericano. Un espléndido y contenido Will Ferrell es Harold Crick, el personaje de la última obra de la exitosa escritora Karen Eiffel (perfecta Emma Thompson en el papel de este excéntrico personaje). En la obra, Eiffel lo describe como a un funcionario de Hacienda de gris y metódica vida hasta el día en que conoce a la pastelera contestataria Ana Pascal (magnífica Maggie Gyllenhaal). Deberá auditar a la joven Pascal ya que, en su declaración, ésta ha dejado de pagar algunos impuestos arguyendo negarse a financiar las guerras de la belicosa Administración norteamericana. Aterrado por el final que le ha deparado la autora de su libro/vida, Harold acudirá a la ayuda de distintos profesionales con dispar éxito. El psicólogo Dr. Carly ('cameo' de lujo del desaparecido Tom Hulce) le recomienda un período vacacional, pero de poco le sirve el consejo a Harold, a quien la voz le parece de lo más verosímil. El profesor de literatura Jules Hilbert (Dustin Hoffman) le dará la clave para hallar una solución: deberá adivinar si la historia de su vida es una comedia o una tragedia. En el primer caso se salvará, en el segundo, su muerte será el epílogo seguro. Por fortuna para Harold, la novelista anda con algunos problemas de bloqueo creativo que trata de solventar la asistente editorial Penny Escher (Queen Latifah). Mientras ella dilucida cómo matarle, a Harold le sucederán acontecimientos que le harán aferrarse a la vida con una fuerza insospechada en alguien como él.

OTRAS OPINIONES...
Jose, de Cine: "Imagínense que a Santiago Nasar le dejan leer el principio de Crónica de una muerte anunciada. El pobre hombre buscaría desesperadamente a García Marquez para que cambiara el final, y, por ende, también el título".
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Cineahora: "Nos vislumbra aquelllo que nos puede salvar la vida, sea en forma de 'matices, anomalías y sugerencias' o de una película como ésta a descubrir".

Atrapados en un rompecabezas

2007-05-20T23:34:00.001+02:00

David Fincher ha demostrado en su carrera sobradas capacidades para manejar los resortes del thriller (Seven o La habitación del pánico) pero, al mismo tiempo, también ha exhibido huellas más autorales en filmes innovadores y menos convencionales (El club de la lucha o The Game). Pero su cine siempre ha estado hilvanado por una misma línea de continuidad: su cuidada estética y su pormenorizada puesta en escena. Cada plano parece obedecer a una estudiada planificación y, cuando se trata de recrear ambientes como en esta Zodiac, sus películas consiguen como pocas transportar al espectador al ambiente, época y lugares de sus relatos (en este caso, brilla la espléndida recreación de los 70).

Título: Zodiac
Dirección: David Fincher.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 158 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Jake Gyllenhaal (Robert Graysmith), Robert Downey Jr. (Paul Avery), Mark Ruffalo (detective Dave Toschi), Anthony Edwards (detective William Armstrong), Brian Cox (Melvin Belli), Elias Koteas (sargento Jack Mulanax), Donal Logue (Ken Narlow), John Carroll Lynch (Arthur Leigh Allen), Chloë Sevigny (Melanie), Dermot Mulroney (capitán Marty Lee).
Guión: James Vanderbilt; basado en el libro de Robert Graysmith.
Producción: Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Bradley J. Fischer, James Vanderbilt y Ceán Chaffin.
Música: David Shire.
Fotografía: Harris Savides.
Montaje: Angus Wall.
Diseño de producción: Donald Graham Burt.
Vestuario: Casey Storm.
Estreno en USA: 2 Marzo 2007.
Estreno en España: 18 Mayo 2007.
Web: www.zodiac-es.com
En MuchoCine.net:

En Zodiac, Fincher parece haber querido aunar su oficio como relator de thrillers con una deriva hacia un cine dramático donde no parece desenvolverse tan cómodo. Con un respeto escrupuloso a los datos de la investigación (policial y periodística) de esta famoso caso de asesino en serie de los 70, la cinta pierde por momentos en emoción para favorecer su decidida apuesta por el verismo. Además de narrar las pesquisas que se siguieron para la caza del asesino Zodiac, el filme es, sobre todo, un relato acerca de cómo quedó marcada la vida de los policías e investigadores implicados en el caso por este rompecabezas dilatado durante treinta años.

Y probablemente sea esta mayor profundización en sus personajes, poco habitual en el thriller, la que haya alargado el metraje de la cinta hasta unos discutibles 158 minutos. Porque, pese al protagonismo de Jake Gyllenhaal en el papel del periodista autor de la novela en que se basa el propio filme (Robert Graysmith), el resto de personajes reciben un amplío tratamiento y no se les aplica la brocha gorda tan propia del género. De modo que roles secundarios como el de Paul Avery, brillante periodista del San Francisco Chronicle, cobra mayor empaque merced, también, a la espléndida interpretación de Robert Downey Jr. De igual modo, los detectives Dave Toschi (Mark Ruffalo) y William Armstrong (un gran Anthony Edwards recuperado para el cine tras la efervescencia televisiva) aparecen descritos con más matices de los habituales.

Zodiac es una inteligente historia sobre la frustración de un grupo de investigadores, pero también es un maravilloso retrato epocal de unos EE.UU. a punto de abandonar el espíritu ilusionante y contestatario de los 60. Sólo el personaje del Gyllenhaal, a quien tratan despectivamente como el 'boy scout', se resiste a dejarse vencer por la dejadez. Y de algún modo, pese al poso amargo y de impotencia que deja Zodiac en su final, al menos merece la pena quedarse con el pequeño homenaje que se le rinde a un joven ilustrador, el último mono de la redacción del Chronicle, en su tenaz perseverancia para hallar algo de verdad en un luctuoso hecho olvidado por la vorágine de los años.

OTRAS OPINIONES...
Jose, de Cine: "No descubro, sin embargo, la maestría de la que me hablan. Percibo, como siempre, el abuso de los directores mimados de la industria, que, adueñados del sistema, mandan sobre los productores y se niegan a aceptar la saludable tijera"
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Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "La obra más ambiciosa e innovadora de un creador al que, por fin, el presente título debería ayudarle a obtener, ya sin contestación, el calificativo de ser uno de los cineastas más potentes de su generación.
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Cineahora: "Se ha dicho que Zodiac significa la madurez de David Fincher. Yo añadiría más, el cine estadounidense, y el de Hollywood, se ha ganado sus buenas cuotas de madurez para este año gracias a esta película del autor de Seven"

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Escucha el reportaje de LoQueYoTeDiga sobre Zodiac:

División de opiniones entre la prensa especializada sobre ‘My Blueberry Nights’

2007-05-18T17:05:00.001+02:00

Y añadiría que "lógica" división, pues el cine del maestro hongkonés se presta tanto a viscerales aclamaciones (éste es mi caso) como a encendidos vituperios. El debut norteamericano de Kar Wai (aunque la cinta sea producida por China, Hong Kong y Francia) ha recibo el halago de cualificados críticos como Oti Rodríguez Marchante, de ABC, quien hablaba así de My Blueberry Nights:

Una historia muy americana vista con los ojos rasgados y emocionados de este tipo, que construye sentimientos con volutas de humo, y volutas de humo con sentimientos. Es una historia que da pie a otra historia que da pie a otra historia que da pie a que no hubo ninguna historia… Como en todo el cine de Wong Kar Wai, o te sumerges o flotas, y del mismo modo te ofrece la posibilidad de que hayas estado mirando todo el tiempo a la mano equivocada. Está hecha con ese trazo suyo tan cercano a lo relamido, en el que el tiempo, los fondos, los colores y las músicas se compinchan para envolverte en el caso de que no flotes.

Carlos Boyero, de El Mundo, afirma que también le ha gustado la cinta pese a su habitual desencuentro con el cine de Kar Wai:

Me parece fascinante. Rodar en América, con esos guionistas, director de fotografía, músico, actrices y actores, le ha sentado muy bien al cine del chino poético. Curiosamente a sus fans les ha horrorizado bastante. Siempre voy al revés y no es por pose. Es una película estética, profunda, triste e hipnótica sobre gente que anda perdida, sola, con razonable sentimiento de fracaso.

A Manu Yáñez Murillo, de la revista Fotogramas, también le ha fascinado la nueva propuesta del chino:

My Blueberry Nights, más que a buscar las novedades del desplazamiento intercontinental de su realizador, invita a descubrir los lazos de unión que conectan el filme con sus anteriores películas. Con las herramientas características de su manierismo formal (múltiples voces en off, relato subjetivo, imágenes ralentizadas y aceleradas, violentas elipsis, intertítulos, uso de música pop) y sus habituales personajes abatidos por amores truncados, Kar-wai proyecta sobre los escenarios norteamericanos la profunda melancolía y la sofisticada estilización de su cine.

En cambio, al compañero de Boyero en El Mundo, Borja Hermoso, autor del blog Blog, James Blog, no le ha conmovido este filme de igual modo que los trabajos previos del director chino:

Ha estirado tanto esta 'road movie' de chica sentimentalmente descarriada en pos del reencuentro (idea que era estupenda para un corto, pero no para un largo o para una suma de tres cortos, que es lo que creo que parece esta película) que se ha quedado como un lujoso chicle de fresa... un chicle de fresa demasiado azucaradito.

Crítico con la aventura americana de Kar Wai se ha mostrado también Octaví Martí, en El País:

En su primera película occidental, el chino Wong Kar-wai aparece prisionero de sí mismo. Y de toda la historia del cine. En My blueberry nights, pone en escena a personajes que se comportan como personajes de cine que imitan a otros personajes de cine. Ahí están los reflejos... una película inacabada que prometía ser, una vez terminada, mejor y más ambiciosa que la excelente In the mood for love. Ahora, una vez vista My blueberry nights, el espectador con memoria siente la tentación de revisar a la baja lo que en su día le agradó. Mejor no hacerlo...

Como queda claro, el cine de Kar Wai sigue generando debate. Pero mientras sea de altura, tratando de enjuiciar la obra de alguien con marchamo de ser el creador de un tipo de cine personal e innovador como ningún otro entre los cineastas actuales, siempre es maravilloso este debate cinéfilo. Las ganas de ver My Blueberry Nighst se me acrecientan tras leer estas crónicas.

[+] 'Teaser' de My Blueberry Nights
[+] Kar Wai abrirá el festival de Cannes con My Blueberry Nights

'Teaser' de My Blueberry Nights

2007-05-17T01:37:00.000+02:00

Os lo enlazaba en el anterior post, acompañando el corto de Precious Images. No obstante, y tras haberlo subido a YouTube.com, os dejo aquí con el 1'25" del teaser de lo último de Wong Kar Wai, My Blueberry Night, exhibida ayer en la apertura de la 60ª edición del Festival de Cannes. Espero que os guste.

También podéis escuchar el tema que suena de fondo, The Greatest, de Cat Power:

[+] El corto ‘Precious Images’, y Cannes se pone de tiros largos
[+] Kar Wai abrirá el festival de Cannes con My Blueberry Nights

El corto ‘Precious Images’, y Cannes se pone de tiros largos

2007-05-16T19:31:00.001+02:00

Tal día como hoy, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood celebró en 1929 la primera gala de su entrega de premios anuales. El galardón, consistente en una estatuilla dorada, pasaría a denominarse Oscar y a bautizar el evento.

Aprovecho la ocasión para colgar el corto Precious Images, ganador del Oscar de su categoría en 1987, y compuesto por 469 fragmentos correspondientes a los filmes más importantes de la historia del cine. Agrupados por géneros (terror, fantástico, musical, comedia…) y acompañados por míticas bandas sonoras acorde con ellos, el corto es todo un reto para los cinéfilos que gusten de identificar filmes a partir de unos pocos fotogramas.

No obstante, como todo buen juego, las soluciones también pueden ser consultadas a través de esta lista con el título, director y año de cada filme. En IMDB también hay disponible un listado con todas las películas y con enlaces a sus respectivas fichas.

Y EN CANNES YA DESFILAN POR LA ALFOMBRA ROJA…
Norah Jones, Jude Law y el director de My Blueberry Nights, Wong Kar Wai, ya se han dejado ver por La Croisette. Como en el anterior post aún no había disponible un teaser o trailer oficial, enlazo aquí con el primero que se puede ver ya por la Red. La cinta abrirá hoy un 60º Festival de Cannes repleto de acontecimientos para homenajear su aniversario, entre ellos un corto conmemorativo regalado por David Lynch.

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Vía eCuaderno | BlogdeCine.com

[+] Kar Wai abrirá el festival de Cannes con My Blueberry Nights

Los episódicos claroscuros de Parker

2007-05-07T23:29:00.001+02:00

El conflicto entre la bondad de Parker y el tentador poder de un traje multiplicador de sus cualidades arácnidas queda reducido a un episodio autoparódico en el que Parker se echa el flequillo a la frente y comienza a fanfarronearSiempre me han parecido de lo más respetuosas las adaptaciones que Sam Raimi ha rubricado del buque insignia de la Marvel. Llenas de guiños a los cómics más míticos, e intentado siempre captar la esencia de un personaje como Peter Parker, un joven normal a quien sus poderes arácnidos le colocarán frente a continuos dilemas morales. Sin embargo, cuando ahora contemplo el conjunto de las tres películas, observo un fallo común a otras muchas secuelas no planificadas como tales desde su concepción. Como cada historia pretende ser autoconclusiva, todas contienen una evolución apresurada de los personajes. Apenas hay tiempo para profundizar en el protagonista Spiderman/Peter Parker, y mucho menos en los secundarios. Las dificultades en la vida de Parker o en las de Spidey han de aparecer cuanto antes para que, en el mismo metraje, dé tiempo a superarlas, a salvar a sus seres queridos y a doblegar a sus nuevos villanos, presentados aprisa y con escasos antecedentes vitales.

Título: Spider-Man 3
Dirección: Sam Raimi.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 156 min.
Género: Acción, ciencia-ficción.
Interpretación: Tobey Maguire (Peter Parker/Spider-Man), Kirsten Dunst (Mary Jane Watson), James Franco (Harry Osborn), Thomas Haden Church (Flint Marko/Hombre de Arena), Topher Grace (Eddie Brock/Venom), Bryce Dallas Howard (Gwen Stacy), James Cromwell (capitán George Stacy), Rosemary Harris (tía May), J.K. Simmons (J. Jonah Jameson).
Guión: Sam Raimi, Ivan Raimi y Alvin Sargent; basado en un argumento de Sam Raimi e Ivan Raimi; sobre el cómic de Marvel de Stan Lee y Steve Ditko.
Producción: Laura Ziskin, Avi Arad y Grant Curtis.
Producción ejecutiva: Stan Lee, Kevin Feige y Joseph M. Caracciolo.
Música: Christopher Young.
Fotografía: Bill Pope.
Montaje: Bob Murawski.
Diseño de producción: Neil Spisak y J. Michael Riva.
Vestuario: James Acheson.
Estreno en USA: 4 Mayo 2007.
Estreno en España: 4 Mayo 2007.
Web: www.sonypicturesreleasing.es
En MuchoCine.net:

El esquema funcionó al dedillo en la primera entrega en tanto que ésta juega a la perfección su papel de prólogo contextualizador. Pero, al haber adoptado ese mismo patrón de desarrollo, nudo y desenlace en las dos siguientes cintas, es inevitable acabar con cierta sensación de sopor y de "ya haber pasado por aquí" tras el visionado de esta última entrega. Se trató de tender un puente que conectara argumentalmente la segunda entrega con ésta a sabiendas de que la trilogía estaba apalabrada justo después del sonado éxito de Spiderman. Pero la línea de continuidad en el conjunto apenas se ha sostenido por la promesa de venganza que Harry Osborn (James Franco) hizo en el epílogo del primer filme y por la historia de amor intermitente entre Mary Jane Watson (Kirsten Dunst) y Parker (Tobey Maguire).

Probablemente me haya visto defraudado por tanta expectativa creada por una campaña de marketing que 'vendía' una historia del trepamuros más oscura y adulta. La aparición en escena del traje simbionte daba mucho juego para adentrarse en una dualidad rayana en la esquizofrenia. Sin embargo, el conflicto entre la bondad de Parker y el tentador poder de un traje multiplicador de sus cualidades arácnidas queda reducido a un episodio autoparódico en el que Parker se echa el flequillo a la frente y comienza a fanfarronear y a ir de niño malo. Una vez pasado el sarampión malévolo, de escaso penar, le volvemos a poner cara de niño bueno devolviéndole su 'look' anterior.

Al margen de estas objeciones propias de un friki de las historietas de Spiderman, he de decir que la cinta abunda en los apabullantes efectos de la saga, cada vez más sorprendentes y de factura más perfeccionada, y sostiene el interés pese a contar con un metraje largo para una propuesta de estas características. No digo que se cierre en falso la trilogía, pero sí creo que el interés en una posible cuarta parte queda tocado tras esta entrega menos revolucionaria de lo anunciado. Quizá algún día, cuando sea posible concebir uno de estos filmes sin tanto afán rentabilizador y como un proyecto menos mastodóntico, alguien se atreva a adaptar historietas clásicas del héroe franquicia de la Marvel como La última cacería de Kraven. Ojalá.

OTRAS OPINIONES...
Rosenrod, de 'Dioses y Monstruos': "A pesar de la dispersión argumental y su excesivo metraje, Spiderman 3 es un correcto broche a la trilogía del hombre araña. Pero si hay alguien que destaca es, sin lugar a dudas, el prodigioso Thomas Haden Church, el Hombre de Arena".
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Jose, de 'Cine': "A los niños pequeños les valen esas explicaciones para ir tirando; a los políticos les encantaría tenerlas para justificar sus meteduras de pata (¿quién duda que Aznar estaba abducido, o bien narcotizado por el puro de Bush, cuando firmó el pacto de las Azores?); pero los aspirantes a creadores de héroes complejos deberían estrujarse un poco más los sesos".
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Emilio Calvo de Mora, de 'El Espejo de los Sueños': "Spiderman 3 usa un discurso palomitero moderno, incrustado de batallas épicas y muy convincentemente solventado por una apabullante parafernalia de efectos especiales, pero decae en la maquinaria meramente dramática, en el desafio de mezclar con meridiana credibilidad la parte operativa y el libreto teatral, que en ocasiones nos parece pobretón, carente de brío"

Kar Wai abrirá el festival de Cannes con My Blueberry Nights

2007-05-04T00:31:00.001+02:00

Una 'road movie' en la que una joven (interpretada por la debutante Norah Jones) recorre varias ciudades norteamericanas para hallar el verdadero significado del amor y, durante su periplo, irá conectando con variopintos personajes.Casi se puede decir que juega en casa. Wong Kar Wai, último presidente del jurado del ilustre festival galo, ha presentado muchos de sus trabajos en Cannes. Y My Blueberry Nights, su puesta de largo en el cine sajón, también será fiel a esta premisa en la apertura de La Croisette el próximo 16 de mayo. Entre quienes nos declaramos devotos de su cine, la cinta ha despertado lógicas expectativas por las novedades que comporta esta nueva apuesta: primera incursión en un rodaje en inglés, primer reparto con actores de la órbita hollywodiense y primer trabajo que coguioniza (el filme lo ha escrito junto al novelista Lawrence Block) y en el que estará ausente su media naranja habitual en la dirección de fotografía, Christopher Doyle (reemplazado por el director de fotografía de Delicatessen, Darius Khondji).

Las primeras sinopsis que he leído en diversos avances describen el filme como una road movie en la que una joven (interpretada por la debutante Norah Jones) recorre varias ciudades norteamericanas para hallar el verdadero significado del amor y, durante su periplo, irá conectando con variopintos personajes. A esta cantante con especial predilección por el country acompañarán actores de gran peso en el cine de los últimos años como Jude Law, David Strathairn (quien, al parecer, entró a última hora en el reparto como sustito de Kevin Spacey), Natalie Portman, Rachel Weisz, Tim Roth o Ed Harris.

Al parecer, el argumento de My Blueberry Nights parte de un cortometraje protagonizado por Tony Leung y Maggie Cheung integrado dentro de una compilación de tres cortos titulada Tres historias acerca de la comida (Three Stories About Food), filme que se proyectó en el festival de Cannes de 2001.

Norah Jones, un tanto abrumada por la llamada del director hongkonés, habla con sinceridad sobre su inesperado debut como actriz protagonista:

No sé que vio en mí ni dónde lo vio. Cuando recibí la llamada, pensé que quería música para alguna de sus películas. Es raro, porque yo siento que me veía incómoda en todos los videoclips que he hecho.

La película aterrizará en la salas comerciales hacia finales de este año (aunque en Cineencuentro.com también barajan la fecha del 22 de junio), pero ya podremos conocer las primeras impresiones de la prensa destacada en Cannes el próximo 16 de mayo. Aún no hay ningún tráiler disponible, pero sí hay ya dos carteles oficiales, el de su presentación en Cannes (imagen de arriba) y otro con el rostro de la cantante Norah Jones.
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Vía Cineencuentro.com / BlogdeCine.com / Las Horas Perdidas

Ecléctica epopeya espacial

2007-04-28T15:49:00.001+02:00

Leída la sinopsis de Sunshine —una nave tripulada por ocho astronautas pretende reactivar al languideciente Sol mediante una potente carga explosiva y evitar la congelación de la Tierra en el año 2057— el paralelismo podría parecer lógico con filmes al estilo Armageddon. Pero ambas cintas apenas comparten su propuesta de salvación planetaria, porque la de Danny Boyle pretende emparentarse y homenajear a la mejor versión del cine de ciencia ficción y espacial. Su brillante y estética puesta en escena, con un miembro de la tripulación sentado frente a una imponente estampa del Sol visto desde un gran sala-observatorio de su nave, ya es toda una declaración de intenciones.

Título: Sunshine
Dirección: Danny Boyle.
País: Reino Unido.
Año: 2007.
Duración: 107 min.
Género: Ciencia-ficción, thriller.
Interpretación: Rose Byrne (Cassie), Cliff Curtis (Searle), Chris Evans (Mace), Troy Garity (Harvey), Cillian Murphy (Capa), Hiroyuki Sanada (Kaneda), Benedict Wong (Trey), Michelle Yeoh (Corazón), Mark Strong (Pinbacker), Paloma Baeza (hermana de Capa).
Guión: Alex Garland.
Producción: Andrew Macdonald.
Música: John Murphy y Underworld.
Fotografía: Alwin Kuchler.
Montaje: Chris Gill.
Diseño de producción: Mark Tildesley.
Vestuario: Suttirat Anne Larlarb.
Estreno en Reino Unido: 5 Abril 2007.
Estreno en España: 20 Abril 2007.
Web: www.sunshinedna.com
En MuchoCine.net:

De modo que, durante gran parte de su metraje, la cinta trate de evocar películas espaciales de corte más realistas y filosófico como 2001: una odisea del espacio. En el Ícaro II no encontraremos héroes musculados y dicharacheros al estilo de la pandilla de Bruce Willis, sino científicos cualificados y personajes con atributos tan humanos como el instinto de supervivencia.

Sin embargo, en ese afán 'homenajeador' tan propio del director de Trainspotting y 28 días después, la cinta gira en su última media hora para intentar añadir al relato un poco de terror espacial al estilo de la inmejorable Alien. Y es ahí donde tanto homenaje convierten el conjunto en un collage deslavazado que llega, incluso, a arruinar las interesantes virtudes apuntadas con anterioridad. Ese ingrediente de terror parece como un anexo extraño, más que un elemento de continuidad perfectamente integrado en un relato coherente.

Con un reparto poco conocido, donde sobresalen un habitual del cine de Boyle como Cillian Murphy o Chris Evans, y un presupuesto ajustado, Sunshine quizá no cumpla por completo las excelentes expectativas de su comienzo, pero devuelve cierta dignidad al cine espacial tras unos años de sequía en este tipo de temáticas.

OTRAS OPINIONES...
Jose, de Cine: "Lo peor que te puede pasar en una película americana es que te salven la vida. Es una situación denigrante que los espectadores padecemos sin protestar, sesión tras sesión"
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Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "Sunshine es una buena película que sería memorable si no contuviera veinte minutos que se acercan peligrosamente al bochorno (y no precisamente por la cercanía del Sol)."

Redefiniendo al héroe

2007-04-20T11:36:00.001+02:00

Una película que vuelve a apoyarse en una vieja y exitosa alquimia: imágenes espectaculares más acción sin tregua, igual a entretenimiento aseguradoVivimos tiempos de descreimiento y el cine, como reflejo de su contemporaneidad, así lo viene explicitando en muchas de las películas actuales. El tirador (Shooter), un notable y válido intento de recuperar el exitoso cine de acción postergado hoy por la multitud de adaptaciones 'comiqueras', es un ejemplo de esta premisa. Su protagonista presenta alguna concomitancia con el icónico personaje de John Rambo en la más que aceptable primera cinta de esta secuela (Acorralado) desenterrada nuevamente por Stallone (John Rambo, última entrega, se halla en fase de rodaje). Al igual que Rambo, el francotirador de élite Bob Lee Swagger (un eficaz Mark Wahlberg) es ahora un militar arrinconado y defraudado por el ejército y la nación por las que tanto dio. Sin embargo, en su cruzada contra quienes le instruyeron como un letal tirador desde distancias remotas, aparecen nuevas subtramas, y de mayor complejidad, para abundar en la idea de la corrupción enquistada entre las esferas de poder.

Título: El tirador (Shooter)
Dirección: Antoine Fuqua.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 124 min.
Género: Thriller, acción.
Interpretación: Mark Wahlberg (Bob Lee Swagger), Michael Peña (Nick Memphis), Danny Glover (coronel Isaac Johnson), Kate Mara (Sarah Fenn), Elias Koteas (Jack Payne), Rhona Mitra (Alourdes Galindo), Rade Sherbedgia (Michael Sandor), Ned Beatty (senador Charles F. Meachum), Jonathan Walker (Louis Dobbler), Justin Louis (Howard Purnell).
Guión: Jonathan Lemkin; basado en la novela "Point of impact" de Stephen Hunter.
Producción: Lorenzo Di Bonaventura y Ric Kidney.
Música: Mark Mancina.
Fotografía: Peter Menzies Jr.
Montaje: Conrad Buff y Eric Sears.
Diseño de producción: Dennis Washington.
Vestuario: Ha Nguyen.
Estreno en USA: 23 Marzo 2007.
Estreno en España: 13 Abril 2007.
Web: www.shooter.es
En MuchoCine.net:

Es decir, el cine nos cuenta en muchos de sus relatos actuales historias que destierran por completo cualquier atisbo de cándida confianza hacia quienes gobiernan los países más poderosos. De modo que los nuevos héroes luchan por ideales más cercanos al público y menos grandilocuentes: honrar a un compañero muerto, salvar a un ser querido, destapar una injusticia o restaurar su propio honor. Hoy día parece ya poco creíble, y por tanto de difícil identificación, el héroe encorajinado que, bandera en ristre, lucha por su grandiosa nación adalid de la libertad y los más sanos valores. La fanfarria patriotera ha dejado paso a un heroísmo más doméstico y humano.

Y bajo esta premisa es construido el personaje principal de Shooter, último trabajo de Antoine Fuqua en el que el director de Training Day vuelve a demostrar su buena mano a la hora de manejar los resortes de la acción. Su ajustado metraje de dos horas parece medido al milímetro para no dejar espacio alguno al bostezo. Y a pesar de que su guión apueste por una cierta complejidad propia del thriller político, Shooter se queda en los terrenos de una buena y entretenida propuesta de cine de acción.

El ex modelo de Calvin Klein Mark Wahlberg encabeza un reparto en el que, paradojas de la vida, su enemigo es un militar corrupto interpretado por Danny Glover, otrora héroe junto a Mel Gibson de la popular franquicia Arma letal. También se deja ver un rostro cada vez más conocido, el del actor de ascendencia mexicana Michael Peña, ya visto en filmes dirigidos por Eastwood u Oliver Stone. Cada uno cumple en su rol, más o menos prototípico, y hacen de Shooter una película que vuelve a apoyarse en una vieja y exitosa alquimia: imágenes espectaculares más acción sin tregua, igual a entretenimiento asegurado.

OTRAS OPINIONES...
Ser Cinéfago, según John Trent: "Una película entretenida, con alguna buena escena de acción (...) que le echa un par de cojones al mostrar la violencia (...) y las acciones del protagonista muy fríamente, sin reservas ni concesiones finales."

Los titiriteros del mundo

2007-04-07T20:55:00.001+02:00

Es lógica cierta exageración en las frases de críticos escogidas para las promociones de los filmes. Pero me llamó la atención, por su grandilocuencia, una de las empleadas en el anuncio televisivo de El buen pastor. "El Padrino de las películas de espías", decía la frase adjudicada a un crítico excesivamente entusiasta. Porque, la verdad sea dicha, la tercera cinta de Robert De Niro en la dirección no es ni mucho menos para tanto. De bella factura y eficaz realización, la cinta flojea en muchas partes de su largo metraje y, por momentos, bordea lo soporífero en su relato sobre el origen de la poderosa CIA.

Título: El buen pastor (The good shepherd)
Dirección: Robert De Niro.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 167 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Matt Damon (Edward Wilson), Angelina Jolie (Margaret 'Clover'), Alec Baldwin (Sam Murach)Tammy Blanchard (Laura), Billy Crudup (Arch Cummings), Robert De Niro (Bill Sullivan), John Turturro (Ray Brocco), William Hurt (Philip Allen), Michael Gambon (Dr. Fredericks), Gabriel Macht (John Russell), Keir Dullea (senador Russell), Martina Gedeck (Hanna), Timothy Hutton (Thomas Wilson).
Guión: Eric Roth.
Producción: James G. Robinson, Jane Rosenthal y Robert De Niro.
Producción ejecutiva: Francis Ford Coppola, David Robinson, Guy McElwaine y Chris Brigham.
Música: Marcelo Zarvos y Bruce Fowler.
Fotografía: Robert Richardson.
Montaje: Tariq Anwar.
Diseño de producción: Jeannine Oppewall.
Vestuario: Ann Roth.
Estreno en USA: 22 Diciembre 2006.
Estreno en España: 4 Abril 2007.
Web: www.elbuenpastor-
lapelicula.es.
En MuchoCine.net:

La historia de esta popular agencia de espionaje es contada a través de la vida de uno de sus más insignes miembros fundadores: el agente Edward Wilson (interpretado fría e inexpresivamente adrede por Matt Damon). En sus años de juventud, Wilson es descrito como un sobresaliente estudiante de fuertes convicciones patrióticas. Pero, conforme se involucra en la sucia labor de la agencia, su vida quedará marcada por continuas renuncias: a la mujer que verdaderamente amó, a su pasión por la poesía o al cuidado y protección de su hijo.

Para añadir cierto suspense a un relato prolijo y difícil de seguir a poco que no se esté medianamente fresco, el guión de Eric Roth (Munich, El dilema…) propone una estructura fragmentada del relato. Una investigación concerniente a un fiasco de la CIA en Bahía de Cochinos siembra una intriga inicial cuyo desenlace quedará postergado hasta al final del filme para narrar, entre tanto, los pormenores de cómo nació esta agencia y de cómo Wilson fue labrándose un intachable prestigio de agente frío y eficaz.

De Niro dirige a la perfección a la pléyade de grandes actores de su extenso reparto. William Hurt, Michael Gambon, Joe Pesci, John Turturro, Alec Baldwin o Angelina Jolie, además del propio De Niro, interpretan con solidez cada uno de sus breves roles. No obstante, y a pesar de virtudes como ésta, la cinta pierde interés en algunas de sus numerosas subtramas. Otras sí juegan un papel sustancioso para detallar cómo se gestó esta sociedad secreta destinada a dirigir, cual titiritero global, los hilos de la política internacional en favor de los intereses norteamericanos. La recomendaría por su valor testimonial acerca de ese trabajo de fontanería llevado a cabo por espías solitarios y alejados por completo de la glamurosa imagen que el cine ha fomentado en tantas otras ocasiones.

OTRAS OPINIONES...
Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "Robert De Niro se excede en sobriedad a la hora de contarnos los orígenes de la CIA en El buen pastor"
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Jose, de Cine: "Estos actores metidos a directores, como Clooney en “Buenas noches y buena suerte”, Banderas, o De Niro, parece que dirigen para que sepamos que no son tontos"

Canibalismo emocional

2007-04-05T16:56:00.001+02:00

Un sobresaliente relato sobre la amargura de la soledad forzada, una interesante confrontación —rica en matices— entre dos tipos de moral y un curioso punto de vista sobre la relaciones entendidas como un objeto preciso, y codiciado por ende, para llenar el vacío emocionalLa inflexible profesora Barbara Covett (una excepcional Judi Dench) se retrata a sí misma cuando abre el filme con una de sus terribles acotaciones en su diario de juicios sumarísimos acerca de todo cuanto observa. Mientras mira con desdén la entrada de los adolescentes a las clases, su severa voz en off, diseminada por todo el metraje, comenta como ahora es costumbre requisar armas blancas o cocaína entre el alumnado, cuando hace unos años a los más que se llegaba era a unos cigarrillos o a unas revistas pornográficas. "Y a eso le llaman evolución", remacha la sarcástica voz de esta profesora de vuelta de todo que pronostica, para el futuro de sus alumnos, un negro panorama oscilante entre el desempleo y el terrorismo.

Título: Diario de un escándalo (Notes on a scandal)
Dirección: Richard Eyre.
País: Reino Unido.
Año: 2006.
Duración: 92 min.
Género: Drama.
Interpretación: Judi Dench (Barbara Covett), Cate Blanchett (Sheba Hart), Bill Nighy (Richard Hart), Andrew Simpson (Steven Connolly), Tom Georgeson (Ted Mawson), Michael Maloney (Sandy Pabblem), Joanna Scanlan (Sue Hodge), Shaun Parkes (Bill Rumer), Emma Kennedy (Linda), Syreeta Kumar (Gita).
Guión: Patrick Marber; basado en la novela de Zoë Heller.
Producción: Scott Rudin y Robert Fox.
Música: Philip Glass.
Fotografía: Chris Menges.
Montaje: John Bloom y Antonia van Drimmelen.
Diseño de producción: Tim Hatley.
Vestuario: Tim Hatley.
Estreno en Reino Unido: 2 Febrero 2007.
Estreno en España: 30 Marzo 2007.
Web: www.diariodeunescandalo.es
En MuchoCine.net:

Su solitaria vida ha devenido en un rencor y amargura a los que da rienda suelta cuando, pluma en mano, levanta acta de las mediocridades de las vidas ajenas. Pero su oportunidad para salir de su aislamiento le llegará con la incorporación de Sheba Hart (gran Cate Blanchett) al claustro de profesores de su conservador centro. Ella, y la bocanada de aire fresco que parece representar, también pasarán por el implacable filtro de Barbara. La describe como una burguesa de vida fácil, moral disoluta e indecorosamente franca respecto a su vida privada.

Pese a todo, la transparente Sheba llegará a cautivar a Barbara. Poco a poco, la veterana docente verá en su inocente pupila una oportunidad de salir de su reclusión social, de hallar una confidente a la que, con el tiempo y sus hábiles manejos, pueda atraer hasta el redil de una relación más profunda que la mera amistad. En este punto del metraje, el personaje de Barbara se hace cada vez más aterradoramente manipulador hasta el punto de aproximar a la cinta (un desliz que, de haberse consumado, habría restado credibilidad al relato) hasta los terrenos del psicothriller.

Con estos mimbres, Diario de un escándalo, una adaptación de la popular novela homónima de Zoë Heller guionizada por Patrick Marber (Closer), ofrece un sobresaliente relato sobre la amargura de la soledad forzada, una interesante confrontación —rica en matices— entre dos tipos de moral y un curioso punto de vista sobre la relaciones entendidas como un objeto preciso, y codiciado por ende, para llenar el vacío emocional.

El magnetismo del líder mesiánico

2007-04-02T22:26:00.001+02:00

¿Cuáles serán los ingredientes de esa atrayente pócima con la que algunos líderes rocían a su población sumergiéndola en un sentimiento de ciego seguidismo? ¿Quizá una mezcla de carisma, falsa empatía conciudadana y dosis de populismo a granel? Lo desconozco, aunque todos los líderes autoerigidos en salvapatrias han sabido jugar a la perfección con todos ellos.

Título: El último rey de Escocia (The last king of Scotland)
Dirección: Kevin Macdonald.
País: Reino Unido.
Año: 2006.
Duración: 121 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Forest Whitaker (Idi Amin), James McAvoy (Nicholas Garrigan), Kerry Washington (Kay Amín), Simon McBurney (Stone), Gillian Anderson (Sarah Merrit).
Guión: Peter Morgan y Jeremy Brock; basado en la novela de Giles Foden.
Producción: Andrea Calderwood, Lisa Bryer y Charles Steel.
Música: Alex Heffes.
Fotografía: Anthony Dod Mantle.
Montaje: Justine Wright.
Diseño de producción: Michael Carlin.
Vestuario: Michael O'Connor.
Estreno en Reino Unido: 12 Enero 2007.
Estreno en España: 23 Febrero 2007.
Web: www.foxsearchlight.com
En MuchoCine.net:

Idi Amin, presidente ugandés entre 1971 y 1979, es retratado con estos rasgos en El último rey de Escocia, cinta dirigida por Kevin Macdonald en la que sobresale, por encima de otras de sus virtudes, la excelente interpretación del siempre espléndido Forest Whitaker. Como en otros regímenes africanos, asistimos a la ascensión del presidente entre una abrumadora aclamación popular. Allí no importa que el líder se haga con el cargo armas mediante; de hecho, es moneda común en estos países donde la palabra democracia sólo sirve de eslogan. Una vez asentados en el poder, estos personajes de nula cualificación (supuestamente, Amin era analfabeto) son vistos como la mágica solución para todos los males del país. Pero, como la ilusión es de suyo efímera, al poco tiempo comenzará a aflorar el reverso más oscuro de toda dictadura.

Además de la cara del Amin coleguilla y simpático, El último rey de Escocia muestra otra muy distinta a través de los ojos de un joven médico escocés elegido por aquél para su cuidado personal y el de su vasta prole. Y Whitaker, con la perfección característica en él, consigue aunar en su interpretación los variopintos rasgos de la personalidad del ex presidente ugandés: por momentos, ingenuo e infantil, aunque, en el fondo, un aterrador sádico que, conforme su mandato se hacía más autoritorio y menos productivo, se vio apoderado por un paranoico pavor a un atentado contra su vida. Y ya se sabe que, en cerebros de limitada capacidad neuronal, la violencia suele ser la respuesta común a toda amenaza. De forma que, al término de su sangriento mandato, los historiadores cifraron en 300.000 el número de ugandeses pasados a cuchillo por el régimen de este ex campeón de boxeo.

Aunque algunos de los elementos de su trama suenen a tópicos y no terminen de funcionar (la posible relación adúltera entre el Dr. Nicholas —James McAvoy— y Sarah Merrit —Gillian Anderson— parece cerrada en falso), la cinta ofrece un notable retrato sobre el extraño poder de seducción que estos líderes advenidos como antídoto universal ejercen sobre la gente, sea más o menos letrada. Y de paso, con El último rey de Escocia, el cine vuelve a contribuir con su testimonio a denunciar otro de los tantos genocidios cometidos en África mientras en Occidente mirábamos para otro lado.

OTRAS OPINIONES...
Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "Lejos de tentaciones simplistas o maniqueas, y perfectamente dirigido, Whitaker construye un monstruo verdaderamente humano, lo que le hace aún más temible".
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Cineahora: "Una película que tampoco no es que sea redonda ni extraordinaria, sinó más bien irregular, ilustrativa y voluntariosa, y con algun toque efectista a lo “Un hombre llamado caballo” dudoso".

Miller: ¿abanderado de una tercera vía en el cine-cómic?

2007-03-24T15:35:00.001+01:00

La recomendaría a quienes estén dispuestos a embarcarse en un emocional relato épico con una estética absolutamente novedosa y sin esperar concesión alguna a las convenciones del géneroFrank Miller, renovador del cómic en la década de los 80 y uno de los genios consagrados del noveno arte junto a la leyenda de la novela gráfica Alan Moore, comienza a vislumbrar un nuevo futuro para el maridaje que viñetas y celuloide vienen protagonizando durante los últimos años: "Con 'Sin City' y '300' surge una especie de cine híbrido. Me encanta la energía que proporciona la animación. Y eso, unido al impacto visceral de los actores, logra una buena combinación. (…) Podría considerarse un largo 'affaire' que se ha convertido en matrimonio. (…) Antes, lo normal era que los cómics se expoliasen. Mantenían el nombre, pero la 'peli' podía pasar hasta por una parodia del tebeo. Ya es hora de que mi oficio salga de la selva y ocupe su sitio junto a otras formas artísticas".

Título: 300
Dirección: Zack Snyder.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 117 min.
Género: Acción, drama.
Interpretación: Gerard Butler (rey Leónidas), Lena Headey (reina Gorgo), David Wenham (Dilios), Dominic West (Theron), Vincent Regan (capitán), Michael Fassbender (Stelios), Tom Wisdom (Astinos), Andrew Pleavin (Daxos), Andrew Tiernan (Ephialtes), Rodrigo Santoro (Jerjes), Giovanni Antonio Cimmino (Pleistarchos).
Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad y Michael B. Gordon; basado en la novela gráfica de Frank Miller y Lynn Varley.
Producción: Gianni Nunnari, Mark Canton, Bernie Goldmann y Jeffrey Silver.
Música: Tyler Bates.
Fotografía: Larry Fong.
Montaje: William Hoy.
Diseño de producción: James Bissell.
Vestuario: Michael Wilkinson.
Estreno en USA: 9 Marzo 2007.
Estreno en España: 23 Marzo 2007.
Web: www.300-es.com
En MuchoCine.net:

Añadiría a las palabras de Miller que, dentro de este boom de traslaciones del cómic al cine, cabría una diferenciación similar a la ya establecida en el cómic desde hace años: la que separa el cómic adulto del resto de historietas destinadas a un público mayoritario de edades heterogéneas. Así, si por un lado estarían 'mainstreams' creados para destrozar la taquilla con títulos como Spiderman, Superman o Batman, por otro habría cintas aptas sólo para adultos basadas en cómics de culto, como las venideras Watchmen, la secuela de Sin City o esta 300. Los objetivos de ambos tipos, dada la dispar financiación que requieren unas y otras, serán muy distintos: mientras unas persiguen ingresos cuantiosos que trascienden los generados sólo por el filme, las otras, sin renunciar al éxito comercial, nacen desde el respeto al fondo y la forma de la obra adaptada. Y es probable que éstas sean mucho más rentables a la larga, a juzgar por sus contenidos presupuestos.

Sin ir más lejos, esta adaptación del sucinto cómic 300 ha contado con un presupuestos de unos 49 millones de euros y ya ha cosechado 100 millones en sus primeros diez días de exhibición en las salas norteamericanas. Pero además, y centrándome en aspectos estrictamente cinematográficos, el resultado de esta 'adaptación-traslación' es espectacular. Visual y argumentalmente, la cinta es un calco del mítico cómic de Miller. Rodada íntegramente sobre el fondo de una pantalla azul usado como lienzo al que luego añadir creativos fondos nacidos de un Mac, la cinta capta a la perfección las principales virtudes del cómic: la magnificación del heroísmo presente en la batalla de las Termópilas entre un puñado de aguerridos espartanos frente al gigantesco ejército del imperio persa.

Alejada voluntariamente de todo realismo y asumiendo por completo el estilo presente en el cómic, 300 ofrece dos horas de batallas cruentas, de artísticas desmembraciones de todo tipo de extremidades y cabezas, pero, ante todo, un sorprendente resultado visual del que el aventajado director Zack Snyder (El amanecer de los muertos, Watchmen…) es el principal responsable. También es fiel a la línea discursiva mantenida durante todo el cómic: la resistencia numantina de Esparta frente a la imparable expansión persa era la última esperanza de que la democracia y la libertad ciudadana perviviesen en Grecia. Esta 300 es una obra arriesgada que sólo Snyder podría haber rubricado con tanto éxito. La recomendaría a quienes estén dispuestos a embarcarse en un emocional relato épico con una estética absolutamente novedosa y sin esperar concesión alguna a las convenciones del género.

Winterbottom se pone cachondo

2007-03-21T16:21:00.000+01:00

*Crítica publicada originalmente en elojocritico.net el 17/12/05, tras su proyección en el Festival de Cine de San Sebastián de aquel año.

He de confesar que no me esperaba semejante arrebato de humor epatante de Winterbottom antes de ver su A cock & bull story (Historia de una polla y un toro). Semanas atrás había visto un film suyo, Código 46, a caballo entre la ciencia ficción y el drama romántico que me dejó bastante indiferente. Y antes de esta disparatada comedia, presentada a concurso en San Sebastián, este director también había estrenado aquí 9 songs, un drama de alto contenido erótico. Este copernicano cambio de género subraya la indiscutible capacidad del británico para pasar de un registro a otro. En este caso, creo que sí ha rubricado un film redondo al fusionar en un mismo guión la adaptación de una novela inadaptable, Vida y opiniones del Caballero Tristram Shandy, y una historia metadiscursiva en el que ironiza sobre el loco mundo del cine y las vicisitudes que atraviesan los involucrados en un rodaje.

Título: Tristram Shandy: A cock and bull story (Tristram Shandy: Historia de una polla y un toro)
Género: Comedia
Dirección:Michael Winterbottom
Interpretación: Steve Coogan (Tristram Shandy/Walter Shandy, Rob Brydon (Capitán Toby Shandy), Keeley Hawes (Elizabeth Shandy), Shirley Henderson (Susannah), Dylan Moran (Dr. Slop), David Walliams, Jeremy Northam, Benedict Wong, Naomie Harris, Kelly Macdonald, Elizabeth Berrington, Mark Williams, Kieran O'Brien, Roger Allam, James Fleet, Ian Hart, Ronni Ancona, Greg Wise, Stephen Fry, Gillian Anderson.
Guión: Martyn Hardy, basado también en la obra de Laurence Sterne, 'Vida y obras del Caballero Tristam Shandy'.
Fotografía: Marcel Zyskind
Música:Michael Nyman
Productores ejecutivos: Kate Ogborn, Julia Blackman, Jeff Abberley, David M Thompson, Tracey Scoffield, Henry Normal
País: Reino Unido (2005)
Duración: 107 minutos
Fecha de estreno de en España: 23 de marzo de 2007
Web: www.tristramshandymovie.com
En MuchoCine.net:

Los primeros treinta minutos transcurren a un ritmo frenético a partir de un diálogo absurdo en el que los dos protagonistas charlan sobre la “no blancura” de los dientes de uno de ellos. A continuación, abandonan la sala de maquillaje y ambos comienzan a encarnar los papeles de la película que ruedan: la adaptación de la inclasificlable y burlona novela de Laurence Sterne. Al tiempo que ruedan, Steve Coogan se interpreta a sí mismo, se dirige a la cámara y opina sobre cómo encarnan los niños a su personaje, Tristam Shandy, durante la infancia. Resulta de lo más cómico verle criticar la actuación de uno de ellos cuando se recrea el momento en el que Shandy se pilló el pene con una ventana. “Mira, pues creo que no debería chillar así, parece forzado; creo que debería hacerlo de otro modo…” O más hilarante y surrealista resulta el interminable parto del que nacerá Shandy, en el que la madre está a punto de reventar mientras los hombres de la casa, tranquilamente, charlan sobre batallas del pasado a la espera de que llegue el doctor con un fórceps para el parto; el artilugio médico llegará pero, dado lo poco perfeccionado que estaba para siglo XVIII, dejará a Shandy marcado de por vida con una nariz aguileña.

Tras el vertiginoso arranque, el ritmo se normaliza pero sin perder la comicidad de las situaciones vividas en un rodaje caótico. Se muestra la habitual rivalidad de vanidades que existe entre actores y, al tiempo, productores, guionistas y actores opinan sobre películas o actores que les gustan o disgustan. Aquí, Winterbottom se despacha a gusto con algunos colegas de profesión (la pulla al cine americano más comercial es evidente) y también alaba a sus favoritos. Los productores, como suele ser norma, ponen en tela de juicio el derroche de dinero para ciertas escenas, mientras que actores y directores defienden su postura para preservar el resultado artístico.

Winterbottom, que no ha querido ser tan cruel, se apiadó de unos personajes a los que no ha mostrado invariablemente caprichosos o quejicasY aunque se alojan en hoteles caros y ganan bastante dinero, los actores, como le ocurre al genial cómico Steve Coogan, también pasan sus pequeños baches, inseguros y temerosos de sus capacidades a veces, y malsanamente envidiosos con el éxito ajeno y el halago al compañero/rival. Además, como su sempiterna inmadurez les lleva a cometer algún que otro pecadillo sexual, han de rendir ciertas servidumbres a la prensa para sepultar tales deslices. Y para más inri, en una jornada tan intensa donde se mezclan estos avatares con las llamadas del agente proponiendo nuevos trabajos, apenas pueden atender sus deberes como buen padre y cumplir con su compañera en la cama. En definitiva, una vida caótica de la que el guionista Martin Hardy ha sabido sacar una original comedia aliñada con la típica flema británica.

Pero Winterbottom, que no ha querido ser tan cruel, se apiadó de unos personajes a los que no ha mostrado invariablemente caprichosos o quejicas. También les dejó expresar una parte más humana y cálida que no suele aparecer cuando el ombligo de uno acapara la propia vida. Aunque, en el caso de los artistas y gentes del espectáculo, quizá se les pueda disculpar un cierto exceso de ego por mor de una profesión tan escrutada y sometida constantemente a la opinión del público.

Al término del film, nuestros protagonistas, los guionistas, productores, actores y el director que habían adaptado la vida de Tristam Shandy, presencian en una pequeña sala una primera proyección de la cinta. Parecen no estar muy satisfechos con el resultado, pero los dos protagonistas, ajenos al tostón visto, vuelven a hacer el lelo y a picarse el uno al otro retomando el absurdo y cómico diálogo del principio. La comedia de Winterbotton no termina ni con los títulos de crédito; la inmadurez de los actores y sus alocadas vidas seguro que también seguirán más allá del The End.

Repaso a la IV Muestra de cine fantástico madrileña

2007-03-19T03:21:00.001+01:00

El segundo fin de semana de marzo aproveche mi visita a Madrid para acudir a la IV Muestra de Cine Fantástico apradinada por el canal Sci-Fi. Este pequeño evento comienza a alcanzar cierta solera con apenas cuatro años de vida. Las colas para acceder a los cines Palafox fueron las constante previa a cada sesión. Una amplia programación desarrollada durante las tardes-noche del jueves 8 de marzo, el viernes 9, el sábado 10 y domingo 11 abarcó variopintos géneros como el anime, el realismo fantástico, el terror o el cine épico oriental.

Junto a mi compañero Gabriel del Valle, firmo este pequeño repaso en elojocritico.net a algunos de las cintas exhibidas en la cita madrileña. Éstas fueran nuestras impresiones.

Sutiles complicidades

2007-03-12T19:12:00.001+01:00

Una nueva muestra de la envidiable salud que el cine germano viene exhibiendo a través de diversos trabajos que desentrañan, con ejemplar espíritu autocrítico, su historia recienteResulta difícil desentrañar cómo operan los engranajes de la empatía. Porque, en muchos casos, ésta suele derivar de leves detalles o recónditas casualidades. Y puede cogernos tan de improviso o calarnos con tal profundidad que, de súbito, nuestra percepción de la vida gire ciento ochenta grados. Por similar trance pasará en La vida de los otros el capitán Gerd Wiesler (un espléndido Ulrich Mühe), uno de los oficiales más eficientes de la Stasi, la policía secreta de la comunista y extinta República Democrática Alemana.

Título: La vida de los otros (Das leben der anderen)
Dirección y guión: Florian Henckel von Donnersmarck.
País: Alemania.
Año: 2006.
Duración: 144 min.
Género: Drama.
Interpretación: Martina Gedeck (Christina-Maria Sieland), Ulrich Mühe (capitán Gerd Wiesler), Sebastian Koch (Georg Dreyman), Ulrich Tukur (teniente coronel Anton Grubitz), Thomas Thieme (ministro Bruno Hempf), Hans-Uwe Bauer (Paul Hauser), Volkmar Kleinert (Albert Jerska), Matthias Brenner (Karl Wallner), Herbert Knaup (Gregor Hessenstein).
Producción: Quirin Berg y Max Wiedemann.
Música: Gabriel Yared y Stéphane Moucha.
Fotografía: Hagen Bogdanski.
Montaje: Patricia Rommel.
Dirección artística: Silke Buhr.
Vestuario: Gabriele Binder.
Estreno en Alemania: 23 Marzo 2006.
Estreno en España: 16 Febrero 2007.
Web: www.thelivesofothers.com
En MuchoCine.net:

Este grupo policial desarrolla una intensa labor de espionaje sobre todo sujeto sospechoso de actuaciones contrarias al omnipresente partido comunista y a su régimen, carcomido por una pléyade de arribistas y líderes corruptos. Lejos de haberse visto contaminado por el viciado ambiente, Wiesler continúa con su dedicación franciscana a la Stasi. Como queda demostrado en la modélica puesta en escena, es el interrogador y el 'detector' de elementos subversivos más eficaz. Ni duda ni tiene piedad, y su fidelidad al partido y al ideal comunista es intachable.

Pero su vida, tan gris como la de aquella RDA de los ochenta, se verá imprevisiblemente agitada mientras investiga a un prestigioso escritor (Sebastian Koch) y a su novia actriz (Martina Gedeck). Con ellos será incapaz de aplicar el férreo manual del delator como antaño y su aparente inhumanidad comenzará a deshacerse en la medida en que se siente concernido por las vidas ajenas investigadas.

Así, el filme de Florian Henckel von Donnersmarck va ganando en interés conforme teje una relación entre investigador e investigados basada en sutiles complicidades. El capitán vive, secreta y apasionadamente, los avatares de la vida de sus objetivos. Y al mismo tiempo, el espectador asiste al declive de un régimen estancado en su paranoico control de toda actividad disidente. En una sociedad como ésta, sin libertad para disentir, los artistas han de elegir entre crear al servicio del Estado o vivir en el frustrante ostracismo.

En cierto modo, esta ópera prima del prometedor Florian Henckel se sitúa en las antípodas de revisiones nostálgicas, como la vista en Good bye Lenin!, sobre los últimos años del comunismo en Alemania previos a la caída del muro. Pero, ante todo, constituye una nueva muestra de la envidiable salud que el cine germano viene exhibiendo a través de diversos trabajos que desentrañan, con ejemplar espíritu autocrítico, su historia reciente. Sin duda, el rosario de premios que viene acumulando esta La vida de los otros está más que justificado.

OTRAS OPINIONES...
Cineahora: "Secuencias e imágenes impresionantes, siempre surgiendo de la honradez, sobriedad y pasión contenida de la propuesta"
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Jose, de Cine: "Yo sé de sobra que la Stasi violó la intimidad de los alemanes, y sé que las vendettas de la mafia son perversas. Pero no quiero un director que entre a juzgarlas con su catecismo de valores. Quiero un director que me adentre en esos infiernos sin censuras mojigatas"

Morricone, en EP[S]: "La música del cine no pertenece al compositor que la escribe. Pertenece a la película"

2007-03-04T16:43:00.000+01:00

Haciendo buena su proverbial fama de gruñón, Ennio Morricone deja algunas interesantes opiniones sobre la música de cine en una entrevista que publica este domingo El País Semanal (EP[S]). Por ejemplo, a una interpelación sobre su capacidad para provocar nostalgia con su música, pese a que éste sea un sentimiento poco arraigado en su propia vida, comenta:

"Si una película requiere una música nostálgica, la compongo. Si necesita música dramática, también. La música del cine no pertenece al compositor. Pertenece a la película. Si hay algo del compositor, suele ser algo muy personal, muy íntimo, pero lo que prima es la necesidad de la historia que cuenta la película. Cada uno tiene su caligrafía; uno no puede sustraerse a lo que es, y puede llegar a convertirse muchas veces en una expresión personal. Apunte, apunte, pero me da la impresión de que no sabe usted de lo que estoy hablado".

A la pregunta de por qué ya no trabaja en EE UU, el italiano respondió con pocos rodeos, como es costumbre en él:

"— En Estados Unidos, ya apenas trabaja.
No, hace años. No me apetece, tengo ya mi edad y... en fin, que ya no... no me apetece... No...
— No qué...
Sí, a ver si entiende lo que digo. Que no, que es que no me sale de los cojones. Prefiero trabajar en Italia, y vale. No quiero trabajar mucho, ¿entiende? ¡Además, me ponen estas entrevistas que me agotan!"

Lo dicho, genio y figura.

Tres apuntes de unos Oscar rompe-quinielas

2007-02-27T10:36:00.000+01:00

La feria del 'glamú', que diría la álter ego de trapo de Penélope Cruz, concluyó con resultados predecibles y obvios, como los triunfos de Helen Mirren y Forest Whitaker, pero deparó sorpresas de cierto fuste como el atracón de premios gordos para el menudo y genial Scorsese. Al bueno de Martin le quisieron rendirle el homenaje que tantas veces le han negado y, para la escenificación del tributo, no pudieron elegir mejor foto que ésta de la izquierda (el italiano con sus amigos, aquella generación de los 70 que revolucionó Hollywood y el cine en general).

Tres apuntes:

Scorsese se libra del sambenito del '¿Y este año toca?' Aunque haya sido como aprisa y corriendo, como tratando de evitar que la Academia deba agradecer la impagable contribución de Martin al cine con un premio honorífico u otro sucedáneo compensatorio similar, me alegro del triunfo de The Departed (crítica), su último filme, y de que así se cierre el absurdo debate de por qué no había ganado un Oscar alguien con tan envidiable filmografía a sus espaldas.
Genial Morricone: "Este premio es un punto de partida". Que un tipo de casi 80 años diga similar frase cuando le entregan un premio honorífico es para quitarse el sombrero. El prolífico compositor, el innovador de tantas cosas en lo que a bandas sonoras se refiere, protagonizó uno de los mejores momentos de la gala (para quien esto escribe, sin duda, el mejor). De la mano de Clint Eastwood, con quien echó a andar su carrera como compositor de 'scores', recibió un Oscar que ya había merecido en tantas otras ocasiones, pero que venía a reparar uno de esos sacrílegos olvidos tan propios de la Academia.
Del Toro, ese hombre-orquesta al que todos quieren. Aunque les llamen técnicos, tres Oscar para una película rodada en castellano y al margen por completo de la industria norteamericana, no es moco de pavo ni está al alcance de cualquiera. Propablemente, la cinta alemana ganadora (que aún no he visto, y en torno a la que coinciden comentarios de lo más elogiosos), sea el mejor filme de la categoría (el propio director mexicano, en un gesto noble, decía haberse asustado tras ver su cinta rival y admitir lo buena que es), pero Guillermo del Toro y su forma de entender el cine salen más que fortalecidos de este año repleto de parabienes para El laberinto del Fauno (crítica). Me quedo con el agradecimiento que todos los ganadores de un Oscar por El laberinto... le rindieron al mexicano. Trabajar con este hombre debe resultar exigente pero, verdaderamente, apasionante.

Secuencias (VI): The Untouchables (Los Intocables)

2007-02-23T00:55:00.000+01:00

Muchas de sus partituras para los spaghetti western de Leone merecían por sí mismas un Oscar que nunca recibió. Pero, sin duda, la magnífica banda sonora que Morricone compuso para uno de los mejores filmes de De Palma, Los Intocables, debió ganar el Oscar de 1988 a mejor banda sonora (premió con el que se hizo David Byrne por El último emperador). Cómo recrea aquellos años de apogeo de la mafia de Capone en Chicago, o cómo subraya los instantes más emocionantes de la cinta (por ejemplo, la muerte del agente Jim Malone interpretado por Connery) constituyen todo un ejemplo magistral del papel sublimador que una banda sonora debe jugar en una película. Os dejo una secuencia cuyo impacto no sería tal sin la notas del maestro italiano, aunque otras muchas podría seleccionar de este filme modélicamente musicado. Espero que os guste.
[+] Secuencias (V): Hasta que llegó su hora
[+] Secuencias (IV): Amadeus
[+] Secuencias (III): La lista de Schindler
[+] Secuencias: (II) Kill Bill, vol.1
[+] Secuencias: (I) Entre copas (Sideways)

El filón del cómic se vuelve rutinario

2007-02-18T03:06:00.000+01:00

Uno sale empachado de tanto truquito visual generado por ordenador y sin haber encontrado atisbo alguno de épica u emoción en una cinta que, precisamente, debería ofrecer ambas cualidades a raudalesEl cíclico estreno de una cinta basada en un superhéroe de cómic le sigue siendo muy rentable al cine, pero tanta sobreabundancia puede resultar perniciosa por la repetición de esquemas y estilos narrativos en cada nueva entrega. Posiblemente, la causa de que las adaptaciones sean cada vez más rutinarias esté en el origen de estos proyectos, concebidos casi todos como el inicio de una secuela que deparará cuantiosos réditos comerciales. Con cada puesta de largo de un héroe de viñetas se ansía constituir una franquicia . Y así, estas entregas sobre el origen de los personajes suelen copiarse unas a otras en sus estructuras y contenidos. Partimos con el personaje sin sus superpoderes, explicamos el trauma —en caso de que lo haya— por el que le son otorgados los mismos, y luego la historia sigue el predecible curso de un héroe que ajusticia a sus antagonistas y combate el mal.

El motorista fantasma sigue al dedillo este guión y, para su argumento, ha preferido tomar ideas de los cómics recientes de este personaje, desarrollados en ambientes urbanos, y desechar (menos en un tímido guiño de la película) las primeras —y mejores— historietas recreadas en áridos y solitarios desiertos. Todo el juego que este personaje podía ofrecer por la ambivalencia que se da entre el motorista acróbata Johnny Blaze y el ente diabólico que de él se apodera, un sicario de Mefistófeles, se va al traste por impericia del guionista o por esa necesidad comercial de crear un filme para un público de todas las edades; apostaría sin dudarlo a que esta adaptaciones-molde responden más a esta última causa.

Desde la propia elección del reparto, ya se advierte un tufillo poco osado en este nuevo 'mainstream-comiquero'. Nicolas Cage, que perdía el culo por hincarle el diente a un superhéroe, vuelve a estar pasado de rosca y con la gestualidad propia de un yonqui. Peter Fonda, perdido en la marabunta de 'tv-movies' norteamericanas, retorna al universo hollywoodiense para hacer de Mefistófeles. El hijo rebelde de American Beauty, Wes Bentley, que también andaba un pelín desaparecido, hace de malo como hijo del Diablo. Y la voluptuosa Eva Mendes (una mujer para quitar el hipo) asume obedientemente el protocolario papel de bella novia del héroe de marras.

Así, al final uno sale empachado de tanto truquito visual generado por ordenador y sin haber encontrado atisbo alguno de épica u emoción en una cinta que, precisamente, debería ofrecer ambas cualidades a raudales. Esto del 'cine-cómic' me empieza a aburrir.

Título: Ghost Rider: El Motorista Fantasma (Ghost Rider) / Dirección: Mark Steven Johnson. / País: USA. / Año: 2007. / Duración: 114 min. / Género: Acción, fantástico. / Interpretación: Nicolas Cage (Johnny Blaze), Eva Mendes (Roxanne Simpson), Wes Bentley (Blackheart), Sam Elliott (Caretaker), Donal Logue (Mack), Peter Fonda (Mefistófeles). / Guión: Mark Steven Johnson; basado en el personaje de Marvel Comic. / Producción: Avi Arad, Steven Paul, Michael De Luca y Gary Foster. / Música: Christopher Young. / Fotografía: Russell Boyd. / Montaje: Richard Francis-Bruce. / Diseño de producción: Kirk M. Petruccelli. / Vestuario: Lizzy Gardiner. / Estreno en USA: 16 Febrero 2007. / Estreno en España: 16 Febrero 2007. / Web: www.sonypicturesreleasing.es / Mi valoración en MuchoCine.net:

[+] El motorista fantasma, para 2007

Niños grandes

2007-02-14T17:02:00.000+01:00

Profundiza, dando en la llaga con precisión clínica, en esa irrenunciable naturaleza infantil que nos es común y nos sitúa ante inseguridades, caprichos o huidas que tambalean nuestra existenciaAdemás de para descubrir el gran talento interpretativo de Tom Wilkinson, En la habitación me sirvió para seguir la pista de un director capaz de hurgar en los sentimientos con la precisión de un cirujano. Pese a su apariencia de telefilme, aquella cinta, primer largo de Todd Field, sentó las bases de sus virtudes cinematográficas como realizador: un modélico trabajo en la dirección de actores y el ritmo sosegado de un cine que desentraña, con el mayor detalle, los distintos pliegues de sus personajes. En Juegos secretos (inapropiada traducción del original Little children), los aciertos de su predecesora siguen intactos, e incluso mejorados, pero también adolece de algunos de los defectos de aquélla. Como su preferencia por determinados personajes, mejor perfilados, frente a otros que tienden a ser retratados con brocha gorda y tirando de estereotipos. O la utilización, más bien precipitada, del tentador recurso de cerrar historias cruzadas con un trágico final.

Título: Juegos secretos (Little children)
Dirección: Todd Field.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 130 min.
Género: Drama.
Interpretación: Kate Winslet (Sarah Pierce), Patrick Wilson (Brad Adamson), Jennifer Connelly (Kathy Adamson), Gregg Edelman (Richard Pierce), Noah Emmerich (Larry Hedges), Jackie Earle Haley (Ronald James McGorvey), Phyllis Somerville (May McGorvey), Ty Simpkins (Aaron Adamson), Sadie Goldstein (Lucy Pierce).
Guión: Todd Field y Tom Perrotta; basado en la novela de Tom Perrotta.
Producción: Albert Berger, Ron Yerxa y Todd Field.
Música: Thomas Newman.
Fotografía: Antonio Calvache.
Montaje: Leo Trombetta.
Diseño de producción: David Gropman.
Vestuario: Melissa Economy.
Estreno en USA: 3 Noviembre 2006.
Estreno en España: 9 Febrero 2007.
Web: http://www.littlechildrenmovie.com/
En MuchoCine.net:

Pese a todo, Little Children es una interesante cinta que asume el difícil reto de relatar, sin adoctrinar o incluir moralina, cómo conviven varias familias de clase media/alta en la típica urbanización norteamericana. Centra su narración en el idilio estival que viven Brad Adamson (Patrick Wilson) y Sarah Pierce (magnífica Kate Winslet) a espaldas de sus respectivas parejas: Kathy Adamson (Jennifer Connelly) y Richard Pierce (Gregg Edelman). Sin justificar con cursis coartadas románticas ni censurar la relación adúltera, ésta es planteada como la consecuencia de un aburrimiento infantil o de una ingenua búsqueda de la felicidad nacida de esa constante insatisfacción vital tan común entre nuestras sociedades.

La voz en off del relato, proveniente del personaje de Winslet, describe su hartazgo hacia su marido o hacia su hija, a quien califica de caprichosa y egoísta sin reparar en la condición de niña de aquélla. Así, cuando en su vida irrumpe una inesperada bocanada de aire fresco a raíz de su relación con Brad, cree sentirse sumida en una felicidad pura y cristalina, en las antípodas de su gris y rutinaria vida. Y a Brad le ocurre algo parecido. No es infeliz en su rol de amo de casa o como principal responsable de la crianza de su hijo, pero tampoco es feliz en su continuo debatir entre estas obligaciones domésticas y la presión familiar para que apruebe el examen que le resta para graduarse en Derecho. Se siente como despojado de sus años de juventud al haber asumido responsabilidades desde temprana edad.

Otro personaje, cuya historia sirve para hilvanar el conjunto, es el pedófilo Ronald James McGorvey (magnífico Jackie Earle Haley pese a estar muy mal doblado). Aunque es consciente de su patológica atracción hacia los niños, no consigue superar su condición de enfermo ni con el apoyo de su madre, única persona por la que se siente querido. Y menos aún en un barrio donde es vigilado y perseguido hasta la extenuación por padres asustados por la amenaza que Ronald representa para sus hijos (excelente la escena de la piscina, con guiño incluido a las estampidas que el Tiburón de Spielberg generaba entre los bañistas). La historia de Ronald viene emparejada con la del policía retirado Larry Hedges (Noah Emmerich), un hombre con un matrimonio fracasado, perdido tras su expulsión del cuerpo policial por un grave error que cometió estando en servicio y, como otros personajes del filme, necesitado del cariño y el reconocimiento de un niño grande que se siente marginado.

Al final, Little children solapa con algunos de los aciertos apuntados puntos más flojos como un ritmo irregular por momentos y el uso abusivo, casi colindante con el apunte autoexplicativo, de la voz en off. Pero sí profundiza, dando en la llaga con precisión clínica, en esa irrenunciable naturaleza infantil que nos es común y nos sitúa ante inseguridades, caprichos o huidas que tambalean nuestra existencia, pero también la de quienes son tenidas por personas cuerdas, sensatas y ponderadas. De forma que, en más de una ocasión, seamos y nos comportemos más como unos niños grandes que como los adultos que aparentamos ser.

OTRAS OPINIONES...
Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "Juegos secretos (o sea, Little Children) no es la gran película que podía haber sido. Pero tiene momentos para el recuerdo, como la gran Kate Winslet hablando de Madame Bovary".
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pequeñoIban!, de ¿Y si esta vez te quedaras?: "No hay que limitar Little Children a una reflexión sobre el sufrimiento del menor, ni a un pensamiento en voz alta acerca de como a los 30 seguimos sin madurar, en cambio si hay que entenderla como el retrato fiel de nuestra facilidad para escapar de la felicidad".
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Francisco Bellón, en Muchocine.net: "La propuesta inicial del film, a pesar de una desastrosa narración en forma de voz en off, cautiva al espectador, con una primera media hora muy atractiva. Sin embargo, poco a poco la trama se va debilitando, sin tardar demasiado en desmoronarse por completo".

Esta peña da mucho miedo

2007-02-06T12:24:00.000+01:00

Uno se queda apenado por esos niños a los que se les aplica un cruel lavado de cerebro y se les obliga a seguir, con sufrimiento, los desquiciados principios de esta nueva fórmula de integrismo occidentalImagine que un día, mientras ve las noticias o un documental del canal Historia, asiste perplejo a la homogénea y radical formación de las Juventudes Hitlerianas o, en tiempo presente, a la de unos niños musulmanes adiestrados por talibanes. Probablemente piense que es horrible educar de esa manera a la inocente mente de un niño aún en plena fase de formación, y también piense para sí que sería imposible la aplicación de tácticas similares entre los niños y adolescentes de nuestras sociedades 'avanzadas y democráticas'. Pero si tiene la suerte de poder visionar el clarividente y espléndido documental Campamento Jesús (Jesus Camp), nominado al Oscar de su categoría este año, todo lo anterior le parecera de lo más discutible.

Título: Jesus Camp (El Campamento de Jesús)
Año: 2006
Duración: 87 min.
Género: Documental
País: Estados Unidos
Dirección y guión: Heidi Ewing y Rachel Grady
Música: Michael Furjanic, Neill Sanford Livingston
Fotografía: Mira Chang, Jenna Rosher
Producción: Magnolia Pictures presenta una producción A&E Indiefilms / Loki Films
Web: www.jesuscampthemovie.com
En MuchoCine.net:

El documental de Heidi Ewing y Rachel Grady está rodado en EE.UU. y se centra en la rampante y poderosa comunidad de ciudadanos creada en torno a la Iglesia Evangélica. Concretamente, la cinta narra cómo son reclutados niños de unos 10 años y edades inferiores para el campamento de Dakota del Norte, Kids of fire, dirigido por Becky Smith (la señora de la foto). Una vez allí, uno presencia, con no menos perplejidad a la anteriormente vista en la fase de captación inicial, cómo estos niños son educados en 'supuestos' valores cristianos con prácticas propias del integrismo religioso más radical.

Les instan a retomar el control de su país, al grito de que son soldados de Cristo, para evitar 'contaminaciones' procedentes de etnias no cristianas como musulmanas o de otra índole. Veneran cual paso de Semana Santa una fotografía del presidente Bush (declarado seguidor de los evangélicos) y piden a Jesús que ilumine a éste para poner toda la nación bajo Dios ("one nation under God"). Todo estos mensajes son presentados en espectaculares 'shows' similares a un concierto, con efectos de sonido y luz, a unos niños que llegan a entrar en trance en los momentos cumbre del acto. Se les ve llorar a lágrima viva cuando rezan o se arrepienten de sus pecados, o se les ve cómo convulsionan sus cuerpos como si les diese el baile de San Vito cuando el Espíritu Santo va a entrar en ellos.

Pero el documental va más allá, y muestra como, tras todo este movimiento religioso, hay un manifiesto interés por acaparar el control político de las principales instituciones del país. De hecho, es ése, y no otro, el principal mensaje que machaconamente repiten en mucho de los actos de centrifugado cerebral, pidiendo el voto de manera descarada para grupos de poder similares al que Bush lidera en la Casa Blanca. Así, en estos 'shows' religiosos se habla más de poder y de identificar al enemigo (todos aquellos que no abrazan la fe de ellos, es decir, los distintos) para homogeneizar toda la sociedad en torno a sus principios evangélicos. De forma que no se ven muchas diferencias entre movimientos como éste y, por ejemplo, otros como el de supremacía aria.

En el documental, el contrapunto a este grupo lo ponen desde el influyente programa de radio Ring of Fire, de Mike Papantonio y Robert F. Kennedy Jr. En el espacio se advierte sobre el brutal crecimiento de este movimiento, que alcanza entre a 80 y 100 millones de noteamericanos. Se denuncia cómo este grupo resquebraja la división constitucional entre Estado y Religión y cómo se aprovechan de la tierna mente de los niños para extender su mensaje de división entre las generaciones futuras.

Terminado el documental, uno recapacita, entre la alucinación y el pavor, sobre el hecho de que alguien con ideas similares sea el presidente de la principal potencia del mundo. Pero, sobre todo, uno se queda apenado por esos niños a los que se les aplica un cruel lavado de cerebro y se les obliga a seguir, con sufrimiento, los desquiciados principios de esta nueva fórmula de integrismo occidental.
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Trailer del documental.

Tiempos de ebullición política y social

2007-02-03T03:11:00.000+01:00

Estévez, con el cómplice respaldo de un pléyade de estrellas y amigos, se ha embarcado en un proyecto muy personal que quizá sea su mejor filme como realizador pero que se queda a varios peldaños de la excelenciaResulta curioso el cuantioso número de cintas corales que vienen poblando la cartelera últimamente. No quiero pensar que el fenómeno Crash haya sido el detonante de todo, pero empiezo a sospechar que muchos han elegido tal fórmula atraídos por el tufillo de la estatuilla dorada. Bobby, el tercer largometraje dirigido por Emilio Estévez, también apuesta fuerte por un relato fragmentado siguiendo la estela de una indisimulada influencia reconocida por el propio Estévez, la del maestro de las historias-mosaico, Robert Altman.

Título: Bobby
Dirección y guión: Emilio Estevez.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 120 min.
Género: Drama.
Interpretación: Harry Belafonte (Nelson), Joy Bryant (Patricia), Nick Cannon (Dwayne), Emilio Estevez (Tim Fallon), Laurence Fishburne (Edward Robinson), Heather Graham (Angela), Anthony Hopkins (John Casey), Helen Hunt (Samantha), Lindsay Lohan (Diane), William H. Macy (Paul Ebbers), Demi Moore (Virginia Fallon), Martin Sheen (Jack Stevens), Christian Slater (Timmons), Sharon Stone (Miriam Ebbers), Elijah Wood (William Avary), Ashton Kutcher (Test).
Producción: Michel Litvak, Edward Bass y Holly Wiersma.
Música: Mark Isham.
Fotografía: Michael Barrett.
Montaje: Richard Chew.
Diseño de producción: Patti Podesta.
Vestuario: Julie Weiss.
Estreno en USA: 23 Noviembre 2006.
Estreno en España: 19 Enero 2007.
Web: www.mangafilms.es/bobby

La cinta pivota entre el homenaje al legado ideológico del senador Robert Francis 'Bobby' Kennedy y el recuerdo nostálgico de unos años clave en la historia norteamericana desde el punto de vista político y social. En aquella etapa nacieron grupos por la liberación femenina, de lucha contra el racismo o el movimiento 'hippie', entre otras manifestaciones contraculturales. Además, todo aquel ambiente fue el caldo de cultivo que impulsó la liberación sexual y la experimentación psicodélica con las drogas propias de los 60 y 70. Pero, como también retrata el filme, en aquellos años la población contaba con una fuerte conciencia política espoleada por las protestas contra la guerra de Vietnam. La gente abrigaba francas esperanzas en un cambio para superar los diversos frentes abiertos en su país. Y Bobby Kennedy, como si se tratase del último clavo ardiendo al que agarrarse tras los asesinatos de JFK y Martin Luther King, personificó y aglutinó los anhelos de cambio para un país dividido.

Así, la cinta concentra el relato de las diversas historias personales en torno a la horas previas al asesinato del senador por Nueva York y candidato demócrata a las presidenciales. Las secuencias de cada una de las historias se intercalan unas con otras y con imágenes de archivo de algunos de los discursos y actos públicos de Kennedy. Todas destilan el espíritu de esperanza que impregna el relato, pero sólo algunas consiguen emocionar. Por tanto, los aciertos de unas se ven ensombrecidas por la flojedad de otras, y el conjunto del filme quizá se ve lastrado por un exceso de discurso político, pese a que el fondo del mismo sea compartible al cien por cien.

Estévez, con el cómplice respaldo de un pléyade de estrellas y amigos, se ha embarcado en un proyecto muy personal que quizá sea su mejor filme como realizador pero que se queda a varios peldaños de la excelencia.

OTRAS OPINIONES...
Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "Como conjunto, Bobby no acaba de cuajar; pero Laurence Fishburne, Freddy Rodríguez, Sharon Stone, Demi Moore o Christian Slater se encargan de regalarnos unos solos que salvan una cinta acomplejada por su extenso reparto".
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Donnie, de The made me do it: "Muestra las experiencias de gente corriente a la vez que conmemora la figura de un hombre extraordinario, mientras que sirve de "momento instantanea" de aquella trágica noche".

El salvaje ocaso de una civilización

2007-02-02T04:01:00.000+01:00

La riqueza de recursos con la que están rodadas las persecuciones y las luchas apenas tienen parangón. Y aún así no desaparece en esta parte el halo poético de todo el conjunto"Una gran civilización no es conquistada desde fuera hasta que no se ha destruido a sí misma desde dentro", con esta frase del historiador francés W. Durant comienza la nueva película de Mel Gibson. Es el prólogo de una cinta que resulta más apabullante por su potencia visual que por su mensaje subyacente condensado en la cita anterior. Una arriesgada apuesta de un director ajeno a modas de la industria o a intromisiones comerciales. Porque se tiene que estar muy al margen de todo ello para rodar una película sobre el final de la otrora poderosa civilización maya, hacerlo en yucatec y con un reparto de actores sin experiencia previa reclutados desde México, Nuevo México, el Sur de California, toda América Central y Canadá. Y el resultado es una magnífica cinta en todo su andamiaje audiovisual e interesante en su relato, claramente dividido en dos: la presentación de la vida tribal de una aldea, y la destrucción de ésta a manos de una fuerza invasora diezmada por las enfermedades que, con pavor, achacan a la furia de sus dioses.

Título: Apocalypto
Dirección: Mel Gibson.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 139 min.
Género: Drama, aventuras, acción.
Interpretación: Rudy Youngblood (Jaguar Paw), Dalia Hernandez (Seven), Jonathan Brewer (Blunted), Raoul Trujillo (Zero Wolf), Gerardo Taracena (Middle Eye), Rodolfo Palacios (Snake Ink), Fernando Hernandez Perez (sumo sacerdote), Maria Isidra Hoil (oráculo).
Guión: Mel Gibson y Farhad Safinia.
Producción: Mel Gibson y Bruce Davey.
Música: James Horner.
Fotografía: Dean Semler.
Montaje: John Wright.
Diseño de producción: Tom Sanders.
Vestuario: Mayes C. Rubeo.
Estreno en USA: 8 Diciembre 2006.
Estreno en España: 19 Enero 2007.
Web: www.apocalypto.aurum.es

Antes de ese punto, Gibson hace una aproximación con el mayor afán de verismo posible a la vida cotidiana de los miembros de una aldea maya: dedicados a la caza y la crianza de sus hijos. Se toma su tiempo el filme en describir aquella vida en la que se respetan las leyes de la naturaleza y los ancianos son venerados como fuente de sabiduría. Pero la semilla de un destino terrible ya es plantada en ese prólogo cuando Jaguar Paw (Rudy Youngblood) contempla un hecho que la inquieta durante una jornada de caza. Por primera vez en su vida el miedo se apodera de él de forma extraña; una desagradable sensación de la que su padre le advierte severamente como si ésta fuese una peste capaz de contagiar a todo su pueblo.

Y con miedo asistirá al espectador a la salvaje destrucción de la aldea de Jaguar Paw. Ahí es donde comienza una segunda parte del relato más familiar para el espectador, con la estructura típica de una cinta de acción pero, en este caso, envuelta toda ella por unas potentes imágenes rodadas con el nervio de quien maneja con absoluta destreza el lenguaje del cine. La riqueza de recursos con la que están rodadas las persecuciones y las luchas apenas tienen parangón. Y aún así no desaparece en esta parte el halo poético de todo el conjunto.

En esta adrenalítica parte del metraje, Paw asistirá a la cruel destrucción de su pueblo y al terrible abandono de los niños tras ser capturados todos los adultos. Ellos serán conducidos a una gran ciudad maya en pleno declive, azotada por la enfermedad, la corrupción y el esclavismo. Las mujeres serán vendidas como esclavas, mientras que los hombres serán conducidos a una gran pirámide-altar para ser sacrificados como ofrendas a Kukulkan, el gran dios del Sol, a quien ruegan porque cesen la sequía y las plagas. La suerte, en forma de eclipse, le salva el pellejo a nuestro protagonista, quien tiene una poderosa razón en su aldea para luchar por su vida hasta la extenuación.

Como si de una cacería se tratase, en la que los papeles de cazador y presa se invierten constantemente, Paw será perseguido por sus captores una vez consiga escapar. En esta parte, siguiendo la tónica general del filme, la explícita violencia se agudiza. Una violencia que ha acarreado no pocas polémicas, no sólo por ser excesiva hasta la repulsión, sino porque quienes se consideran herederos de ese pasado califican el filme como una difamación de la civilización maya.

No sé hasta qué punto el rigor histórico ha flaqueado para sucumbir a ese lado tan 'gore' de Gibson. Por ejemplo, en el artículo que enlazo hablan de que se describen "a los mayas como practicantes del sacrificio humano, al sacar el corazón de la víctima en un espectáculo público en la cima de una pirámide. Éste era un ritual azteca y no maya, un hecho muy conocido para cualquier estudiante de historia mesoamericana (...)". No obstante, el conjunto del relato es más que notable y en su epílogo remacha el argumento expresado en la cita de Durant.

OTRAS OPINIONES...
Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "Con la extraordinaria Apocalyto, Mel Gibson llega a su madurez como director. Una obra maestra admirable, llena de nervio y firmada por alguien que respira cine".
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Jose, de Cine: "Mel Gibson lleva a rajatabla uno de los primeros principios del buen guión: al heroe hay que maltratarlo".
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Cineahora: "Creo que este tipo acaba de inventar un nuevo (sub) género: el gore-histórico. Será un bocazas y un alcohólico, pero por muchas cabezas que rueden, que no sea la suya. ¡Cómo filma este tío!"

Goyas: ¿calladitos o pancarteros?

2007-01-31T04:22:00.000+01:00

He leído algunas reseñas de prensa y textos de blogs sobre la gala del lunes en la que un Almodóvar ausente recibió una carretada de premios, El laberinto del fauno otro buen puñado de índole mayoritamente técnica (excepto el de mejor guión) y hubo un justo reconocimiento para la gran AzulOscuroCasiNegro. Premios al margen, me llama la atención que se destaque, y en general positivamente, la ausencia de consignas políticas en esta edición de los Goya, menos soporíferos de lo habitual y de una duración más contenida. Algunos ya sé que lo hacen con esa segunda intención politiquera tan nuestra: "como manda la 'progresía', este año se rajan los abajo firmantes". Y es curioso que no nos guste que los actores o directores opinen (otra cosa es que nos disgusten sus opiniones o la forma, más o menos panfletaria, en que las expresen) y, sin embargo, sí les reclamemos a las estrellas de Hollywood más pringamiento a la hora de cantarle las cuarenta a su simio-presidente. ¿Recordais aquellos Oscar coincidentes con la Guerra de Irak y cómo desde aquí se censuró la tibieza crítica de la gala y cómo aclamamos, cual héroe, a Michael Moore por ser el único en decir lo que pensaba? Yo defiendo que el artista, que es también un ciudadano como cualquiera de nosotros, diga lo que piensa siempre que lo haga razonadamente y con estilo (y si es a través de su obra, mejor que mejor). Tanto más si es para defender cosas tan de cajón como la paz, pues no sé qué reparos se le pueden poner a un mensaje tan de sentido común. Bueno, a no ser que tengamos ideas tan exterminadoras como las del coronel Kurtz.

La puerta trasera de Hollywood

2007-01-29T01:01:00.000+01:00

Una más que notable película para conocer la amarga trastienda oculta bajo el ‘glamour’ y el lujo de aquellos años de oro del cineNo siempre los trapos sucios del reluciente mundo de las estrellas se han lavado en casa. A veces, la industria del cine ha aireado sus propias vergüenzas a través de lo que mejor sabe hacer: películas. Probablemente, en la cúspide de trabajos de esta temática siempre esté el clásico de Wilder Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses). También Robert Altman (en El juego de Hollywood) retrató con acidez las miserias de quienes dirigen el cotarro de esta fábrica de ilusiones capaz de generar tanta basura de puertas para adentro. Hollywoodland, primer largometraje del realizador televisivo Allen Coulter (12 capítulos de Los Soprano y uno de A dos metros bajo tierra, entre otras series, le avalan), es también un relato sobre estos sumideros basado en la triste historia real del suicido de George Reeves, actor que se hizo famoso por su papel en la serie Las Aventura de Superman.

Título: Hollywoodland
Dirección: Allen Coulter.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 125 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Adrien Brody (Louis Simo), Ben Affleck (George Reeves), Diane Lane (Toni Mannix), Bob Hoskins (Edgar Mannix), Lois Smith (Helen Bessolo), Robin Tunney (Leonore Lemmon).
Guión: Paul Bernbaum.
Producción: Glenn Williamson.
Música: Marcelo Zarvos.
Fotografía: Jonathan Freeman.
Montaje: Michael Berenbaum.
Diseño de producción: Leslie McDonald.
Vestuario: Julie Weiss.
Estreno en USA: 8 Septiembre 2006.
Estreno en España: 3 Enero 2007.
Web: www.hollywoodland.terra.es

La extraña muerte de Reeves a los 45 años de edad siempre se prestó a diversas hipótesis. La ‘oficial’ venía a decir que el actor, amargado por su encasillamiento en el papel televisivo de Superman y tras dar por acabada su carrera como actor de cine, decidió poner fin a su vida de un disparo. Pero las dudas nunca llegaron a disiparse, y en torno a ellas gira el núcleo central de Hoollywoodland. Un detective privado sin grandes casos sobre su mesa, Louis Simo (Adrien Brody), ve en esta investigación la ocasión perfecta para levantar vuelo dado el gran alcance mediático del caso. Pero, conforme indaga en la vida de Reeves, más paralelismos encontrará con su propio drama personal: divorciado de su esposa, con un hijo del que poco sabe y una amante/secretaria que le engaña. Así, las secuencias de la vida de Reeves se mezclan con la de Simo y el tono de thriller de la investigación con el drama de las historias de ambos personajes.

El trabajo de Coulter en la realización es aseado, pero lo mejor de esta cinta son las magníficas interpretaciones del reparto. Comenzando por el mejor trabajo de la carrera de Ben Affleck, un actor del que algunos ya dudaban que poseyera tal condición. El californiano ganó la Copa Volpi y estuvo nominado en los Globos de Oro por un papel lleno de matices para dar vida a Reeves, “un hombre —afirma Affleck— al que le llamaban ‘George el honrado’, e intentaba siempre hacérselo pasar bien a los demás, aunque en cierto sentido lo hacía para sentirse querido él mismo”. También añade el actor, quien se documentó concienzudamente para su personaje, que “era generoso y prestó más dinero del que en realidad tuvo, (…) pero no era perfecto; era ambicioso e impaciente y puede que algo superficial”. Del resto del reparto, Adrien Brody está tan bien como casi siempre, algo que no es noticia en su caso, una guapísima Diane Lane demuestra que mejora como actriz como un buen vino y Bob Hoskins vuelve a exhibir su talento para un papel ya habitual en él, el del temible pez gordo que no amenaza en balde. En suma, una más que notable película para conocer la amarga trastienda oculta bajo el ‘glamour’ y el lujo de aquellos años de oro del cine.

OTRAS OPINIONES...
Rosenrod, de Dioses y Monstruos: "¡Increíble! La Copa Volpi que le cayó encima a Ben Affleck en el Festival de Venecia por Hollywoodland... ¡era merecida! Claro que, en realidad, es todo el reparto el que da un auténtico recital interpretativo".
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Jesús Lens, en Muchocine.net: "Hollywoodland sería un perfecto ejemplo de ese bulevar de los sueños rotos en que tantas aspiraciones terminan reventándose y haciéndose polvo".
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Peslisbilbao: "Una estupenda película que no sé si será un éxito, pero que merece más devoción que la más bien decepcionante, La dalia negra"